L’Opéra : ses débuts

l'opéra : ses débuts

L’Opéra, parfois perçu comme une pièce de théâtre mise en musique, est un art particulièrement riche qui regroupe plusieurs disciplines artistiques, telles que la musique, la danse, le chant, la poésie et les arts picturaux et vestimentaires. Opéra, qui signifie “Œuvre“ en italien, suggère la quintessence de ce que représente le genre pour ses créateurs : la perfection et la réunion de tous les arts dans une même création. Très souvent, les sujets prennent part dans la tragédie ou le drame. Tout comme le théâtre, l’Opéra est divisé en plusieurs actes et les textes y sont chantés et non récités. Découvrez les débuts de l’Opéra.

 

La naissance de l’Opéra

Pour retrouver les débuts de l’Opéra, nous devons remonter jusqu’à l’Antiquité. En effet, à cette époque, en Grèce antique, chanter faisait partie des habitudes des Grecs. Pendant les représentations théâtrales, un chœur, que l’on nommait Coryphée, intervenait lors des discussions des sentiments. Par la suite, au Moyen- Âge durant les messes, certains versets de la Bible étaient mis en scène et en musique. Et c’est enfin en Italie que nous retrouvons un des premiers éléments de l’Opéra : Le récitatif.

À la Renaissance, des pièces polyphoniques d’inspiration profane, du nom de madrigal italien, étaient très appréciées de la population. Toutefois, la compréhension des paroles des chanteurs était difficile puisqu’ils interprétaient à la fois un texte conséquent et une mélodie riche. La solution apportée, qui fut trouvée par un groupe de musiciens du nom de “La Camerata Florentina “, était de réciter le texte avec très peu d’accompagnement musical. De là est né le récitatif.
Claudio Monteverdi est celui qui a composé en 1607 l’un des tout premiers Opéras de l’histoire en s’inspirant des idées de “La Camera Florentina” : l’Orféo. Avant lui, Jacopo Peri composa Dafne à Mantoue en 1598. À l’époque de Monteverdi, la musique était au service du texte, qui était une priorité. L’Opéra fut un grand succès national : Il arrivait aux chanteurs d’être suspendu par des harnais, des machines faisaient apparaitre de larges décors et des fumigènes étaient utilisés.

Peu à peu, Monteverdi ainsi que ses élèves et ses successeurs, vont donner de l’importance à la musique. Elle devient l’interprète des sentiments. Les mots étaient donc répétés et les syllabes allongées.

C’est en 1700 que cette façon de chanter devient un des éléments les plus importants de l’Opéra. On l’appela Aria, aujourd’hui appelée Air.

L’Opéra en France : 

L’histoire, les transformations et les évolutions de l’Opéra diffèrent selon les pays, suivant les goûts et traditions locales. Grâce au cardinal Mazarin, c’est en 1645 que l’Opéra fait son entrée en France. La troupe originaire de Venise, emmené par Mazarin, joua La Finta Pazza à la cour de Louis XIV. La représentation a eu un franc succès. Le premier Opéra Français vit le jour seize ans plus tard : Pomone, de Robert Cambert et Pierre Perrin.

Grâce à Jean-Baptiste Lully, musicien de Louis XIV, la première école d’Opéra ouvra ses portes en France au début du XVIIème siècle. Les compositions de Jean-Baptiste Lully constituaient une réelle source d’inspiration pour des compositeurs de renom tels que Piccinni, Gluck et Jean-Chrétien Bach.

Au XIXe siècle, l’Opéra était au cœur des grands succès musicaux en France et conquis les autres pays comme la Russie et l’Allemagne.

Le récitatif est l’un des deux styles les plus caractéristiques du Chant Grégorien. Découvrez-en d’avantage en lisant notre article sur la musique du Moyen-Âge 

 

L'opéra : ses débuts
Claudio Monteverdi

Les décors et les costumes de l’Opéra

Au début du XVIIIème siècle, les éléments du décor n’étaient perçus que comme des éléments pour situer l’action des Opéras, mais c’est à la fin du XVIIIème que l’on commença à considérer celui-ci comme un élément fondamental du spectacle.

À la fin du XVIIIème siècle, la représentation scénique avait une place dominante dans les opéras de la période révolutionnaire. Les décors devaient être imposants, plus spectaculaires visuellement et plus prosaïques pour supporter les nombreux figurants sur scène. Avant cela, dans les dernières décennies de l’Ancien Régime, les costumes et les décors étaient des mises en scène des facteurs de nouveautés théâtrales.

Albert Alfred-Marie-Vincent était dessinateur de costumes. Il réalisa de nombreuses estampes d’artistes en costume de scène entre 1820 et 1840 pour les Opéras tels que Les Huguenots the Cendrillon. Ayant surtout une activité liée au théâtre à l’Opéra, il illustra les Bals de l’Opéra et de la Renaissance et a également dessiné des costumes pour l’Opéra-Comique et le Théâtre-Français.

Le décor, le costume et la performance scénique sont liés à la même cause : le désir d’éblouir le public et de les émouvoir. Cette exigence a conduit au développement de l’Opéra et surtout l’Opéra-Comique, comme un art complet.

 

L'opéra : ses débuts
Costume d’Opéra

Pomone : Le premier Opéra français

Premièrement, l’un des premiers musiciens à composer des opéras en français est Robert Cambert, compositeur né à Paris en 1627, considéré aujourd’hui comme le “père“ de l’Opéra français. Il collabore avec le poète Pierre Perrin qui obtient le privilège de l’académie royale de Musique créée en 1669.
Pour l’inauguration du premier théâtre lyrique parisien en 1671, ils composèrent ensemble l’opéra Pomone. Le jour de la première représentation, les billets se vendirent jusqu’à 15 livres. L’année qui suivi, Cambert, évincé de la scène lyrique, poursuivi sa carrière en Angleterre pour y recréer certaines œuvres qu’ils avaient composées avec Perrin.

L’œuvre connu un réel succès et resta à l’affiche durant plusieurs mois. Elle ne connut pas moins de 146 représentations, sur treize mois. Les rôles principaux étaient tenus par Mlle Cartilly (Pomone) et François Beaumavielle (Vertumne).

Pomone est divisé en 5 actes et un prologue :

    • Prologue : La Nymphe de la Seine et Vertumne, Dieu champêtre, admirent la puissance de Louis XIV et rendent hommage à la beauté de Paris et de la Seine
    • Acte I : Les vergers de Pomone
    • Acte II : Un parc de chênes
    • l’Acte III : Rochers et verdure
    • Acte IV : Jardin et berceau de Pomone
    • l’Acte V : Palais de Vertumne

 

L'opéra : ses débuts
Robert Cambert

Les différents types d’Opéra

L’Opéra ne cesse d’évoluer et se présente sous différentes formes. Tout dépend du caractère de l’histoire racontée. Il peut s’agir d’une comédie ou d’un drame.

L’Opéra-seria

L’Opéra-seria qui est un genre italien était très “tendance” au cours du XVIIIème siècle. L’Opéra-seria est une œuvre codifiée, composée d’une ouverture et de 3 actes. Les compositeurs s’inspirent souvent de la mythologie gréco-romaine comme thème. Tamerlano de G.F. Haendel compte parmi les œuvres les plus populaires.

La Tragédie Lyrique

La Tragédie Lyrique fut le genre le plus joué en France. Elle à connu son succès entre le XVIIème et XVIIIème siècles et ce grâce à Jean-Baptiste Lully qui voulait se différencier de l’Opéra italien. Toutes les disciplines telles que la musique, le texte, et la danse ont une place importante dans la Tragédie Lyrique.
Tout d’abord, les Tragédies Lyriques sont généralement composé d’une ouverture, d’un prologue et de 5 actes, les solistes, les récits, les chœurs et les danses ont chacun un rôle à jouer. L’Opéra-Ballet détrônera la Tragédie Lyrique à la suite du décès de Louis XIV.

L’Opéra-Ballet

Ce genre d’opéra est apparu au XVIIème siècle. Il comprend 4 ou 5 actes tous indépendants des uns des autres mais basé sur le même thème. C’est une œuvre conçue pour divertir le public, la danse a un rôle très important et l’histoire a un aspect plus simple. Parmi les œuvres les plus célèbres du genre opéra-ballet, il y a les Indes Galantes de Rameau.

Le Grand Opéra

Tout d’abord, le Grand Opéra est un genre français qui a vu le jour à Paris au XIXème siècle et qui a rencontré son succès entre les années 1830 et 1870. Il est composé de 4 ou 5 actes ainsi que d’un grand Ballet. Cette œuvre réunit des chœurs, plusieurs solistes et un grand orchestre c’est ce qui fait sa particularité.
Les thèmes de ce genre sont souvent dramatiques. L’histoire met en œuvre des scènes macabres et horrifiantes. Parmi les œuvres du grand opéra il y a Les Huguenots de Giacomo Meyerbeer.

L’Opéra-Bouffe

L’Opéra-Bouffe est apparu en 1855 et ce grâce à Jacques Offenbach qui a réalisé des œuvres comiques et légères. Le genre Opéra-Bouffe met en avant plusieurs protagonistes. Les Brigands, de J. Offenbach figure sur la liste des Opéra-Bouffe les plus connus.

L’Opéra Wagnérien

Le compositeur Allemand Richard Wagner est l’un des plus emblématiques compositeurs d’Opéra. Son style est basé sur le leitmotiv, la mélodie continue et le chromatisme, le tout exécuté par un orchestre aux dimensions impressionnantes. Pour jouer pleinement son rôle, l’orchestre utilise des instruments parfois peu répandus comme le Tuba wagnérien. Le style Wagnérien nous rapproche d’un monde légendaire, peuplés de dieux, d’êtres fantastiques, de chevaliers, de princesses mais aussi de la sagesse qui reflète la condition humaine, sur la passion émotionnelle et sur le sacré. 

Parmi les œuvres les plus célèbres de Wagner, L’Or du Rhin, composée en 1854 et Le Vaisseau fantôme, composée en 1843.

 

l'opéra : ses débuts
Salle d’Opéra

Conclusion

L’Opéra est né de la volonté de fusionner plusieurs arts : la musique, le théâtre, les arts visuels et la danse. Il connut une riche et lente évolution, mais ne fût jamais totalement abandonné. Grâce à l’apport de Wagner, l’Opéra a également inspiré la naissance du cinéma, qui lui a pris le “relais”. C’est avant tout une œuvre qui invite le spectateur à rêver, rire, prendre peur, pleurer mais aussi réfléchir sur sa propre condition.

 

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La musique de l’Antiquité

La musique de l'Antiquité

La musique semble avoir toujours existé : battements de mains, choc de pierres ou de morceaux de bois, le rythme fut le point de départ de cet art plusieurs fois millénaire. Depuis ses débuts, elle a suivi bien de chemins différents. Pour les hommes de l’Antiquité, la musique fut considérée comme venant des dieux. Les Grecs lui ont accordé bien plus d’importance qu’à d’autres arts majeurs comme la poésie, la danse et la médecine.

Grèce antique : Introduction à la musique classique

Ce qu’on nomme Antiquité commence du IIIe millénaire avant notre ère jusqu’au IVe siècle après Jésus-Christ, soit plus de 3000 ans d’Histoire. Les grecs ont été les premiers théoriciens de la musique. C’est le philosophe Pythagore et ses disciples : Philolaos de Crotone, Damon d’Athènes et Hippase de Métaponte, qui mirent en évidence le rapport entre les sons et les nombres. Ils créèrent le premier système musical de 7 notes. Il est dit que les égyptiens utilisaient déjà une gamme de 7 notes qu’ils avaient associées aux 7 planètes connues.

Pour tenter de restituer le système musical grec, nous disposons de quelques morceaux de musiques notées, mais aussi d’une description de la théorie et de la notation propre à la musique de cette époque. La table d’Alypius d’Alexandrie est aussi une base d’informations importantes car elle permet une conversion du solfège ancien vers le nôtre. Les Grecs utilisaient un système de notation instrumentale utilisant 15 signes spéciaux et un système de notation vocale utilisant les 24 lettres de l’alphabet ionien. Il y avait aussi des signes indiquant la durée, placé au-dessus des syllabes.
Ces notations étaient néanmoins peu utilisées. La musique se transmettait essentiellement à l’oral, de ce fait très peu de partitions ont pu arriver jusqu’à nous.

Malgré le rôle important que jouait la musique chez les Grecs, nous avons peu de témoignages concrets, uniquement des lambeaux de pièces difficilement exécutables :

  • Hymnes delphiques à Apollon (IIe siècle avant. Jésus-Christ.)
  • Epitaphe de Seikilos (IIe-IIIe siècle après Jésus-Christ)

Le fondement du système musical grec repose sur le tétracorde, formé par une succession de 4 sons conjoint dont les 2 extrêmes sont à un intervalle de quarte (2 tons et 1 demi-ton).

Les notes intermédiaires occupent des positions variées selon le genre du tétracorde :

  • Diatonique (½ ton, ton , ton)
  • Chromatique (½ ton , ½ ton , 1 ½ ton)
  • Enharmonique (¼ ton, ¼ ton, 2 tons)

La musique des Grecs était purement mélodique, ils ne connaissaient ni l’harmonie, ni la polyphonie.

 

La musique de l'Antiquité
Le système de notation de l’Antiquité

L’histoire du Solfège remonte à bien des siècles. Découvrez son origine mais aussi son évolution 

 

Les instruments de l’Antiquité

Comme dans d’autres civilisations de l’antiquité, on trouve l’usage de la voix ainsi que 3 familles d’instruments :

  • Les instruments à cordes (Cordophones)
  • À vent (Aérophones)
  • À percussion (Idiophones)

Les instruments Cordes

L’instrument à cordes emblématique des grecs est la LYRE. La Lyre est un instrument qui comportait 3, 5 ou encore 7 cordes et dont la caisse de résonance était composée d’une carapace de tortue travaillée et d’une peau de bœuf tendue. Les cordes étaient en tendons.

The BARBITOS est une Lyre plus grande et plus grave. Elle fut jouée entre autres par Alcée, Sappho et leurs disciples. On en jouait régulièrement pour honorer Dionysos.

La Lyre a peu à peu évolué vers la CITHARE. Ressemblant à la Lyre, le nombre de corde de la Cithare peut monter jusqu’à 15 voire 18. La caisse de résonance est en bois, prolongée par des bras coudés le plus souvent en ivoire.

La HARPE, qui est un des instruments à cordes les plus anciens, hérité des égyptiens.

The PANDORE se compose de 3 cordes, en nous rappelant le Luth : il se joue avec un plectre (ancêtre du médiator) et la note est obtenue en déplaçant la main gauche sur les cordes. On l’appelle aussi TRICHORDE.

Les instruments à Vent

Le principal instrument à vent des Grecs est l’AULOS, qui comporte deux chalumeaux en roseau. Contrairement à la flûte de cette époque, l’instrument se joue à l’aide d’une anche.

l’Aulos évoluera et finira par créer d’autres types instruments : L’ASCAULE est équipé d’une outre gonflée d’air et le MONAULE, Aulos à un seul chalumeau.

Les instruments à Percussion

Les SISTRES sont constitués de pièces métalliques qui s’entrechoquent.

Les TYMPANUMS sont des tambourins, constitués d’un cercle de bois couvert de peaux tendues sur les 2 côtés au moyen d’un lacet.

Et les CROTALES qui sont deux disques métalliques que l’on entrechoque.

 

La musique de l'Antiquité
Instrument de l’Antiquité

Une poétesse : Sappho

Sappho est une poétesse Grecque de l’Antiquité qui a vécu au VIIème siècle et avant Jésus-Christ. Comme les poètes de l’époque, elle était également musicienne et jouait de la Lyre, plus précisément du Barbitos. Elle enseignait à ses élèves, la grâce, l’art lyrique, l’amour par des codes spécifiques, notamment la métrique, ce qui fera d’elles, des jeunes femmes accomplies

Sappho était très célèbre et appréciée dans l’Antiquité. Dans une épigramme qui fut attribuée à Platon, l’auteur la qualifie de “dixième Muse“.
Sappho a fait un grand nombre d’odes, d’épigrammes, d’élégies, d’épithalames. Elle aurait composé neuf livres de poésie lyrique, cependant, il ne nous reste d’elle que quelques rares morceaux et des fragments d’oeuvres. Un seul poème est arrivé jusqu’à notre époque dans son intégralité : Ode à Aphrodite.

L’Ode à Aphrodite est une “prière “ adressée par Sappho à la déesse Aphrodite pour que la jeune fille qu’elle désire réponde à son amour.
Son thème favori semble être la passion amoureuse. Elle ne cachait pas dans sa poésie son amour des jeunes filles et son désir pour elles. Dans sa poésie s’exprime un amour sacré pour ces jeunes femmes qui la délaisseront vers un autre séjour, quittant l’île et sa compagnie pour toujours.

D’après Plutarque dans son traité De la musique, Sappho aurait inventé le mode mixolydien, l’un des trois principaux modes de la musique grecque antique.

 

La musique de l'Antiquité
Sappho

Musique de la Rome antique

Comparé à la musique de l’antiquité grecque, celle de la Rome antique est beaucoup moins connue. Assurément, les sources en rapport avec la musique de la Grèce antique et les informations, tels que les théories musicales de Pythagore et d’Aristoxène sont nombreuses. À l’inverse, peu de choses ont survécu sur la musique de la Rome antique.

Il semble que les Romains n’avaient pas d’attache particulière à cet art. Ils n’ont jamais consigner leur musique et ont dû emprunter la notation musicale des Grecs.

Malgré cela, les Romains ont assez apprécié la musique. De plus ils ont eu accès à un bon nombre d’instruments tels que :

  • La Tuba latine faisait partie de la famille des Cuivres, comme le Tuba moderne. Elle ressemblait fortement au Cor d’harmonie d’aujourd’hui. Elle possédait une longue trompe en bronze munie à son extrémité d’un pavillon conique amovible
  • Pour accompagner les danses rythmiques de certains rites, ils utilisaient les cymbales en cuivre, le sistre mais aussi les timbales et les castagnettes
  • Le corps du buccin était un instrument qui ressemblait à la lettre G, faisant partie de la famille des Cuivres
  • La Lyre, le Luth et la Cithare

 

La musique dans l'antiquité
Monument de la Rome Antique

 

Conclusion

Dans la musique moderne, l’harmonie et le timbre ont pris une très grande place, contrairement à celle de la Grèce antique qui durant des siècles n’a consisté que dans le rythme et dans la mélodie. Toutefois, deux des théoriciens de l’antiquité : Aristoxène et Ptolémée, ont traité de l’harmonie. Mais celle-ci, telle que l’un et l’autre l’entendaient, n’a que peu de choses en commun avec ce que nous appelons aujourd’hui l’harmonie, c’est-à-dire la formation et l’enchaînement des accords.

 

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Les femmes compositrices

Les femmes compositrices

Chopin, Bach, Mozart, Beethoven…La liste des grands compositeurs masculins est longue. Pourtant, les femmes compositrices existent depuis des siècles. Mais elles sont, et de loin, bien moins connues que leurs confrères. Pourquoi joue-t-on si peu d’œuvres de femmes compositrices ? Leurs œuvres ne plaisent-elles pas ? Les raisons sont multiples et bien des hypothèses ont été écrites ou restent encore à approfondir pour trouver une explication. Découvrez sans plus tarder quelques-unes de ces femmes compositrices.

Fanny Mendelssohn

Fanny Mendelssohn est une compositrice et pianiste allemande, née en 1805 à Berlin dans une famille d’intellectuels. Dotée d’une très bonne mémoire, son talent de musicienne se manifesta très tôt. Elle composa très jeune, se révélant être une pianiste extrêmement douée. C’est à ses 13 ans qu’elle joue pour la première fois l’intégralité des préludes du Livre 1 du Clavier bien tempéré de Jean-Sébastien Bach et ce par cœur. Ce qui impressionna sa famille. La composition prenait une place très importante dans sa vie.

L’interdiction prononcé par le père de la compositrice

Bien qu’elle soit une talentueuse pianiste et compositrice, ni son père, ni son frère ne l’a soutenue et l’ont empêché de pratiquer sa passion et de faire de la musique son métier. Selon le père, les concerts publics et la publication de ses compositions, ne faisaient pas partie des “activités féminines“. À ses 14 ans, il l’a donc conjuré à se concentrer sur son futur rôle de femme mariée et de mère.

Abraham Mendelssohn, écrivit à sa fille, alors âgée de 15 ans: “La musique deviendra sans doute pour Felix un métier, tandis que pour toi, elle ne peut et ne doit devenir qu’un agrément, et jamais l’élément déterminant de ton être et tes actes “.

Pendant que son frère Félix avait l’occasion de parfaire son art en se produisant comme pianiste à travers ses nombreux voyages, Fanny devait faire face aux interdictions d’Abraham Mendelssohn et aux limites de sa condition sociale. Malgré l’éducation qu’elle a reçu qui est similaire à celle de son frère, et les dons dont elle disposait, elle devait rester au domicile familial.

Au début des années 1820, les Mendelssohn organisaient des concerts privés, n’autorisant que les amis et connaissances de la famille, et ce dans leur demeure se situant à Berlin. Ces concerts continuaient d’avoir lieu même après le mariage de F. Mendelssohn avec Wilhelm Hensel. Ils étaient pour elle les seules occasions de se produire devant un public.

C’est seulement à la fin de sa vie que Fanny Mendelssohn s’oppose à son frère, quand celui-ci tente de lui interdire de publier ses œuvres en tant que compositrice. En un an, elle publie ses lieder, ses œuvres pour piano et ses œuvres vocales pour chœur.

On peut aujourd’hui recenser 6 œuvres de la compositrice

    • Lieder
    • Das Jahr, cycle pour Piano
    • Trio pour piano Op. posth. 2
    • Ouverture pour Orchestre
    • Oratorio Musik fuer die Toten der Cholera-Epidemie
    • Hero und Leander pour Soprano, Piano et Orchestre

 

Les femmes compositrices
Fanny Mendelssohn

Clara Schumann

Clara Wieck, de son nom d’épouse Schumann, est née en 1819 à Leipzig en Allemagne. Étant l’une des rares femmes compositrices de l’ère romantique, elle considérée comme la pianiste la plus remarquable de son époque. Nous recensons aujourd’hui plus de quarante œuvres de la compositrice.

Dès son plus jeune âge, initiée à la musique par son père, elle suit plusieurs cours de musique, dont : ceux de Piano, de Violon, de chant et de composition. C’est à six ans qu’elle donna son premier concert auprès d’une pianiste très réputée: Émilie Reichhold. Elle y rencontra son premier succès. C’est durant l’année de ses neuf ans que Clara rencontra Robert Schumann, âgé de dix-sept ans, après avoir été invité à jouer chez le Dr. Ernst où Robert Schumann étudiait auprès de son père.

En 1830, âgée de onze ans, elle commença une tournée musicale en Europe, en direction de Paris. Grâce à ses nombreux déplacements et à l’adoration que lui portait le public européen, Clara Wieck se bâtit une grande réputation en tant que pianiste. Chacune de ses apparitions sur scène provoqua l’admiration des spectateurs et des personnalités de l’époque. Des grands compositeurs, tels que Liszt, parlera d’elle comme une “grande prêtresse de l’art “ et Paganini dira : “Elle a la vocation de l’art parce qu’elle en a le sentiment“.

Suite aux performances de la compositrice à Vienne, qui souleva l’enthousiasme de Frédéric Chopin, celui-ci lui consacra plusieurs articles élogieux dans des journaux parisiens. Clara est alors âgée de 18 ans. Elle est remarquée en particulier pour sa facilité à jouer de mémoire, acquise grâce à la formation musicale à l’oreille de son père.

Discrète, observatrice et réfléchie, ces mots désignent parfaitement Clara Schumann. Découvrez son signe astrologique qui vous dévoile sa personnalité 

Clara Wieck devenue Clara Schumann

C’est au 18ème anniversaire de Clara Wieck que Robert Schumann lui demanda sa main. Toutefois, plusieurs obstacles vont alors se dresser face au nouveau couple. Le père de Clara, n’étant pas d’accord avec cet amour, déclara que si Clara épouse Robert, elle ne serait plus sa fille. Après des années à interdire que les jeunes amants se voient, il intente un procès aux futurs mariés. À la suite des décisions du procès, le jeune couple est autorisé à se marier.

Le talent de Clara Schumann se retrouve vite dans l’ombre de son mari. Cette existence rêvée est vite rattrapée par des tâches domestiques. Cependant, Clara reste l’une des rares femmes compositrices capables de vivre de son art dans une période dominée par des compositeurs masculins. Elle passa de la virtuosité de ses oeuvres vers un répertoire davantage sérieux et représentatif du Nouveau Romantisme.

Même après la mort de son mari, en 1856, elle a travaillé à faire connaitre et diffuser les œuvres du défunt.

 

Les femmes compositrices
Clara Schumann

 

Lili Boulanger

Marie Juliette Boulanger, dite Lili Boulanger, est une compositrice française, née à Paris en 1893. Lili Boulanger naît dans une famille de musiciens. Son père, Ernest Boulanger est compositeur et professeur de chant au Conservatoire de Paris.

Lili Boulanger, montre très tôt des talents musicaux étonnants. À l’âge de six ans, elle déchiffre déjà au piano des mélodies, notamment celles de Gabriel Fauré qui l’accompagne dans ses interprétations. Entrée au Conservatoire National de Paris en 1909, elle concourt une première fois pour le prix de Rome la même année. Cependant, une tuberculose intestinale l’oblige à se retirer de la compétition. Elle se présente une deuxième fois, l’année suivante, au concours qu’elle remporte à l’unanimité. Lili Boulanger devient non seulement la première femme à recevoir cette distinction mais reste également l’une des plus jeunes lauréates à avoir remporté ce prix. Elle est alors âgée de 19 ans.

Lili Boulanger, s’installa à la Villa Médicis où elle composa la plus grande partie de son œuvre. En décembre 1915, elle fonde avec sa sœur Nadia Boulanger, la Gazette des classes de composition du Conservatoire, organisme privé, qui permet aux musiciens engagés dans la guerre d’échanger des informations. Une dizaine de numéros seront alors publiés jusqu’en juin 1918.

Elle continua de composer jusqu’à sa mort en 1918, des suites de la tuberculose.

 

Les femmes compositrices
Lili boulanger

 

Vous souhaitez remonter un peu plus dans le temps et découvrir une compositrice beaucoup plus ancienne ? Découvrez dans cet article Sappho, la compositrice star de l’antiquité grecque.

Élisabeth Jacquet de La Guerre

Élisabeth Jacquet de La Guerre, est une compositrice et claveciniste française, née en 1665 à Paris. Elle est la plus célèbre des compositrices sous Louis XIV et Louis XV.

Le père d’Élisabeth Jacquet de La Guerre, appartient à une dynastie de musiciens bien connus aux ramifications multiples. C’est lui qui s’est chargé de son éducation musicale. Parmi ses frères et sœurs, Elisabeth Jacquet montre rapidement d’étonnantes dispositions pour le clavecin et pour le chant. Enfant prodige, vers l’âge de huit ans, elle est introduite à la cour de Louis XIV, où elle égaie les salons en chantant et en jouant le Clavecin.

Après avoir quitté la cour, elle devient une claveciniste et une professeure renommée. C’est en 1694 qu’elle créa son opéra “Céphale et Procris“ à l’Académie Royale de Musique. Malheureusement, l’Opéra eut peu de succès.

En 1707, elle publie six sonates pour Violon et Clavecin ainsi que des pièces pour Clavecin seul. Elle s’essaie à tous les genres musicaux : cantates religieuses, cantates profanes, pièces de tradition française et nouveautés italiennes.

Toute sa vie, Elisabeth Jacquet de La Guerre a œuvré pour faire jouer sa musique dans les plus hautes sphères musicales de son époque, passant outre les entraves liées à son statut de femme.

Élisabeth Jacquet de La Guerre est considérée comme l’une des premières femmes en France à avoir composé un Opéra-Ballet et reste reconnu pour sa musique pour Clavecin.

 

Les femmes compositrices
Élisabeth Jacquet de La Guerre

 

Madalena Casulana

Maddalena Casulana est une compositrice, luthiste et chanteuse italienne née vers 1544. Elle a reçu son éducation à Casole puis a déménagé à Florence, où ses mécènes ont été les premiers à écouter ses compositions. De là, elle se rend à Venise, où elle donne des cours particuliers de chant et de composition à partir de 1568.

C’est à l’âge de 20 ans que Maddalena Casulana débuta sa carrière. Sa première œuvre connue, le recueil de quatre madrigaux Il Desiderio, date de 1566. Deux ans plus tard elle publie à Venise son premier livre de Madrigaux pour quatre voix, Il primo libro di madrigali, première œuvre musicale publiée par une femme.

En 1568, Antonio Molino un marchand, acteur et écrivain Vénitien, qui est considéré comme l’un des pères fondateurs de la Commedia dell’arte, dédicace son livre de Madrigaux à Maddelana Casulana. Il y indique que ce livre n’aurait jamais pu voir le jour sans les leçons de musique dispensées par la compositrice. De même, en 1569, le peintre et poète Giambattista Maganza lui dédia une chanson.

L’œuvre de la compositrice se compose de trois livres pour un total de 66 Madrigaux, qui sont les premières œuvres composées par une femme à être éditées.

Maddalena Casulana fut la première femme connue à avoir ouvertement fait de la composition et de la musique son métier.

 

Les femmes compositrices
Madalena Casulana

Conclusion

Les femmes compositrices ont toujours existé, mais elles ont dû faire preuve de ruse et parfois d’audace pour se faire reconnaître et pour faire jouer leur musique. Il a été difficile pour les compositrices de l’époque de se faire un nom malgré leurs talents, et c’est encore le cas pour celles d’aujourd’hui. Heureusement, les initiatives se multiplient pour les faire connaître. Le festival Présences Féminines ne programme que des oeuvres de femmes depuis une dizaine d’années et l’association ComposHer propose des listes de lecture, des entretiens ainsi que des partitions de compositrices.

 

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Instruments à Cordes : Comment les accorder ?

Instruments à Cordes : Comment les accorder ?

Les instruments de la famille des Cordes sont des instruments de musique dont la partie sonore est constituée par une ou plusieurs cordes. C’est la vibration des cordes qui produit le son de l’instrument. La corde est la plupart du temps composée de boyau, de nylon ou d’acier, tendue sur le corps de certains instruments de musique. Parmi eux, les instruments à cordes pincées (cordes que l’on fait vibrer avec les doigts ou un plectre), frottées (cordes que l’on fait vibrer avec un archet) ou frappées (à l’aide de marteaux). Chaque instrument de la famille des Cordes possède une façon particulière pour être accordé.

The Violoncelle

Le Violoncelle est un instrument de la famille des Cordes frottées. Il tire ses origines d’Italie, aux environs de 1552 par Andrea Amati, luthier de Crémone qui donnera au Violoncelle les caractéristiques fondamentales qui sont les siennes depuis lors. À l’époque l’instrument était suspendu au cou de l’interprète, notamment dans les cortèges. Puis c’est au XVIIe siècle que l’instrumentiste le tient serré entre les genoux, ce qui entraîne une pression des genoux sur les éclisses. Aujourd’hui le Violoncelle se joue assis avec un archet que l’exécutant frotte sur les cordes. L’archet est un morceau de bois sur lequel est tendu des crins de cheval. Le Violoncelle est composé de quatre cordes en acier : Do, Sol, Ré et La. Il dispose d’un grand ambitus mais il est surtout à l’aise dans le registre grave. Il est cependant plus aigu que la Contrebasse et bien plus grave que le Violon.

Les cordes du Violoncelle sont numérotées de la corde la plus aiguë à la corde la plus grave :

  • Corde n°1 notée I = corde de LA : c’est la corde la plus aiguë
  • Corde n°2 notée II = corde de RÉ
  • Corde n°3 notée III = corde de SOL
  • Corde n°4 notée IV = corde de DO : c’est la corde la plus grave

Pour accorder son Violoncelle le plus courant est d’avoir la note LA pour référence. Une fois trouvée, on pourra accorder les autres cordes grâce aux quintes produites entre les cordes à vide. Pour trouver le LA, plusieurs possibilités : un accordeur, un diapason et même une application sur un smartphone.

Après avoir choisi l’un de ces outils, Dé-serrez légèrement la cheville de la corde que vous souhaitez accorder. Puis tournez la afin d’atteindre la note désirée. Testez le son produit par la corde en la pinçant avec votre doigt et comparez là à la corde suivante. En effet, vous devriez entendre une quinte juste (DO/SOL par exemple), intervalle caractéristique. Une fois la note cible trouvée, repoussez la cheville dans son emplacement afin qu’elle bloque et maintienne la corde. Répétez cette étape pour chaque corde.
Si la note est trop aiguë (# sur l’accordeur), il faut détendre la corde.
Si la note est trop grave (b sur l’accordeur), il faut tendre la corde.

Cette technique d’accord sera valable également pour le Violon, l’Alto et la Contrebasse (bien que les chevilles de cette dernière soit plus simple à verrouiller, ressemblantes à celles de la Guitare).

 

Instruments à Cordes : Comment les accorder ?
Violoncelliste

La Guitare

La Guitare est un instrument de musique à Cordes pincées. Elle a traversé diverses époques, sous différentes formes. On estime que la première Guitare remonte à 3500 ans. C’est au 19ème siècle, vers 1850 que la Guitare que nous connaissons aujourd’hui prend sa forme définitive et ce grâce au fabricant espagnol Antonio Torres. La Guitare possède 6 cordes que l’instrumentiste peut faire vibrer à l’aide de ses doigts ou en utilisant un médiator/plectre. Cependant, il existe aussi des Guitares possédant 12 cordes.

Pour régler la hauteur d’une corde, il suffit de tourner la mécanique correspondante de la corde sur la tête de la guitare. Les cordes sont numérotées de 1 à 6, en commençant par la corde la plus haute.
Tourner la mécanique vers l’extérieur de la guitare, tendra la corde et augmentera sa hauteur. Et inversement, tourner la mécanique vers vous, permettra de desserrer la corde et d’abaisser sa hauteur.

Pour pouvoir accorder sa Guitare avec un accordeur, il faut jouer chaque corde l’une après l’autre, l’accordeur interprétera les ondes sonores qu’il capte de votre guitare, et affichera les notes qu’il perçoit. Il vous dira si votre guitare est accordée en quelques secondes, et vous permettra de modifier la tension de la corde en conséquence pour ajuster sa hauteur.

Vous pouvez aussi accorder votre Guitare à l’aide d’applications gratuites et payantes pour smartphones sous iOS et Android.

La Guitare fait parti des instruments les plus pratiques pour composer. Découvrez la liste des autres instruments, tout aussi pratiques. 

Instruments à Cordes : Comment les accorder ?
Guitariste

La Harpe

La Harpe est un instrument de la famille des cordes pincées. Son ancêtre, la Harpe sur cadre, apparait entre le 8ème et le 10ème siècle avant Jésus-Christ. La Harpe fut l’un des instruments de prédilection des musiciens ambulants en Europe jusqu’au milieu du 15ème siècle. L’instrument, telle que nous la connaissons aujourd’hui, remonte à 1810 environ.

Pour accorder une Harpe, il faut commencer par la première note qui servira ensuite de référence. Usuellement, on accorde le LA à partir du diapason, mais à défaut de diapason, on peut prendre pour référence un autre instrument déjà accordé ou un accordeur électronique. Il s’agit souvent du Hautbois à l’orchestre, ou du Piano à la maison. Il suffit alors de tendre ou de détendre les cordes en tournant les chevilles à l’aide de la clef d’accord.

En général, on tend en tournant la cheville dans le sens des aiguilles d’une montre et on détend dans l’autre sens.

L’accord à l’oreille se fait toujours de manière relative, c’est-à-dire d’une note par rapport à une autre. Pour accorder à l’oreille, il faut être attentif à un phénomène d’interférence entre les harmoniques que l’on appelle battements.

 

Instruments à Cordes : Comment les accorder ?
harpiste

Le Piano

Le Piano est un autre instrument de la famille des Cordes, plus particulièrement à Cordes frappées. Les cordes sont misent en vibration par des marteaux couverts de feutrine. Le Piano-Forte, ancêtre du Piano moderne, crée par Bartolomeo Cristofari, est né au 17ème siècle. L’invention du Piano s’inspire du Tympanon médiéval et du Clavicorde qui sont des instruments à cordes frappées. L’instrument fut d’abord baptisé “ Clavicembalo col piano e forte “ qui signifie “Clavecin pouvant jouer Piano et Forte”. Cette appellation fut abrégée au profit du nom Piano.

Certains spécialistes diront qu’il faut accorder son Piano jusqu’à une fois par trimestre, soit quatre fois par an et d’autres disent qu’une fois par an est largement suffisant. Accorder un Piano est une succession d’opérations qui peuvent s’avérer complexes. Il est fortement conseillé de faire appel à un professionnel qui pourra accorder votre Piano correctement. Le faire soi-même requiert une bonne oreille ou un appareil de mesure adapté ainsi qu’une fine connaissance de l’harmonie. Enfin, cela nécessite également d’avoir un matériel adapté.

Le principe de base de l’accordage ressemble à celui de la Harpe. Grâce à une clef d’accord, l’accordeur vient tourner les chevilles des cordes, directement sur le cadre en fonte de l’instrument. Certains principes plus complexes rentrent ensuite en ligne de compte, comme par exemple le fait d’accorder plus haut que le son demandé, certaines parties du clavier, pour compenser certains phénomènes acoustiques. L’accordeur se servira soit d’un appareil, pour trouver la bonne hauteur des notes, soit tout simplement de son oreille relative en réglant les notes les unes par rapport aux autres, grâce à une note de départ de référence.

Il existe un manuel très complet qui montre aux musiciens comment entretenir leur Piano, mais aussi comment l’accorder. Ce livre contient toutes les étapes pour accorder votre piano, et des images qui vous aideront à mieux comprendre le fonctionnement de votre instrument :

  • Le piano : Accord, entretien et restauration, d’Arthur A. Reblitz.

 

Instruments à Cordes : Comment les accorder ?
Pianiste

Conclusion

Tous les instruments faisant partie de la famille des Cordes, finissent par se désaccorder. La chaleur, l’hygrométrie ou tout simplement l’usage y participent. Bien accorder son instrument demande de la patiente et de la pratique. Chacun de ces instruments possède sa propre façon d’être accordé. Évidemment, il existe diverses méthodes pour accorder son instrument mais beaucoup recommande de s’accorder sur le LA du diapason, car c’est une note de référence utilisée par tous les musiciens et disponible sur tous les accordeurs. Avec la méthode de déchiffrage Sight-O, vous disposerez de deux LA : 440hz et 442hz, afin de pouvoir vous accorder avant de commencer vos exercices. Testez gratuitement la méthode ICI, et progressez rapidement !

 

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L’évolution du Solfège vers la Formation Musicale

: L’évolution du Solfège vers la Formation Musicale

Le Solfège, aujourd’hui rebaptisé “ Formation Musicale “ dans les conservatoires, permet de savoir lire, écrire et jouer une partition de musique. Il est la base et réceptacle théorique de toutes musiques, quels que soient leurs répertoires, savant (musique classique) ou populaire (musique actuelle). Cependant ce nouveau terme de Formation Musicale n’est pas connu de tous et reste impopulaire parmi les élèves, les parents et même certains professionnels. Pour quelles raisons ce terme a-t-il été changé ? Quelles sont les différences entre le Solfège et la Formation Musicale ? Découvrons-le sans plus tarder.

 

L’histoire du Solfège et comment il s’organisait

Le Solfège s’est construit au fil du temps et des époques. À l’origine, les Grecs de l’Antiquité avaient mis au point une organisation musicale en associant des lettres de l’alphabet à des sons correspondants. Aujourd’hui encore, cet alphabet musical reste en vigueur dans les pays Anglo-Saxons et est utilisé dans le Jazz et les partitions modernes. C’est en Italie qu’est né le Solfège moderne. Il va évoluer et se structurer jusqu’à devenir vers la fin du XVIe siècle le Solfège que nous connaissons aujourd’hui.
Le Solfège est une étape importante dans l’amélioration des compétences auditives et musicales. Le pratiquer est nécessaire pour tout musicien désireux d’approfondir sa pratique musicale. En effet, Le Solfège permet :

  • La pratique du chant ou d’un instrument
  • L’interprétation d’une partition (lecture à vue, écoute intérieure, hauteurs des sons, rythmes, nuances, modes de jeu)
  • L’étude théorique des œuvres musicales
  • La composition d’œuvres musicales

Apprendre le Solfège restait toutefois assez difficile, cela nécessitant une grande rigueur. L’apprentissage du Solfège s’organisait sur plusieurs étapes :

  • Apprendre à lire les notes, qui comprend un ordre spécifique d’apprentissage: connaitre les noms des notes dans l’ordre mélodique conjoint puis connaitre les notes par succession de tierces, tout autres intervalles, etc..)
  • Apprendre à lire des rythmes avec diverses méthodes
  • Se familiariser avec la théorie de la musique (Gammes, tonalités, harmonie (science des accords), etc…)

Vous souhaitez en savoir plus sur les origines du Solfège ? Découvrez notre article qui retrace l’histoire du Solfège depuis sa création 

L’évolution du Solfège vers la Formation Musicale
Le Solfège : une étape importante

La réputation du Solfège

Trop complexe, long, rébarbatif, voici les adjectifs que certaines personnes utilisaient pour qualifier la pratique du Solfège. Pour certains, le mot “ Solfège “ était synonyme de “travail fastidieux et interminable“. Avec cela apparut l’adage que le Solfège pouvait éteindre à jamais la passion originelle d’une personne pour la musique.

Dans le système officiel d’apprentissage de la musique, le Solfège occupait une place prépondérante et c’est dans les conservatoires qu’il était enseigné pendant au moins 8 ans et ce de façon obligatoire. Le Solfège est très vite devenu la bête noire du cursus du musicien. Le reproche est né d’une image installée, celle d’un enseignement purement théorique qui met les élèves devant des exercices de rythme, de lecture ou de dictée complètement dissociés de leur pratique instrumentale.

L’idée d’apprendre le Solfège aura beaucoup effrayé. En réalité, les personnes concernées sont surtout inquiètes de faire face à un apprentissage complexe et peu concret. Par ailleurs il est souvent dit que maîtriser le Solfège, comme tout conditionnement, pourrait altérer la créativité.

En effet, certains musiciens pensent que les experts en théorie musicale ne font qu’appliquer les connaissances acquises. Ainsi, l’émotion dans l’interprétation pourra manquer et la moindre improvisation deviendra une épreuve d’application de recettes prémâchées.

Mais si ces reproches ont la peau dure, c’est aussi parce que l’enseignement de la discipline a pendant longtemps été faites pas des professeurs rigides et peu enclins à transmettre avec passion la richesse et la grande utilité de ces savoirs. Car avec la forme, le fond importe peu.

Un article du Monde datant de 2012 a évoqué le “cauchemar“ vécu par les jeunes musiciens qui ont appris le Solfège au conservatoire. À priori, nombreux sont ceux qui ont arrêtés les études du jour au lendemain.

Cette peur du Solfège ne concerne pas uniquement les jeunes. Beaucoup d’adultes qui souhaitent apprendre à jouer d’un instrument de musique redoutent l’idée de commencer par le Solfège et certains d’entre eux hésitent à intégrer le conservatoire ou une école de musique qui applique la méthode d’apprentissage traditionnelle.

Pourtant, maîtriser le Solfège présente d’énormes avantages. La majorité des musiciens qui ont réussi leur cursus en matière de théorie musicale se démarquent par leur virtuosité et leur compréhension de leur art.

 

L’évolution du Solfège vers la Formation Musicale
Jouer du Solfège présente de nombreux avantages

 

Qu’est-ce que la Formation Musicale et comment elle s’organise ?

La Formation Musicale est souvent confondue avec le Solfège. Certains gardent de très mauvais souvenirs du Solfège et les “À priori “ sont légion quand on évoque cette méthode d’apprentissage.
C’est en 1977 que la Direction de la musique du Ministère de la Culture met en place une commission chargée de la réforme. Dans les conservatoires, le terme Solfège devient alors Formation Musicale. Ce changement entrainera également une réforme de l’apprentissage en lui même.

Dans un document intitulé “Étude de formation musicale“ publié en 1977, la Direction de la musique du Ministère de la Culture nous dit “ Partir de la musique pour en découvrir le langage et ses techniques est plus formateur qu’une étude analytique abstraite, élément par élément, desséchante par définition, dont l’usage démontre qu’elle tourne souvent le dos au but à atteindre : la connaissance et l’apprentissage de la musique.“

En France, les cours de Solfège ont donc été remplacés par les cours de Formation Musicale, dit “FM“. Le Solfège ne fût pas pour autant complètement abandonné dans l’apprentissage à proprement parlé. La discipline devint une sous partie de la Formation Musicale, pratiqué dans une moindre mesure et plus diffuse au milieu d’autres apprentissages devenu plus concrets.

En Formation Musicale, nous chantons, nous écoutons et commentons des oeuvres importantes du répertoire. Nous lisons la musique et nous l’écrivons. Les rythmes peuvent être effectués et ressentis avec le corps ou l’instrument et la créativité musicale est elle aussi stimulée par des initiation à la composition et à l’arrangement.

La Formation Musicale comporte dans la plupart des cas :

  • Le Solfège (apprentissages de base en lecture, rythme et théorie)
  • Le Chant
  • La pratique du Rythme
  • Les Dictées Musicales
  • L’Analyse
  • Les bases de l’Harmonie
  • La Culture Musicale et l’Histoire de la Musique
  • L’apprentissage de l’Écoute et de la Critique Constructive

 

L’évolution du Solfège vers la Formation Musicale
Du Solfège à la Formation Musicale

Pour ou contre la Formation Musicale ?

La place de la Formation Musicale dans l’enseignement de la musique au conservatoire continue à diviser. D’autant plus que ce type d’enseignement est une spécificité française, et les autres pays abordent la théorie musicale bien différemment.

Beaucoup de compositeur pensent que le Solfège reste une force en France. Le compositeur et ancien directeur du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris Bruno Montovani estime que les cours de Solfège français sont très structurés et donc meilleurs que les pays asiatiques qui apprennent sur le tas ou même l’Allemagne qui enseigne différemment des français ce qui fait que les musiciens d’orchestres Allemands ne deviennent pas des As du déchiffrage.

D’autres compositeurs tels que Marc-Olivier Dupin, estime qu’il faut garder la Formation Musicale réservée aux futurs professionnels. À l’image du Solfège spécialisé qui autrefois, était enseigné aux futurs musiciens à l’adolescence.

 

Les différents avis sur le Solfège, Pour ou Contre ?

Conclusion

On en conclut que la musique est au cœur du dispositif et que la Formation Musicale c’est comprendre la musique en la pratiquant. C’est elle qui va diriger les idées, qui va diriger
les projets, qui va diriger aussi le contenu d’un cours. Grâce à la musique, on déterminera les éléments dont on a besoin. Parmi ces éléments, il y a les différentes composantes du Solfège. Aujourd’hui, le terme Formation Musicale a encore du mal à se faire une place dans le vocabulaire musical. Peu de personnes connaissent ce terme et continuent de se référer au traumatisant “ Solfège ”.

 

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Piano acoustique ou numérique : comment choisir ?

Que l’on s’attelle au répertoire Classique, Jazz ou même Pop, le Piano offre une immense palette expressive. Le Piano est l’instrument le plus utilisé par les compositeurs, notamment en France, c’est ce qui fait de lui la “star” des instruments. Cependant, beaucoup de nouveaux pratiquants ne savent que choisir entre un Piano acoustique et un Piano numérique. Nous pouvons peut-être vous aider à faire votre choix. Découvrez dans cet article les avantages et les inconvénients du Piano acoustique et numérique.

 

Le Piano acoustique

Le Piano acoustique propose une grande variété d’expressions musicales et un touché privilégié. C’est pourquoi il a séduit de nombreux musiciens exigeants. Le fonctionnement de ce Piano est mécanique : les touches animent des marteaux qui frappent les cordes de diamètres variables. Ces cordes vibrent tout en étant amplifiées par la table d’harmonie.

Les avantages du Piano acoustique :

Un piano droit ou à queue est un instrument acoustique qui vibre et résonne. Il donne une sensation sonore plus directe et réaliste qu’un Piano numérique. Le son sera plus puissant sur un Piano à queue et offrira au pianiste une sensation de jeu plus précise et aboutie. De plus, le Piano à queue se présente comme un meuble luxueux qui donne une touche de charme et d’élégance au décor de la maison.
Pour un pianiste virtuose ou même un professeur de conservatoire, rien ne peut égaler un Piano acoustique. Avec un tel instrument, le pianiste peut jouer précisément toutes les nuances, du pianissimo au fortissimo, avec facilité et équilibre. Cependant, la qualité du rendu sonore de l’instrument dépendra de la force de frappe ou du touché de l’exécutant. En jouant sur un Piano acoustique, le pianiste peut également bien mieux travailler la souplesse et la puissance de ses doigts.
Ajoutons que le Piano acoustique est équipé de pédales fixes très résistantes, ce qui optimise le confort d’usage du musicien.
Pour des raisons de place ou de budget, il existe également les Pianos droits. Ces Pianos peuvent plus facilement s’intégrer dans votre logement et le coût en sera moins élevé. La puissance de l’instrument sera moindre et le son, moins précis. La raison budgétaire fait que le Piano droit est l’instrument le plus présent dans les écoles de musique, en comparaison du Piano à queue.
Pour débuter l’apprentissage du Piano, tous professeurs conseillera d’utiliser un Piano acoustique.
Pour finir, le Piano possède une forte longévité lorsqu’il est entretenu avec soin. Un bon nettoyage, un accord régulier et un réglage par un professionnel sont nécessaires lorsque vous possédez cet d’instrument.

Les inconvénients du Piano acoustique :

Le Piano acoustique est un instrument qui peut être fragile, d’autant plus si il s’agit d’un modèle à queue. Il est conçu avec des mécaniques de précision et son entretien peut s’avérer délicat. De plus, le Piano est un objet encombrant. Son emplacement est à choisir minutieusement car il ne supporte pas la variation de température et l’hygrométrie de l’air. Pensez également aux qualités acoustiques de la pièce qui le recevra.
Son poids aussi est un inconvénient. Sans l’aide de déménageurs spécialisés et assez coûteux, il est quasi impossible de le transporter sans l’endommager.
Il faut aussi ajouter que les vibrations du piano se propagent dans les murs et les planchers lorsque vous jouez ce qui peut s’avérer être une nuisance pour les voisins. Pour remédier à ce problème, certains fabricants proposent des instruments acoustiques avec un système silencieux comme Yamaha et Kawai :

  • Yamaha B1 SC2 PE
  • Kawai E-200 ATX3-L SB Piano

Un autre inconvénient du Piano acoustique est qu’il se désaccorde au fil du temps. Cela est dû à l’humidité et aux changements de température, mais aussi à la tension des cordes qui se modifie et diminue. L’accordage est un processus méticuleux, souvent réalisé par un accordeur professionnel. En général, un Piano acoustique doit être accordé au moins une fois par an.
Acheter un Piano acoustique est un réel investissement. Le coût de l’instrument, surtout lorsqu’il est de grandes marques, est très élevé. Cependant, il existe une solution. Il est possible de le louer au lieu de l’acheter. Il y’a plusieurs avantages à cette solution : apprendre le piano nécessite du temps, des heures de travail et parfois, par manque de temps, on arrête son apprentissage. Dans ce cas-là, l’arrêt de location est rapide et simple.
Louer permet aussi de changer de Piano au fur et à mesure de son apprentissage : commencer avec un Piano premier prix pour ensuite évoluer vers un Piano acoustique de qualité supérieure.

L’un des instruments favoris des français est le Piano, découvrez dans cet article la liste des autres instruments !

 

Piano acoustique ou numérique : comment choisir ?
Un Piano acoustique

Le Piano numérique

Le Piano numérique est une version plus moderne du Piano acoustique. Il est disponible dans de nombreuses tailles, avec plus ou moins de fonctionnalités et dans diverses gammes de prix.

Les avantages du Piano numérique :

Les Pianos numériques sont plus compacts, plus légers donc plus facilement transportables. De plus, ils ne craignent ni les variations de température ni l’humidité (n’y versons pas un seau d’eau). Autrement dit, il est beaucoup moins sensible à son environnement que peut l’être le Piano acoustique. Il est aussi moins cher, plus petit et discret car il ne possède pas toute la mécanique du Piano acoustique.
Puisqu’il ne possède pas toutes les pièces mécaniques du Piano acoustique, il n’a nul besoin d’être accordé et vous pouvez tout simplement baissez le volume et vous entrainer avec un casque. Cela évitera les nuisances sonores qui pourront déranger vos voisins.
Sur certains modèles se trouvent deux sorties casques, des ports USB et/ou MIDI, des sorties audio et parfois des entrées audio. Cela vous permettra de brancher votre Piano numérique à un ordinateur, du matériel d’enregistrement ou des amplificateurs. Qui plus est, les modèles les plus récents sont souvent compatibles avec des applications. Il devient alors plus facile de suivre des cours à distance ou en ligne. La composition avec un Piano numérique est également très pratique et permet la saisie de partitions en un temps record grâce à des applications adaptées.

Dans cet article retrouvez les meilleures applications gratuites pour la saisie de vos partitions de musique.

 

Les pianos numériques ont connu un développement remarquable dans la qualité des claviers et des sons. La mécanique sophistiquée du clavier et les sons échantillonnés font en sorte que la différence de son et de touché entre un Piano acoustique et numérique soit minime.

Les inconvénients du Piano numérique:

Les touches du Piano numérique manquent parfois d’un peu de dynamisme. Même si vous maîtrisez la force de frappe, vous ne pouvez pas obtenir les nuances les plus précises. De plus, les pédales de l’instrument sont souvent en plastique, désolidarisées de l’instrument et peuvent manquer de robustesse.
D’un point de vue écologique, le Piano numérique aura besoin d’être branché sur secteur. Ce qui en fait un consommateur d’électricité, à contrario du Piano acoustique.
Cet instrument vous prive également de cette sensation agréable appréciés des pianistes, au moment d’enfoncer les touches : percuter la corde. Il est également convenu de dire que le son du numérique ne pourra jamais remplacer le son naturel de Piano acoustique.

Piano acoustique ou numérique : comment choisir ?
Un Piano numérique

Alors, lequel choisir ?

Il y’ a plusieurs paramètres à prendre en compte lors du choix : le budget, la place disponible, le toucher, si vous être débutant ou pas. Tous ces critères vous permettront de choisir le Piano qui vous conviendra.
Toutefois, il existe une technique pour rallier le Piano acoustique et le Piano numérique. Il est question de greffer un système numérique sur votre piano acoustique. Vous pourrez le demander lors de la commande de votre Piano et il sera conçu ainsi en usine. Ce “ 2 en 1 ” vous permettra de jouer sur un des deux systèmes, c’est-à-dire de bénéficier d’un piano acoustique en journée et de pouvoir travailler au casque en soirée. Seulement quelques marques prestigieuses proposent cette alternative, qui reste cependant très coûteuse.

Conclusion

En fonction de chaque personne et de leur situation, le choix du Piano peut varier. Certains préféreront la praticité et le poids du numérique. D’autres l’acoustique avec le son et le touché inégalable qui le caractérise. Il n’y a ni bon, ni mauvais choix, seulement des cas de figures qui vous seront propres. Il y a autant de sons et de type de clavier qu’il y a de fabricants voire de modèles. Le mieux reste à demander conseils auprès de spécialistes au moment de l’achat, en vous rendant en boutiques. Ils sauront mieux que personne vous conseiller et vous guider. Le plus important et que vous vous sentiez bien avec votre nouveau Piano.

 

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La méthodologie en déchiffrage

La meilleure méthodologie en déchiffrage


Vous venez très probablement de vous inscrire sur Sight-O et nous sommes sacrement contents de vous compter parmi nous. Dans les lignes qui suivent, vous allez en savoir plus sur la méthode et comment l’appliquer. Il est très important de lire et de retenir les informations de ce petit “mode d’emploi” afin de faire vos premiers progrès le plus rapidement possible.

Le déchiffrage est l’art d’exécuter une partition de musique sans l’avoir jamais vu auparavant. Cela demande quelques notions théoriques et pratiques (environ six mois à un an d’instrument et/ou de formation musicale).

Si vous parcourez ces lignes, c’est que vous souhaitez progresser en déchiffrage. Nous allons vous dire précisément comment vous y prendre.

 

1 – À QUOI SERT LE CACHE

Le Cache est une des singularité de la méthode Sight-O. Vous ne le retrouverez dans aucune autre méthode en ligne ou application au monde, bien que son principe soit connu depuis des décennies (voir des siècles!).

Voici les trois fonctions du Cache dans Sight-O :

                    1/ Lire en avance, étendre son champs de vision et anticiper les difficultés

Votre champs de vision est beaucoup pour large que vous ne le croyez. Pourtant, bien souvent, vous lisez en “note à note”. Lire note à note reviendrais à lire mot à mot votre journal du matin. Absurde et contre-productif, non? Le Cache vous permet d’étendre votre champs de vision et donc de voir les difficultés arriver de plus loin. D’anticiper, en somme.

                 2/ Empêcher de revenir en arrière pour vérifier ce que l’on vient de jouer

C’est la source d’erreur numéro une. Vous venez de passer un sacré paquet de notes et vous vous dites qu’il faut vérifier si vous avez bien joué les bonnes… C’est totalement inutile et cela rajoute à votre cerveau une charge de travail supplémentaire. Sachant qu’il sera déjà bien sollicité lors d’un déchiffrage. Vous devez absolument oublier les notes lues pour vous concentrer sur les suivantes. On ne change pas le passé!

               3/ Il se déplace au tempo de l’exercice et oblige à ne pas s’arrêter

Imaginez-vous au milieu d’un orchestre face à un public. Vous vous trompez à la mesure 84. Arrêteriez-vous l’orchestre pour reprendre à 82? Absolument pas. Ne vous arrêtez pas, jamais! Oubliez même que cela vous est possible.

2 – COMMENT LIRE AVEC LE CACHE

Attention, partie très importante!

Le cache se déplace au tempo de la partition. Pendant que vous jouez la ou les notes sous l’extrémité droite du cache, vos yeux lisent et mémorisent la ou les notes suivantes.

      • Jouer

Le Cache masque la pulsation que vous êtes en train de jouer à son extrémité droite. Quand on parle de pulsation, cela peut être une seule note, ou un groupe de notes. Tout dépend de sa valeur (croche, noire, noire pointée, blanche,…). La pulsation d’un exercice est indiquée au niveau du Tempo dans le bandeau de commandes (un exemple ici avec une pulsation à la noire). Nous reparlerons du tempo plus bas dans cet article.

Exemple : votre exercice est à la noire. Si le Cache passe au dessus d’un groupe de quatre doubles croches, elles seront toutes masquées en même temps : voir ici

Autre exemple :  pendant un exercice à la noire, le cache restera deux pulsations au dessus d’une blanche. Il se déplacera légèrement cependant pour continuer de vous indiquer le tempo : voir ici

      • Lire

Pendant que vous jouez la ou les notes sous le cache, vos yeux et votre cerveau vont devoir lire et mémoriser la pulsation qui arrive (qui peut être composée d’une ou plusieurs notes, encore).

Quelques temps après vos premiers progrès en déchiffrage, il se peut que vous ne lisiez plus simplement une pulsation en avance, mais deux, trois… voir dix. Certains des meilleurs élèves de Pierre sont arrivés jusqu’à dix groupes de quatre double croches. N’ayez pas peur, cela va se faire petit à petit.

Votre cerveau fait donc deux choses à la fois : jouer la pulsation sous le cache et lire et retenir la pulsation qui vient. Vos yeux ont donc toujours un temps d’avance sur votre exécution instrumentale. Vous lisez en avance. L’un des points les plus difficiles sera de gérer et de maintenir ce léger décalage.

Voici un exemple solfié :

                                    

 

3 – LA LECTURE PRÉPARATOIRE

Nous sommes dans le vif du sujet.

Les informations essentielles de la partition

Avant de commencer un exercice, prenez 30 secondes pour identifier et mémoriser :

  • Le tempo (que vous pouvez modifier. Voir le chapitre TEMPO, plus bas)
  • La pulsation (ex : croche, noire, noire pointée, blanche,…)
  • Le caractère du morceau (ex : “Joyeux” , “Grave”, etc…)
  • La clé (de Sol, Fa ou Ut)
  • L’armure (vide, # ou b?)
  • Les chiffres indicateurs (2/4, 3/4, 6/8,…)

La lecture préparatoire

Parcourez le texte musical en repérant :

  • Si il y a des signes de reprise, renvoi, coda
  • Les passages délicats (rythmes complexes, altérations, passages techniquement compliqués)
  • Les changements de portées et leurs difficultés (voir l’article sur les changements de portées)
  • Les nuances, le phrasé et les indications de ralenti.

Ne pas hésiter à préparer en quelques secondes, avec votre instrument, les passages qui vous paraissent les plus difficiles.

4 – TEMPO

Pour chaque exercice vous est suggéré un tempo. C’est le tempo défini par l’auteur comme “idéal” : si vous arrivez à déchiffrer à ce tempo, bravo.

Dans le cas contraire, vous pouvez modifier le tempo directement dans le bandeau de commande. N’hésitez surtout pas à prendre un tempo plus lent. Il vaut mieux plus lent sans fautes, que rapide et tout faux. Logique.

5 – DÉCULPABILISEZ-VOUS DE LA FAUSSE NOTE

Vous avez loupé beaucoup de notes, de rythmes? On s’en fiche, oubliez ça. L’erreur n’est pas importante. Le plus important est que vous alliez de l’avant que vous finissiez la partition de la plus belle des manières. Oubliez les notes lues pour les suivantes, toujours !

6 – N’AYEZ PAS PEUR DE SAUTER UN OU PLUSIEURS GROUPES DE NOTES

Ce titre est assez explicite. Ne vous gênez pas. Si vous avez accumulé du retard et que vous n’arrivez pas à vous en sortir, sauter plusieurs groupes de notes, reprenez à la ligne, serein(e). Il vaut mieux louper une ligne que tout l’exercice.

7 – COMMENCEZ SIGHT-O PAR DES EXERCICES FACILES

Même si vous avez déjà de bonnes bases, commencez par des exercices faciles voir très faciles, quel que soit votre niveau. Cela vous permettra de vous habituer au déplacement du cache et de ne pas prendre de mauvaise habitude. Nous vous conseillons le Programme Initiation, qui a été spécialement développé dans ce but.

8 – FINISSEZ L’EXERCICE COÛTE QUE COÛTE

Ne vous arrêtez pas, finissez, allez jusqu’au bout! Imaginez-vous sur scène, en essayant de ne pas décevoir votre public.

 

CONCLUSION

N’oubliez pas que le déchiffrage est l’art de “s’en sortir”. Faites le maximum pour jouer toute les notes et les rythmes mais ne vous culpabilisez pas si vous n’y arrivez pas. Le but est pour vous de lire un maximum de musique avec les bienfaits du cache, en vous rappelant toujours des conseils de cet article. Vous allez très vite progresser et prendre d’avantage confiance en vous. Et surtout, faites vous plaisir.

Les 10 outils GRATUITS pour enseigner la musique à distance

Certaines situations de force majeure peuvent amener les enseignants des disciplines artistiques à devoir donner leurs cours en ligne. Plus complexe à mettre en œuvre que d’autres activités pédagogiques, la personne souhaitant enseigner la musique à distance se doit de disposer d’outils adaptés, rigoureux, simples et rapides à mettre en place. Voici notre top 10 des meilleurs outils gratuits dans le domaine.

Cet article est garanti 100% sans sponsoring et n’a été écrit qu’après test et utilisation consciencieuse de ces outils.

1/ JITSY : LA VISIOCONFÉRENCE PERFORMANTE, SÛRE ET OPEN SOURCE

 

Les 10 outils GRATUITS pour enseigner la musique à distance

Jitsi est une application gratuite de visioconférence qui vous permettra d’effectuer un cours en vis à vis ou avec plusieurs élèves en même temps. L’application est fonctionnelle sur le navigateur Chrome, mais également  sur smartphone (Android et iOS).

Ses fonctionnalités sont simples mais bien mises en œuvre. La qualité de la vidéo est également très correcte. Autre outils utile, vous avez accès à un calendrier pour planifier vos entrevues avec vos élèves. Ces derniers peuvent rejoindre le cours directement avec un code que vous leur transmettrez.

Gros point positif : Jitsi est une application open source. Cela signifie que le code de l’application peut être inspecté. Pourquoi me direz-vous? Afin de savoir par exemple si oui ou non cette application aspire vos données personnelles, si elle contient des programmes malveillants, etc… Jitsi a la réputation d’être sûre et de ne pas récupérer vos informations personnelles.

Grâce à sa clarté vis à vis de ses utilisateurs, l’application pour enseigner la musique à distance a même été intégré par l’état Français à la liste des logiciels libres préconisés dans le cadre de la modernisation globale de ses systèmes d’informations.

LE défaut de Jitsi : comme la plupart des applications de visioconférence, la qualité sonore n’est pas au rendez-vous. Nous vous conseillons donc de couper le micro dans Jitsi et d’utiliser Source-Connect NOW pour le flux audio. Les précisions dans le chapitre suivant…

Pour utiliser Jitsi Meet dans votre navigateur Chrome, c’est ici
Pour les applications mobiles (appréciées de vos élèves), c’est ici

 

Guide complet des outils d'apprentissage de la musique à distance

 

2/ SOURCE-CONNECT NOW : LE MEILLEUR SON À DISTANCE

 

Enseigner la musique à distance suppose d’entendre un son de qualité… Source-Connect NOW est la version gratuite de l’application professionnelle Source-Connect PRO. Source-Connect PRO permet par exemple à un compositeur de pouvoir suivre l’enregistrement de sa musique à distance, dans un studio parfois à l’autre bout du monde. Et cela avec une qualité sonore sans compression (qualité .WAV)

Source-Connect NOW quant à lui, permet cela plus simplement et avec un son de qualité MP3 jusqu’à 256kbp, ce qui est déjà très appréciable (bien meilleure que celle de Jitsi, Skype, Zoom et d’autres logiciels de visioconférence)

Nous vous conseillons d’utiliser Source-Connect NOW en parallèle de Jitsi. Il vous suffira de désactiver le son dans Jitsi et de lancer votre session Source-Connect NOW. À noter que vous pouvez partager votre session à plusieurs utilisateurs simultanément. Vous pouvez inviter des utilisateurs sans compte Source-Connect juste en leur envoyant un mail depuis l’application avec un code de connexion.

LE défaut de Source-Connect NOW : il n’est disponible qu’en Anglais.

Voici une vidéo qui vous explique en 1 minute comment vous servir de l’application :

Attention : l’application ne fonctionne qu’avec le navigateur Chrome

C’est ici pour utiliser Source-Connect NOW

 

3/ FLAT.IO : L’ÉDITEUR DE PARTITION EN LIGNE ET COLLABORATIF

À l’image de Finale, Sibelius ou Dorico, Flat.io est un éditeur de partition… mais en ligne! Son gros avantage est qu’il ne nécessite aucun téléchargement et aucune installation. Sa mise en oeuvre est très simple notamment grâce au tutoriel juste après votre inscription.

Son accès est en très grande partie gratuit et vous permettra sans problème de disposer de tout ce dont vous avez besoin pour vos cours.

La saisie des sigles musicaux se fait avec la souris, avec le clavier de l’ordinateur ou encore avec un clavier MIDI branché à l’ordinateur en USB. La fonction Tablature est bien évidemment présente.

Vous pourrez annoter vos partitions, les exporter et bien sûr les imprimer (pas forcément utile pour travailler à distance!). Il existe également un mode hors ligne pour vous permettre de travailler même sans connexion internet. Flat.io synchronisera votre travail automatiquement après votre re-connexion.

Côté partage et communauté, Flat.io est un outils très bien pensé. Outre l’export en PDF, vous pourrez directement partager une partition finalisée sans que votre élève n’ait besoin de s’inscrire pour la voir et l’entendre. Il vous suffit de vous rendre dans l’onglet “Partager”, copier le lien de votre partition et le transmettre à votre élève. Vous pouvez également ajouter des “collaborateurs” qui pourront modifier votre partition. Pour finir, vous pouvez “intégrer” le code de la partition sur une page de votre site web/blog afin de la montrer au monde entier!

LE défaut de Flat.io : quelques petits beugs peuvent apparaitre à de rares occasions et perturber la stabilité de l’interface.

C’est ici pour accéder à Flat.io

 

 

La Lettre du Musicien - Guide Numérique

 

4/ GOOGLE DRIVE : STOCKEZ ET PARTAGEZ VOS FICHIERS DE COURS

Les 10 outils GRATUITS pour enseigner la musique à distance

Google Drive est une solution de stockage de fichiers dans le Cloud. Cela signifie que vous pourrez accéder à vos documents, musique et vidéos depuis n’importe quel appareil connecté à internet. Très pratique pour avoir toujours sur soi des fichiers… que l’on a pas forcément sur soi. Enfin bref ! Enseigner la musique à distance entraine l’échange régulier de fichiers (partitions, fichiers son, etc…). Le cloud est donc un outils important.

Drive propose une offre très complète avec beaucoup d’espace de stockage (jusqu’à 15go), le tout gratuitement ! De plus, l’application est intégrée nativement à bon nombre d’autres, ce qui facilite le partage de vos fichiers.

Vous pouvez même installer Google Drive sur vos ordinateurs/smartphones/tablettes et disposer d’un dossier spécial. Il vous suffira de glisser-déposer un fichier dans ce dossier pour qu’il se retrouve instantanément disponible partout où vous en aurez besoin !

Sur une seule adresse mail, Drive centralise les fichiers venant de toute la suite Google : Classroom, Docs, Slides, Sheets, Forms, etc… Pratique !

LE défaut de Google Drive : toujours le même débat avec Google, que fait réellement l’entreprise de vos données personnelles? D’autres solutions de stockage existent mais sont souvent moins pratiques ou plus difficiles d’accès.

Voici une vidéo pour vous familiariser avec les possibilités de Google Drive  :

Accéder à Google Drive

 

5/ GOOGLE CLASSROOM : LA GESTION DE VOTRE CLASSE

 

La plus simple et universelle des applications de gestion de classe. L’interface est simplissime tout en restant très complète. Le tout gratuitement.

Créez votre classe, invitez vos élèves, planifiez des cours, envoyez des devoirs… Mettez à disposition des partitions (pdf, liens Flat.io, etc), des vidéos, des fichiers sonores,… Communiquez avec vos élèves, créez des documents, des questionnaires avec évaluation,… Et bien d’autres possibilités. Disposer de Google Drive est très utile pour utiliser Classroom.

LE défaut de Google Classroom : on le cherche toujours !

Contrairement à ce qui est parfois affirmé, il n’est pas obligatoire de passer par l’intermédiaire d’un compte Google Établissement pour pouvoir accéder à Classroom. Vous pouvez donc créer une classe de votre propre initiative.

Voici une vidéo pour vous aider à prendre en main rapidement Google Classroom et faire le tours des fonctionnalités :

Accéder à Google Classroom

 

6/ PADLET : LE MUR VIRTUEL DE VOTRE CLASSE

 

Les 10 outils GRATUITS pour enseigner la musique à distance

C’est l’application plébiscitée par bon nombre d’enseignants. Padlet permet la création d’un Mur Virtuel qui peut être géré de manière collaborative.

Ce “mur” vous donne la possibilité de partager des images, des vidéos, des textes, des sons… Par l’intermédiaire de liens vers votre Google Drive, vers Youtube ou tout simplement en téléchargeant le fichier sur votre Padlet. Nous vous déconseillons cette dernière option car vous ne disposerez que de 10Mb de stockage pour la version gratuite. Gardez donc cet espace uniquement pour l’ajout de photos de petite taille.

Votre mur peut être organisé par colonnes (représentant un sujet, un chapitre) ou d’une toute autre manière : Padlet dispose de plusieurs modèles de “Mur”. Très sympa pour créer des sortes de petites expositions virtuelles, des exposés et des cours de façon visuelle et ludique.

Dernière chose, les contributeurs de votre Padlet n’ont pas l’obligation d’être inscrits pour pouvoir le consulter.

LE défaut de Padlet : Les contributeurs ne sont pas toujours formellement identifiés, ce qui peut poser problème quant à savoir qui sont les personnes qui ont partagées du contenu sur un Padlet.

Padlet, c’est par ici

 

7/ QUIZZ.BIZ : CRÉEZ EN QUELQUES CLICS DES QUIZZ DE QUALITÉ

 

Quizz.Biz est un site internet qui vous permet de créer vos propres quizz ou d’utiliser avec vos élèves ceux publiés par d’autres membres.

L’interface permet de se repérer rapidement. Le bouton “Créer un Quizz” vous permettra de commencer la création de votre quizz ou d’un test de personnalité. Dans notre cas, la première option semble la plus adaptée.

Vous pouvez créer un quizz privé ou public. Attention, la deuxième option le rendra visible par les autres visiteurs du site et sur le moteur de recherche Google. Ce quizz sera toujours sous forme de case à cocher (pas de réponse texte) en QCM ou avec des questions à choix unique (“Classique”). Vous pouvez ajouter des photos à vos questions pour les rendre plus attrayantes ou explicites.

Pour finir, vous pouvez partager votre quizz en toute simplicité en copiant son lien et en le transmettant par email à vos élèves.

LE défaut de Quizz.Biz : tout dépend des goûts, mais l’interface peut sembler vieillissante et l’expérience utilisateur perfectible.

Pour accéder à Quizz.Biz, c’est ici

 

8/ AUDIO HIJACK : ENREGISTREZ TOUS LES SONS DE VOTRE ORDINATEUR

 

Audio Hijack est une application très utile. Elle vous permet d’enregistrer n’importe quelle source sonore provenant de votre ordinateur. Vous pourriez, par exemple, l’utiliser pour enregistrer la performance de votre élève afin de lui faire réécouter ensuite.

Que le son soit émis par votre lecteur de musique, votre navigateur internet, une communication en ligne (Jitsi, Source-Connect NOW,…) tout peut être sélectionné dans l’application et enregistré.

La version gratuite vous permet un enregistrement ininterrompu de 10 minutes. Largement suffisant pour la plupart des usages.

LE défaut de Audio Hijack : et pas des moindres, l’application n’est disponible que sur Mac. Vous trouverez un équivalent pour windows ici.

N’oubliez cependant pas la question du droit d’auteur. Veillez à ne pas diffuser n’importe comment les enregistrements que vous pourriez réaliser.

Télécharger Audio Hijack

 

9/ BANDLAB : MONTAGE AUDIO ET MUSIQUE ASSISTÉE PAR ORDINATEUR

 

Les 10 outils GRATUITS pour enseigner la musique à distance

Bandlab est une Digital Audio Workstation, ou Station AudioNumérique en Français. C’est l’équivalent d’Audacity, en bien moins austère et plus pratique.

Vous avez enregistré un son avec Audio Hijack? Importez-le dans Bandlab et transposez le, ralentissez/accélérez le, inversez le son pour rechercher un effet particulier… Tout ou presque est possible !

Et bien évidemment le classique montage, où vous pourrez par exemple préparer des fichiers audio de relevé d’écoute en scindant les parties d’un quatuors à cordes pour délimiter les fragments à diffuser. Ces différentes parties pourront ensuite être exportées séparément.

On ne vous a pas tout dit : Bandlab est totalement gratuit et… en ligne ! Aucune installation, pas besoin de se soucier du sempiternel  “Mac ou Windows ?”. Rendez-vous simplement sur le site de l’application, créez un compte en quelques seconde et cliquez sur le bouton en haut à droite “Créer”. L’application Bandlab est également disponible sous Androïd et iOS.

Bandlab dispose d’outils de création musicale assez avancés pour une application en ligne. Vos élèves pourrons ainsi créer leurs propres morceaux avec l’aide de boucles audio ou via la technologie MIDI et découvrir les joies de la Musique Assistée par Ordinateur, un apprentissage qui stimulera leur créativité et rendra concrètes les notions théoriques abordées en cours.

LE défaut de Bandlab : l’application se révèlera limitée pour des fonctions plus professionnelles.

Bandlab n’est accessible qu’avec le navigateur Google Chrome.

Découvrir Bandlab ici

 

10/ XODO : ANNOTEZ DES PDF FACILEMENT

 

 

Xodo est une application multi-plateforme simple et rapide à utiliser. Elle vous permettra d’annoter des fichiers PDF et de les exporter ensuite. Tout cela gratuitement.

Fini les coups de crayon suivi du scanner ou pire encore… la partition prise en photo avec votre smartphone ! (et le flash qui va avec) Vous pourrez pendant le cours annoter les doigtés, entourer des passages clés, ajouter des textes sur la partition et les partager instantanément à votre élève.

LE défaut de Xodo : pas vraiment de défaut si ce n’est une prise en main parfois peu intuitive.

Pour les utilisateurs Mac, l’application Aperçu vous permet quasiment les mêmes possibilités, mais fait d’avantage appel à la débrouille. Rendez-vous dans le menu Outils puis Annoter.

Utiliser Xodo ici

 

 

CONCLUSION

Vous disposez dorénavant d’une bonne base d’outils gratuits, simples et performants pour enseigner, créer et prodiguer vos cours de musique à distance.

Toutefois, nous attirons votre attention sur le fait que (mis à part un immense groupe comme Google) derrière certains de ces sites et applications pour enseigner la musique à distance, se cache souvent des passionnés qui contribuent à créer le monde de l’éducation numérique de demain. N’hésitez donc pas quand cela vous est possible, à soutenir ces initiatives afin qu’elles puissent continuer à se développer et à vous fournir des fonctionnalités de qualité.

 

Cet article sur les outils gratuits pour enseigner la musique à distance vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles? Faites en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le!

 

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Travail de l’oreille : les 5 meilleures applications gratuites de Ear Training

Qui n’a jamais entendu parler de la fameuse oreille absolue? Caractéristique de tous génie de la musique qui se respecte… Et pourtant, saviez-vous que votre oreille se travaille? Aucune prédisposition nécessaire pour y arriver, juste de l’entrainement et les bons outils. “Ear Training” signifie le travail de l’oreille. Travailler son oreille devrait être le quotidien de chaque musicien(e) ! Grâce aux applications d’Ear Training mises en avant dans cet article, vous pourrez entrainer votre oreille intérieure sans aucune limite, entre deux cours, en attendant le bus ou même en savourant votre déjeuner. Et tout cela gratuitement. Suivez le guide !

Le Ear Training est une discipline qui vous amènera à vous entrainer à : relever des hauteurs de notes (mélodies), des rythmes et des accords. Il faudra vous entrainer sur ces trois aspects pour avoir un bonne oreille musicale et pouvoir relever précisément vos morceaux préférés, ou encore pouvoir lire une partition intérieurement. Ce qui est très utile en déchiffrage!

Cet article est garanti 100% sans sponsoring et n’a été écrit qu’après test et utilisation consciencieuse de ces outils. Les applications d’Ear Training  suivantes sont disponibles sur téléphones Android et Apple.

 

1/ PERFECT EAR – EAR TRAINER : LA PLUS COMPLÈTE 

Perfect Ear est une application très complète de formation de l’oreille. Elle s’articule autour de 3 parties : Formation AuditiveFormation Rythmique the Exercices Pratiques.

La Formation Auditive vous permettra de vous exercer à repérer les hauteurs de sons, grâce à un travail sur les différents intervalles : comparaison entre deux intervalles, identification directe, chant et lecture de l’intervalle. Vous aurez également accès au même travail sur les gammes et disposerez d’Exercices d’accord qui vous permettront d’entrainer votre oreille harmonique. Très pratique pour tout comprendre, vous trouverez des onglets “Théorie” qui vous expliqueront de quoi il s’agit. Pour finir, tous les exercices effectués seront ajoutés à vos statistiques. Vous pourrez donc suivre votre progression dans le détail et voir ce qu’il vous faut travailler en priorité!

La Formation Rythmique est intéressante pour travailler le relevé de rythmes. Dans “Entrée de rythme”, vous entendrez un fragment sonore et devrez inscrire sur la portée ce que vous avez entendu. Très pratique pour s’entrainer à relever les rythmes de vos morceaux préférés.

Ce qui différencie vraiment Perfect Ear des autres applications sera surement la partie Exercices Pratiques qui vous permettra de travailler… votre oreille absolue. Vous aurez aussi, entre autres, des exercices spécifiques pour la guitare et le travail du cycle des quintes.

Perfect Ear, comme beaucoup d’applications, vous propose des options payantes. Une grande majorité d’exercices restent cependant gratuits.

LE défaut de Perfect Ear : La partie des Exercices Rythmiques pourrait être plus développée (un onglet Statistiques par exemple).

L’application Android : c’est ici
L’application iOS : c’est ici

 

2/ CHORDPROG EAR TRAINER 2 : LE TRAVAIL SUR LES ACCORDS 

Chordprog Ear Trainer 2 est un outils très ludique ou l’accent est mis sur l’ambiance de l’apprentissage. Le design, moins solennel et classique que d’autres application, attire vraiment l’oeil et donne envie de continuer à s’entrainer. Deux thèmes existent, Light et Dark Theme, qui viendront changer l’ambiance de l’application.

Comme son nom l’indique, l’application met l’accent sur le travail des Accords, avec 4 types d’exercices différents ! Vous trouverez aussi des exercices pour vous entrainer à la détection d’intervalles ainsi qu’à la reconnaissance des gammes. Autre point positif, le Blog vous donnera tout un tas de conseils pour faire progresser votre oreille.

L’élément différenciant de Chordprog Ear Trainer 2 est la partie Main Game, sorte de formule “tout compris” où vous suivrez un parcours sur mesure de travail de l’oreille. Malheureusement, cette fonctionnalité, comme beaucoup d’autres de l’application, doit être débloquée avec la version payante.

LE défaut de ChordProg Ear Training 2 : le temps de chargement de certains sons peut être long et agaçant.

L’application Android : c’est ici
L’application iOS : c’est ici

 

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3/ MELUDIA MELODY : UNE APPROCHE UNIQUE DU EAR TRAINING

Meludia Melody est une version allégée de la fameuse méthode de Ear Training 100% francaise, Meludia. Allégée, car comme son nom l’indique, vous ne pourrez exercer votre oreille que sur l’aspect Mélodique. Pas de relevé de Rhythm ou de travail sur l’Harmonie, pas d’accès à la partie Espace, autre caractéristique de Meludia.

Meludia développe une pédagogie de l’oreille basée sur vos sensations. La méthode s’emploie à éviter la théorie musicale classique. Si vous cherchez à vous renforcer en théorie, ce n’est donc pas nécessairement la bonne application. Par opposition, si vous n’avez pas forcément un parcours académique en conservatoire, si voulez mieux comprendre les notions de hauteurs, intégrer de manière instinctive les différents intervalles et travailler votre mémoire mélodique, Meludia Melody est une application intéressante.

Vous aurez le choix de naviguer entre 4 niveaux : Découverte, Intermédiaire, Avancé, Expert. Dans chacun de ces niveaux, 5 séries d’exercices vous sont offertes, ce qui vous permettra de vous exercer pendant un certain temps et de faire vos premiers progrès.

Le principe est simple : des boutons avec le nom des notes ou des numéros (selon que vous connaissiez le nom des notes ou non), d’une disposition similaire à celle du piano. Vous entendrez un fragment mélodique. Le principe est de le rejouer ensuite sans vous tromper.

LE défaut de Meludia Melody : il faudra vous rendre sur la web-application de Meludia pour entrainer votre oreille aux relevés Rythmiques et Harmoniques. Ces disciplines sont absentes de la version mobile.

L’application Android : c’est ici
L’application iOS : c’est ici

 

 

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4/ FUNCTIONAL EAR TRAINER : UNE MÉTHODE SIMPLE MAIS EFFICACE 

Functional Ear Trainer est une application développée autour de la méthode de Alain Benbassat. Cette méthode repose sur le travail des intervalles et des gammes. Vous n’aurez donc pas accès au travail de relevé rythmique. Cette méthode vise à vous apprendre à reconnaître les différents tons, dans le contexte d’une tonalité.

Functional Ear Trainer vous propose 2 axes : Entrainement Basique the Dictées Mélodiques.

Entrainement Basique vous permettra de suivre la méthode en choisissant la gamme qui vous souhaitez travailler. Vous pourrez suivre la progression proposée par l’auteur ou choisir la vôtre. En dessous du nom de la gamme, vous trouverez un enchainement harmonique (par ex : I-IV-V-I). C’est caractéristique de cette application : avant de vous faire écouter le fragment à relever, vous entendrez un enchainement d’accords qui vous aidera à vous situer dans la tonalité/gamme.

Dans Dictées Mélodiques, vous aurez à écouter un fragment de plusieurs notes et à le relever dans l’application. Une série de 20 fragments par chapitre vous attend. Seul le premier chapitre vous est accessible pour la version gratuite.

LE défaut de Functional Ear Trainer : pas de travail sur le rythme.

L’application Android : c’est ici
L’application iOS : c’est ici

 

5/ COMPLETE EAR TRAINER : VOUS PROMET DES RÉSULTATS PROFESSIONNELS 

Complete Ear Trainer est une application étonnante d’efficacité. En arrivant sur l’interface, vous comprendrez tout de suite où aller. Plusieurs modes s’offrent à vous.

The Mode Facile, qui abordera le travail de l’oreille de manière très simple, avec 2 choix de réponse à chaque fois. C’est, vous l’aurez compris, le mode à privilégier en tant que débutant ou pour comprendre le fonctionnement de l’application.

The Mode Classique considère que vous avez déjà quelques bases. Les exercices sont donc plus fournis et moins évidents. Vous alternerez exercices pratiques et théoriques. Cette application vous promet un niveau professionnel si vous suivez les conseils de ce mode à la lettre.

The Mode Arcade vous propose un univers plus ludique et stimulant, avec par exemple un temps de réponse limité.

D’autres fonctionnalités intéressantes : vous pourrez accéder à un créateur d’entrainements personnalisés, à un espace regroupant vos “réussites” ainsi qu’un classement des utilisateurs.

Vous l’aurez compris, l’ADN de cette application est de vous faire apprendre en vous amusant et en vous proposant des challenges. C’est pourquoi vous gagnerez des points et débloquerez des niveaux pour progresser dans les programmes.

LE défaut de Complete Ear Trainer : pas de réel défaut, si ce n’est le design, qui pourrait être d’avantage en adéquation avec le côté jeu, pourtant caractéristique de l’application.

L’application Android : c’est ici

L’application iOS : c’est ici

 

CONCLUSION

L’oreille relative est à votre portée ! Vous disposez maintenant d’une liste complète d’applications de Ear Training gratuites et de qualité, qui vous permettront de vous entrainer n’importe où et n’importe quand. Chacune a ses forces et ses faiblesses. Elles pourront même se compléter pour vous procurer une plus grand diversité d’apprentissage.

Rappelez vous que pour déchiffrer correctement, il est très avantageux d’avoir une bonne oreille intérieure. Cette dernière vous permettra d’effectuer une lecture préparatoire de qualité, et de vous chanter intérieurement la partition quelques secondes avant de la déchiffrer. N’hésitez donc pas à vous entrainer, encore et encore !

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