Choisissez votre instrument de musique selon votre personnalité

Choisissez votre instrument de musique selon votre personnalité

Envie de vous mettre à la musique ? Trouvez d’abord l’instrument qui vous convient personnellement. Il existe une multitude de choix qui s’offrent à vous. Jouer d’un instrument consiste avant tout à exprimer ses émotions à travers la musique. Vous devez de ce fait choisir l’instrument qui reflète votre caractère. Réalisez pour cela un test de personnalité pour vous aider, et choisissez l’instrument qui vous correspond le mieux.

 

Réalisez un test de personnalité

Plusieurs études antérieures révèlent l’existence d’un lien entre le choix d’un instrument de musique et la personnalité. Les instruments sont variés et certains sont même unique en leurs genres. Pour connaître celui qui vous correspond le mieux, prenez le temps de réaliser ce test de personnalité.

Faites la connaissance de quelques instruments

La connaissance approfondie de la musique octroie également un énorme avantage dans le choix de l’instrument. Vous devez connaître entre autres la typologie des instruments, les différents sons qu’ils produisent, leurs limites mais également chacun de leurs rôles dans un morceau. 

Testez quelques instruments

Outre le test de personnalité, il est également important d’essayer les quelques instruments que vous avez sélectionnés. En effet, votre choix doit aussi se porter sur la sensation du toucher. Demandez à tenir l’instrument pour mieux jauger la sensation qu’il procure à vos doigts. Si cela est possible, demandez à quelqu’un de jouer de l’instrument pour que vous puissiez apprécier sa sonorité et son timbre.

 

Choisissez votre instrument de musique selon votre personnalité
Un Violoncelle – Dessin de Michael Tompsett

Quelques choix d’instruments

L’apprentissage d’un instrument de musique demande de la patience et de la témérité. Pour éviter de vous lasser, il faut trouver le bon. Votre développement personnel dépend également du type d’instrument que vous jouez. La musique est une passion, raison pour laquelle il faut se reconnaître dans l’instrument que vous pratiquez.

La Guitare

Cet instrument de musique à cordes permet de jouer un grand nombre de genres musicaux, tel que la bossa, le flamenco, le rock, la pop, avec un répertoire étendu (de Clapton à Vivaldi). Il a le grand avantage d’être facilement transportable. La Guitare est très souvent utilisé comme un instrument soliste, non sans un côté “charmeur”. Cet instrument est fait pour vous si vous aimez être au cœur de l’attention.

Le Piano

L’un des instruments les plus utilisés. Avec ses célèbres airs solistes ou d’accompagnements, le Piano est un instrument très souvent associé à l’érudition et à l’élégance. Cet instrument unique vous permet de jouer à peu près tous les genres de musique. Si vous aimez les costumes et les soirées Jazz, il est fait pour vous…

La Batterie

Batterie rime avec énergie et dextérité. Cet instrument demande également une parfaite coordination dans son ensemble. Détachement des pieds, détachement des mains, horizontal et latéral, les quatre membres du batteur travaillent indépendamment. Il s’agit sans aucun doute de l’instrument qui requiert le plus d’aptitudes physiques. Symbole d’habileté, force et liberté.

Le Saxophone

Si vous aimez les improvisations et les moments en solo, le Saxophone vous conviendra le mieux. Cet instrument vous permet de stimuler votre inspiration en vous lançant dans l’improvisation. Il est également régulièrement responsable de la mélodie d’un morceau. Si vous désirez vivre des moments de gloire sans modération, choisissez le Saxophone!

Envie de débuter le Saxophone, mais vous ne savez pas lequel choisir ? Cet article vous aidera peut-être.

 

Choisissez votre instrument de musique selon votre personnalité
Un Saxophone Alto – Dessin de Michael Tompsett

Le Violon

Le Violon quant à lui pourrait convenir aux personnes calmes et douces. Si vous êtes plutôt le genre de personne qui aimez l’ordre, l’organisation et l’harmonie, choisissez le Violon. Jouez chaque corde, sentez la sensibilité du toucher et perdez-vous dans l’euphorie de sa douce mélopée.

La Guitare Basse

Le bassiste, binôme du batteur donne la pulsation rythmique. Toutefois, la plupart des auditeurs ne le savent pas. Il s’agit d’un instrument de musique abordable pour le débutant mais qui, avec l’expérience, dévoile une grande richesse. Si vous êtes plutôt discret, modeste et aimez agir délicatement, la Guitare Basse est l’instrument qui devrait vous correspondre. La Basse s’occupe des fondements de chaque morceau et détient un rôle important et vous rendra somme toute, indispensable au sein d’un groupe.

La Contrebasse

Un instrument connu mais souvent peu envisagé dans l’apprentissage, la Contrebasse peut rarement se suffire à elle-même dans les concerts de Jazz ou de Musique classique. Son importance, comme la Guitare Basse, est primordiale. Si vous voulez vous démarquer en jouant d’un instrument peu banal mais indispensable, optez pour la Contrebasse. On pourrait également dire qu’elle est un instrument imposant et conviendra si vous êtes de nature costaud.

La Trompette

La Trompette est un instrument complexe à jouer à première vue mais possède un timbre unique et immédiatement identifiable. Il est très facile de tomber sous son charme. Comme le Saxophone, elle peut être jouée en soliste, ce qui vous mettra au devant de la scène. Si vous êtes une personne qui aime la singularité et les feux de la rampe, la Trompette est faite pour vous.

La Clarinette

La Clarinette est adaptée à tout âge. Cet instrument de Musique classique (mais pas que!) se distingue par ses sonorités élégantes et uniques. Elle convient aux personnes persévérantes, douces et sûre d’elles. Optez pour la Clarinette si vous êtes ouvert d’esprit et plutôt téméraire !

 

Choisissez votre instrument de musique selon votre personnalité
Une Clarinette – Dessin de Steve Barker

Conclusion

Que vous soyez romantique, sérieux, calme, ou d’une nature plutôt “fonceur”, vous trouverez toujours l’instrument qui correspond le mieux à votre personnalité. L’apprentissage demande de la persévérance, mais vous serez très vite satisfait des progrès que vous aurez accomplis. Faites un choix judicieux et optez pour un instrument pour lequel vous serez motivé sur le long terme.

 

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Pourquoi apprendre le Solfège ?

Pourquoi apprendre le Solfège ?

Pour certains, le terme “Solfège” représente pas mal de choses : une expérience assez douloureuse, ou même un souvenir d’un apprentissage rébarbatif. Même si ce mot a été retiré des manuels et remplacé par “Formation Musicale”, il est encore bien présent dans les esprits. D’ailleurs les questions qui reviennent dans la bouche des jeunes élèves parlent d’elles-même : Les exercices de Solfège sont-ils réellement nécessaires ? Pourquoi apprendre le Solfège ? L’aspect théorique de la musique “fait peur” parfois, mais la réelle cause de cette peur est probablement dû à sa difficulté : les nombreuses choses à mémoriser, les logiques à assimiler, les réflexes intellectuels à maitriser… il faut dire qu’apprendre le Solfège n’a rien d’évident! La musique est un art complexe qui implique habileté physique et maitrise de concept intellectuels et logiques avancés. Pourtant, la maîtrise du Solfège, vous mènera à la liberté et la plénitude que tout musicien recherche pour son épanouissement.

 

Qu’est-ce que le Solfège ?

Le Solfège est une discipline qui vient en amont, puis, pendant l’apprentissage de l’instrument. Il est question d’y apprendre les règles qui régissent la musique afin de savoir la lire, la comprendre puis l’interpréter. Par conséquent, tout musicien, quel que soit son niveau, se doit d’apprendre le Solfège. S’il nous ait difficile d’imaginer écrire ou parler en français sans connaître les mots, il nous ait aussi difficile de savoir lire la musique sans passer par le Solfège.

En musique, il y a un ensemble de symboles musicaux (notes, silences, annotations etc..) qui seront écrits sur une partition pour ainsi être joués. Par conséquent, il vous faudra apprendre l’intégralité de ces symboles ainsi que leurs signification. Tout musicien aura d’une manière ou d’un autre à faire un minimum de Solfège ou acquérir les connaissances théoriques élémentaires pour jouer de son instrument.

Dans les cours de Formation Musicale, les apprentis musiciens maîtrisent différentes compétences et connaissances, ce qui leur permettra d’exceller dans leur art. Le programme comprend la lecture et l’écriture de notes, la lecture rythmique et polyrythmique, l’apprentissage des gammes et de l’intonation, et la découverte des différents symboles de notation mais aussi des notions d’histoire de la musique. En résumé, en maîtrisant le Solfège, les élèves peuvent déchiffrer, lire et écrire correctement une partition musicale. Ils peuvent également chanter chaque note avec une certaine précision.

 

Pourquoi apprendre le Solfège?
Les intervalles

Quels sont les avantages de faire des exercices de Solfège ?

Comme précisé plus tôt, faire des exercices de Solfège présente de nombreux avantages :

Un gain de temps dans l’apprentissage d’un morceau ou d’une chanson

Le Solfège rassemble toutes les connaissances de base qu’un musicien ou chanteur doit maîtriser. Comme mentionné plus tôt, la maîtrise du Solfège permet de lire facilement et rapidement des partitions musicales. Par conséquent, la reconnaissance et l’apprentissage de la mélodie et de l’accompagnement d’une chanson devient plus facile. À l’inverse, en ne comptant que sur son écoute musicale, le processus d’apprentissage peut prendre plus de temps.

De plus, il faut plusieurs séances d’écoute pour découvrir tous les détails qui composent le morceau ou la chanson étudiée, tels que le rythme, les accords utilisés, les nuances. À savoir que tous ces éléments sont précisés dans la partition. Par conséquent, la maîtrise du Solfège est un énorme avantage pour les chanteurs et musiciens. Cela leurs permettra d’éviter les pertes de temps. Quelle que soit le morceau ou la chanson jouée, l’apprentissage se fera plus rapidement. Tout ce qu’il vous reste à faire est de vous entraîner pour améliorer vos performances!

L’apprentissage d’un instrument devient plus facile

Apprendre un instrument de musique n’est jamais réellement facile. Mais avoir une base en théorie musicale peut grandement faciliter les choses. En effet, puisque le futur musicien sait lire les partitions et comprendre les différentes techniques utilisées par les compositeurs, il peut se concentrer d’avantage sur le geste instrumental, et donc, il sera plus susceptible de progresser rapidement.

 

Pourquoi apprendre le Solfège ?
Le Solfège permet également de surpasser ses limites

Gagner en confiance

Faire des exercices de Solfège signifie approfondir ses connaissances musicales et développer ses compétences. Par conséquent, la lecture des notes devient plus aisée et peu à peu, on réduit son risque d’erreur. Le Solfège optimise les capacités d’écoute, par conséquent, le musicien est donc sûr de sa capacité à reproduire le morceau de la meilleure des manières. On peut donc dire qu’un bon apprentissage du Solfège améliore grandement la confiance en soit.

La compréhension et la maîtrise de la théorie musicale est également la clé du succès. Quel que soit le type de musique qu’ils jouent, les musiciens pourront facilement et rapidement rejoindre d’autres musiciens, au sein d’un groupe par exemple, puisque le Solfège est un langage universel.

Composer avec plus de facilité

Il est évident que toute personne ayant un talent musical peut composer une belle mélodie. Mais si le musicien n’a pas les compétences nécessaires pour écrire son œuvre sur papier ou sur un éditeur de partitions, cela pourra lui poser quelques dérangements. Premièrement, il y a le risque d’oublier la mélodie qui nous ai venu en un éclair de génie ! Ensuite, il sera difficile de présenter son travail à d’autres musiciens pour qu’ils l’interprètent. En ajout à cela, créer une mélodie de qualité peut être une tâche complexe et qui demande de la minutie : un support de notation devient alors indispensable.

Sans cette maîtrise, comment expliquer aux autres qu’il faut jouer staccato, légato, pianissimo ou fortissimo sur une partie et pas sur une autre ?

Booster sa mémoire et sa capacité cognitive

En effet, de nombreuses études scientifiques ont confirmé que l’apprentissage du Solfège peut optimiser la mémoire. Pour les enfants, c’est une façon d’optimiser leurs capacités intellectuelles. Ils deviennent plus compétents en mathématiques, en écriture et en lecture.

Etiez-vous au courant que le terme “Solfège“ s’est transformé en “Formation musicale“ ? Ce nouvel intitulé comporte plusieurs différences avec le Solfège traditionnel, découvrez lesquels

 

Pourquoi apprendre le Solfège ?

Comment apprendre le Solfège

En une explication rapide, nous pouvons vous dire qu’il faut d’abord aborder la théorie de manière simple et ludique et non pas comme une contrainte. C’est-à-dire qu’il ne faut pas hésiter à se lancer quelques défis : par exemple, faites une série d’exercices dans une gamme que vous connaissez bien. Si vous connaissez bien la gamme de Do mineur, exercez particulièrement dans cette tonalité. Peu à peu, afin d’être à l’aise avec votre instrument lors de son l’utilisation, n’hésitez pas à jouer dans d’autres tonalités. Cela vous permettra de découvrir les gammes, les doigtés correspondants ainsi que les sonorités et caractères propre à ces nouvelles gammes. Par conséquent, remplacez Do majeur par Fa majeur ensuite par Sol majeur, La majeur, Mib majeur etc…

Il n’est cependant pas conseillé de faire de la théorie à tout va. Faites-en peu, faites-en bien. Privilégiez un travail court et régulier.

Pour vous exercer, beaucoup de contenus en ligne, de tutos YouTube ou encore d’applications vous permettrons de vous exercer. N’hésitez pas, leur contenu est même parfois gratuit !

Pour finir, la meilleure solution d’apprentissage du Solfège reste un cours avec un professeur. Cela vous permettra de rencontrer d’autres musiciens, de pouvoir librement questionner et enfin évoluer dans une atmosphère ludique et motivante. Le choix du professeur fait en général toute la différence pour ces deux derniers points.

 

Conclusion

Le Solfège ou Formation Musicale reste au cœur du dispositif d’apprentissage de la musique. Qu’il soit dispensé dans un cours spécifique ou pendant le cours d’instrument, il est important voir indispensable pour lire et écrire de la musique. L’exercer régulièrement présente de nombreux avantages physiques et psychiques, vus tout au long de cet article.

Déchiffrer une partition est la mise en application des principes abordés en Solfège. Apprenez à le faire d’une manière ludique et progressive avec Sight-O, la première méthode en ligne de lecture à vue. N’hésitez pas à tester l’application pour faire vos premiers progrès, c’est gratuit !

 

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La musique Moderne

La musique Moderne

Après la période Classique et celle du Romantisme, vient la musique Moderne, apparaissant vers la fin du XIXe et début XXe siècle (environ 1870 jusqu’à la Seconde Guerre mondiale). L’ère Moderne est marquée par de grandes révolutions technologiques, politiques et sociale de la société occidentale. Le monde de la musique profite de cet élan et s’inspire des progrès technologiques de l’époque. Quant aux compositeurs, ils cherchent à s’émanciper des anciennes règles musicales et cherchent continuellement de nouvelles façons de créer la musique. De là, de nouveaux genres musicaux apparaîtront dans le monde entier, comme le Blues, le Gospel puis le Jazz aux Etats-Unis.

Introduction à la musique Moderne

La fin du XIXe siècle voit la musique Wagnérienne se répandre dans toute l’Europe. Cette hégémonie quelque peu “étouffante” pour la plupart des compositeurs de l’époque, va s’estomper progressivement grâce à l’émergence du courant impressionniste dont Claude Achille Debussy sera l’un des emblèmes. “Le Prélude à l’Après Midi d’un Faune” en 1894, est un évènement et serait probablement le point de départ véritable de l’ère Moderne.

Cette époque est caractérisé par un mouvement des compositeurs, dû aux situations de tensions politiques et de guerres. L’Avant-guerre de 1914, constate l’arrivée de plusieurs musiciens à Paris venant de divers pays confondus (Russie par exemple, où le contexte politique est difficile), entrainant parfois quelques manifestations et scandales dans le milieu artistique. Ensuite, les années 30 verront de nombreux compositeurs s’exiler outre-Atlantique (Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Hindemith et bien d’autres), devant la montée du Nazisme.

Au niveau musical, cette période est celle du doute : on a assisté à l’expansion de la tonalité puis à son écroulement progressif. Face à la suspension de tonalité, certaines théories ont émergé : adhérer aux six tons (Claude Debussy), aux douze demi-tons, et abolir la fonction harmonique (déjà proposée par Wagner et Franck) pour aboutir à une polytonalité harmonique ou oser l’accord de douze sons. Par conséquent, l’abolition de la tonalité engendre une nouvelle conception du temps musical.

Les chants grégoriens et la polyphonie de la Renaissance  sont estimés de nouveau et remis à l’honneur, inspirant ainsi à la modalité, tout comme la découverte des musiques ethniques a favorisé l’intégration de nouvelles gammes (la gamme pentatonique chinoise) et les douze demi-tons de Schoenberg conduit au sérialisme. Face à l’éclat du langage musical, la période entre les deux guerres mondiales est pleine de multiplicités musicales et artistiques : le Jazz, la polytonalité, le Music-hall se rapproche du néoclassicisme naissant. Cependant, certains novateurs tenteront de faire exploser d’autres paramètres, comme ceux du timbre et du rythme, ou de travailler à un son “brut“.

Curieux(se) sur la période précédant celle du Moderne ? Découvrez la musique Romantique et son histoire 

 

Face à tant de bouleversements et de ruptures, il n’est pas surprenant que le néoclassicisme ait attiré de nombreux compositeurs tentant de rétablir, dans les années 1920/1940, le contact avec des structures formelles, des rythmes et une harmonie déjà éprouvée. Cette période a connu un bref retour aux traditions anciennes avant la prochaine rupture de l’après-guerre 1945.

La musique Moderne
Béla Bartók

Une période artistique foisonnante

La période Moderne se caractérise par une effervescence des arts dans toutes l’Europe, mais particulièrement en France, où Paris est un centre névralgique.

Les arts graphiques ne sont pas en reste. Des peintres comme Picasso participent par exemple à la création de décors pour les Ballets Russes. Les costumes du Sacre du Printemps de Stravinsky, sont tout aussi osés et originaux.

Les différentes formes d’arts, s’inspireront les unes les autres. À partir des années 1900, on voit de nombreux courants artistiques forts émerger tels que le réalisme, le futurisme, le primitivisme, l’expressionnisme, le folklorisme, le néoclassicisme, le cubisme, le surréalisme.

À l’ère moderne, l’originalité s’encourage grandement. De nombreux compositeurs expérimentèrent le succès grâce à des œuvres très originales pour l’époque. Citons par exemple Stravinsky avec “Le Sacre du Printemps” et son scandale lors de sa première, ou encore Erik Satie avec “Parade”.

La composition et l’écriture

À l’ère moderne, les musiciens/chercheurs étaient en permanence en quête de nouveaux codes d’écritures musicales capables de transposer les émotions. La tonalité s’élargira puis déclinera, résultant à une nouvelle conception du temps musical et une utilisation novatrice du rythme. Furent exploités le système modal et la série dodécaphonique (douze tons).
Les œuvres musicales de cette période se sont développées à partir des trois principes suivants : la tonalité, la modalité et les séries dodécaphoniques.

La tonalité et la modalité

Tous deux sont des langages musicaux nés des siècles précédents. La musique modale s’oppose à la musique tonale qui utilise uniquement les deux modes majeur et mineur.

La série dodécaphonique

Le dodécaphonisme est une technique de composition mise au point par Arnold Schönberg en 1923. Il s’agit une série d’intervalles de douze sons différents, ayant chacun la même importance dans la gamme et qui ne doivent pas se répéter tant que cette gamme n’a pas été écrite complètement. Cette série sera utilisée pour la transcription des sons et l’arrangement des flux de mélodies de manière plus structurée. La série à douze sons peut être utilisée sous différentes formes lors de la composition :

  • La forme droite ou originelle
  • La forme rétrograde ou en récurrence lorsque la série est prise par la fin
  • La forme miroir ou en renversement lorsque l’intervalle ascendant devient descendant et vice versa
  • La forme rétrograde du miroir ou en récurrence du renversement.

C’est à partir de la série dodécaphonique qu’apparaît la musique dodécaphonique. Un genre musical écrit à partir des techniques de composition se basant sur les six tons et des douze demi-tons de la gamme chromatique. Le style dodécaphonique est d’abord adopté par les élèves de Schönberg avant de toucher les autres musiciens de l’époque.

La musique Moderne
Arnold Schönberg

La diffusion de la musique Moderne

Grâce aux avancées technologiques de l’époque. La musique peut être enregistrée, différée et répétée. La période Moderne verra l’invention de l’électricité, de l’enregistrement sonore en 1877, puis du phonographe et du gramophone. Le phonographe a été le premier appareil utilisé pour reproduire la musique. Il utilise des processus mécaniques pour reproduire le son. Le gramophone, quant à lui, est l’ancêtre du tourne-disque. C’est un appareil qui lit la musique enregistrée sur un disque.

Des inventions suivront tout au long du siècle et la diffusion de la musique se développera avec l’avènement de la radiodiffusion. Ce sera le début de l’industrie musicale et elle va permettre à la musique de se populariser et devenir une élément culturel de masse.

La musique Moderne
Phonographe

Les styles de la musique Moderne

Le style Wagnérien a commencé à se répandre au début de la période moderne. Ensuite, cette tendance est remplacé par l’avènement de la musique dite Impressionniste puis la musique de Ballet. L’Ethnomusicologie fait peu à peu son entrée dans l’imaginaire des compositeurs. En effet, la découvert de traditions musicales folkloriques a suscité l’enthousiasme et l’intrigue. Des compositeurs comme Stravinsky ou encore Bartok s’en inspireront profondément. En 1889 par exemple, pendant l’Exposition universelle de Paris, la ville a présenté au public la musique Arabo-Andalouse et la musique Indienne.

Le pluralisme stylistique de la période moderne

Contrairement à d’autres périodes, il n’y a pas d’uniformité de style dans la période Moderne. C’est l’époque d’exploration des genres. De nombreux compositeurs prôneront l’ouverture, tandis que d’autres maintiendront une attitude conservatrice envers le style des époques précédentes. Par exemple, Claude Achille Debussy puisera certaines de ses influences dans la musique orientale, dont les harmonies seraient “raffinées et les sonorités évocatrices”. Sa musique contribuera à l’avènement du style impressionniste, que des compositeurs comme Maurice Ravel continueront de perpétuer et magnifier.

En raison de l’introduction de nouveaux genres musicaux de différents pays et cultures, le style de la musique moderne est vite devenu très riche. La musique occidentale a été influencée par les rythmes, les sons, les mélodies et les techniques de la musique espagnole, arabe, africaine, asiatique et indienne. Un mélange osé d’expérience sonore et esthétique qui aura alors inspiré de nombreux compositeurs.

La musique Moderne
Claude Achille Debussy

Conclusion

L’une des principales caractéristiques de la Musique Moderne est son émancipation du système tonal, hégémonique depuis le XVIIe siècle. La fin du XIXe et le début du XXe siècle, ont éliminé ce système tonal pour de nouveaux systèmes tels que l’atonalisme, le dodécaphonisme, le sérialisme. Ces trois principales techniques seront le terreau de la musique contemporaine après la Seconde Guerre Mondiale.

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Quel Saxophone choisir pour débuter ?

Quel Saxophone choisir pour débuter ?

Le Saxophone est parfois associé à la famille des Cuivres, mais en réalité, l’instrument fait partie de la famille des Bois. C’est un instrument à anche simple. Une fois l’anche mise en vibration contre le bec, un son est produit puis amplifié par le corps de l’instrument. Le choix des anches et du bec auront leur importance pour obtenir une esthétique sonore voulue. Il existe sept types de saxophone, du plus aigu au plus grave : le Sopranino, le Soprano, l’Alto, le Ténor, le Baryton, le Saxophone basse, et le Contrebasse. Dans cet article, nous nous intéresserons aux 4 Saxophones les plus utilisés afin de vous aider à mieux comprendre lequel choisir et dans quel cas.

Le Saxophone ?

En 1840, le belge Adolphe Sax mis au point un instrument aujourd’hui bien connu du monde du Jazz et de la musique Pop. Né d’un père lui-même fabricant d’instruments de musique, il commença à inventer et fabriquer ses propres instruments dès son plus jeune âge. Il présenta en 1841 son “Saxophon”, à l’époque sans le “E”, au jury de l’Exposition de l’industrie Belge et obtient un brevet en 1846. Faisant de son invention l’une des plus grandes innovations de l’époque. Dans les décennies suivantes, de nombreux musiciens adoptent le Saxophone, notamment C.Parker, J.Coltrane et S.Rollins.

Actuellement, le Saxophone est utilisé dans de nombreux genres musicaux. Citons le Saxophone Alto et Soprano aux tons articulés et clairs, le Saxophone Baryton aux sonorités chaudes et graves et le Saxophone Ténor aux sonorités plus douces. Découvrons maintenant les différents types de Saxophone.

 Quel Saxophone choisir pour débuter ?
Adolphe Sax

Les différents types de Saxophone

Parmi les types de Saxophone, nous allons en présenter quatre :

  • Le Soprano est un instrument conique. Au niveau du son, c’est l’un des plus haut perchés et sa sonorité est d’une clarté et délicatesse sans pareille. Sa tonalité est si bémol. Il est la plupart du temps droit, ressemblant ainsi à la Clarinette. On le surnomme d’ailleurs parfois “la Carotte”.  D’ailleurs S. Bechet est le premier à avoir démocratisé le Soprano. En raison de sa petite taille, il est parfois utilisé pour faire débuter les jeunes enfants, même s’il n’est pas simple à jouer
  • L’Alto est le Saxophone par excellence pour débuter l’apprentissage. C’est un instrument  très populaire car il peut être utilisé en Jazz, en Pop, en Rock ou en orchestre Classique. Avec sa tessiture et sa sonorité veloutée, il peut s’adapter à tous les types de musique. 
  • Le Ténor à un son plus chaud et grave, il est parfait dans les types musique tels que le Jazz et le Rock.  On retiendra entre autre Stan Getz, surnommé “The Sound” tellement le son de l’instrumentiste était reconnaissable
  • Enfin, le Baryton est celui qui produit les sons les plus graves parmi le quatre Saxophones présentés et parmi l’un des plus imposants par sa taille. Il n’est cependant pas conseillé pour les débutants, car il demande une bonne maîtrise de la colonne d’air
 Quel Saxophone choisir pour débuter ?
Saxophone Ténor

Le Saxophone est un instrument très accessible pour les Séniors, mais il n’est pas le seul. Découvrez les autres instruments 

Le quatuor

Le quatuor de Saxophones est une formation de musique de chambre composée d’un Saxophone Soprano, d’un Alto, d’un Ténor et d’un Baryton :

Le Saxophone Alto

Les capacités multiples, les divers avantages et les qualités expressives du Saxophone Alto en font l’un des instruments les plus populaires et les plus joués dans la famille des Saxophones. Les débutants font souvent le premier pas sur cet instrument, car il est plus léger, plus accessible et techniquement plus facile à maîtriser que le Saxophone Ténor, Soprano ou Baryton. Il est l’instrument d’apprentissage idéal, possède un large répertoire, est agréable à jouer et apportera du plaisir.

Si vous recherchez un Saxophone adapté pour un enfant, le Saxophone Alto est un bon choix. À savoir, que pour les petites mains, il est souvent conseillé de débuter avec un Soprano courbe. 

Le Saxophone Ténor

Le Saxophone Ténor est devenu l’instrument phare du Jazz au milieu des années 50 et a donné naissance à une véritable idylle entre l’instrument et le style.

La caractéristique qui rend le Ténor unique est qu’au niveau du “bocal” la partie qui recevra le bec est courbée. Cette forme qui lui est propre, place ce Saxophone dans une catégorie à part avec sa sonorité puissante et expressive.

En raison de son poids plus lourd, il est davantage joué par des adultes. Si vous avez déjà joué de l’Alto, il ne sera que plus facile pour vous de traiter avec le Saxophone Ténor. Cependant, peu de gens débutent aux Saxophone avec un Ténor, car sa maîtrise révèle plus de difficultés.

Toutefois, il reste tout à fait possible de commencer avec le Ténor.

Le Saxophone Soprano

Le registre haut du Soprano en fait l’un des Saxophones les plus difficiles à maîtriser car les notes aiguës sont plus difficiles à produire.

Le Soprano est généralement utilisé dans les compositions Classiques ou de Jazz, et sa petite taille et son clétage rapproché, permet aux musiciens de commencer dès leur plus jeune âge pour ensuite continuer sur un Alto. 

Le Saxophone Baryton

Pour finir, le Saxophone Baryton est le plus grand des quatre Saxophones présentés dans cet article, et sa sonorité profonde et grave est plus adaptée aux lignes de basse, en particulier dans les orchestres Classiques ou les grands groupes de Jazz et orchestres d’Harmonie.

Pour un apprentissage, il est le moins conseillé : en plus de son poids conséquent et de sa taille entraînant un prix plus élevé, son embouchure lâche rend son contrôle plus difficile à cause du passage entre les notes les plus hautes et les plus basses nécessitant beaucoup d’implication musculaire et une forte quantité d’air.

Quel Saxophone choisir pour débuter ?
Saxophone Baryton

Alors, lequel choisir ?

Le choix se fait en fonction de votre niveau et de ce que vous recherchez.
Le Saxophone Alto est le plus adapté pour l’apprentissage et donc pour les débutants en raison de sa légèreté et de sa maniabilité. C’est l’instrument le plus utilisé de ce quatuor, que ce soit pour la composition ou l’interprétation.

Le Ténor est fréquemment utilisé pour ceux qui apprennent le Jazz. Cela peut demander des efforts supplémentaires, notamment au début.

Bien que le Soprano soit petit et généralement plus léger, il reste difficile à maîtriser notamment au niveau de l’embouchure et de la justesse. Son embouchure est plus petite et cela demande donc un plus grand travail au niveau des muscles de la bouche pour produire un son de qualité. Cependant, si vous le maîtrisez correctement, le Saxophone Soprano produira un son magnifique.

Conclusion

Pour conclure, les critères sur lesquels doit se baser votre choix de Saxophone sont : votre âge, votre expérience musicale, vos envies musicales, à savoir le ou les styles de musique que vous souhaitez explorer. Mais pour débuter, il est conseillé de partir sur un instrument neuf, toutefois un d’occasion peut très bien faire l’affaire si vous avez la possibilité de le faire réviser par un professionnel.

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La famille des instruments à Cordes

La famille des instruments à Cordes

La famille des instruments de musique à Cordes est immense et parfois définie de manière incomplète. Une caractéristique commune cependant : le son est produit grâce à la mise en vibration d’une ou plusieurs cordes à l’aide d’un archet, des doigts, d’un plectre ou de tout autre système mécanique. Parmi ces instruments, il y a les instruments à cordes pincées (cordes qui vibrent grâce aux doigts ou à un plectre), frottées (cordes qui vibrent grâce à un archet) ou frappées (à l’aide de marteaux). L’organologie les classifie dans la catégorie des Cordophones. L’histoire des instruments à Cordes date de plusieurs milliers d’années. Il se dit que les premiers n’avaient qu’une corde, tout comme l’Arc musical. Il existe une multitude d’instruments à Cordes, mais dans cet article nous vous n’en présenterons que quelques-uns.

 

L’origine des instruments à Cordes

Les tous premiers instruments à Cordes à apparaître furent les Arcs musicaux. C’est en tirant leurs flèches que les chasseurs ont remarqué que la corde produisait un son lorsqu’elle vibrait.

La vibration d’une corde se créée lorsque nous la pinçons, grattons, frottons ou frappons.

Puisque d’origine le son est trop faible, il doit donc être amplifié par une caisse de résonance. Il peut s’agir d’un fruit séché ou calebasse, un trou dans la terre ou encore une caisse en bois.

Le son se produit par la vibration des cordes, elles peuvent donc être joués de plusieurs façon :

  • En les pinçant: en utilisant les doigts ou les ongles, par l’intermédiaire d’un plectre ou d’un mécanisme
  • Par frappement à l’aide de baguettes ou d’un marteau
  • Par frottement, grâce à un archet ou une roue

A l’origine, la corde est faite de fibres végétales, de crin ou de soie, de tendons et de boyaux d’animaux. Mais depuis le XVIIè siècle, la corde est entourée d’un fil de métal en cuivre, en fer en ou acier ou d’un fil de fibres synthétiques. L’intensité du son de la corde et son timbre est dû à la caisse de résonance. C’est là que l’air est mis en vibration, en en décuplant le son.

 

La famille des instruments à Cordes
Peinture réalisée par Fort Nadine

Vous souhaitez acheter votre premier Violon, mais vous ne savez pas comment choisir ? Découvrez dans cet article les critères importants à prendre en compte pour faire votre choix 

 

Les instruments à Cordes frottées

Concernant les instruments à Cordes frottées les plus connus en Occident, il y a le Violon, l’Alto, le Violoncelle et la Contrebasse.

Ces quatre instruments sont progressivement apparus dans le nord de l’Italie en Crémone au début du XVIe siècle. Les crins de l’archet sont enduits de colophane pour qu’ils puissent adhérer aux cordes et les faire vibrer.

Parmi leurs ancêtres nous retrouvons les Vièles et les Violes. Ce sont également des instruments à archet. L’archet a lui été importé d’Orient via Byzance vers le Xème siècle et change le style d’un grand nombre d’instruments dont les cordes étaient jusqu’alors pincées. Nous distinguons ces instruments parmi les autres grâce à la présence d’un chevalet, du creusement du corps latéralement et des ouïes.

Les cordes frottées forment la famille la plus importante de l’orchestre. Plus de la moitié des musiciens tirent à l’archet. Les cordes frottées sont placées dans la première rangée entourant le chef d’orchestre. Plus l’instrument est grand, plus son archet est court, de sorte que lorsqu’il appuie, le musicien a plus de puissance.

Le Violon

Dans un orchestre symphonique nous pouvons retrouver deux voix de Violon : les Violons 1 et les Violons 2. Joué avec un archet ou en pizzicato (qui signifie cordes pincées), le violon possède 4 cordes qui sonnent comme tel partant du grave : SOL, RÉ, LA, MI. Les violonistes lisent en clef de SOL uniquement.
Voici quelques caractéristiques du Violon :

  • C’est l’instrument le plus petit et le plus aigu de la famille des instruments à cordes
  • Dans l’orchestre, ce sont en général les Violons 1 qui jouent le chant et les Violons 2 le contre-chant ou l’accompagnement
  • Pour jouer, le violoniste positionne l’instrument entre son épaule gauche et son menton

L’Alto

L’Alto est un instrument un peu plus gros que le Violon, et il n’est pas rare de confondre les deux. Et tout comme le Violon, il est membre du quatuor à cordes. L’Alto a également 4 cordes, à savoir : DO, SOL, RÉ et LA. Les altistes lisent principalement en clef d’UT 3e ligne mais parfois en clef de SOL.

Voici quelques caractéristiques de l’Alto :

  • l’Alto est joué de la même manière que le Violon, la différence se trouve au niveau de la taille
  • Dû à sa taille un peu plus grande, l’Alto émet un son plus grave
  • Son timbre est plus doux, moins sonore
  • Il est souvent utilisé pour jouer les “batteries” dans l’orchestre, c’est-à-dire un accompagnement qui se répète

 

La famille des instruments à Cordes
Viole

Le Violoncelle

Le Violoncelle, instrument également membre du quatuor à cordes, est placé au sol sur sa pique. Le Violoncelle comporte aussi 4 cordes qui sonnent DO, SOL, RÉ, LA en allant du grave à l’aigu. Il se joue avec un archet ou en pizzicato. Les violoncellistes lisent principalement en clef de FA, mais également en clef d’UT 4 et en clef de SOL.

Voici quelques caractéristiques du Violoncelle :

  • Comparé au Violon, le Violoncelle est plus gros de plus d’un mètre
  • Le violoncelliste place l’instrument entre ses genoux et appuie son manche sur son épaule gauche
  • Le son d’un Violoncelle est beaucoup plus grave que celui du Violon, et son timbre est plus chaud
  • Une pique en métal dépasse de l’instrument et permet de caler sur le sol

La Contrebasse

La Contrebasse est l’instrument le plus imposant. Il ne fait pas partie du quatuor à cordes traditionnel, mais joue un rôle crucial dans l’orchestre symphonique. Comme le Violon, l’Alto ainsi que le Violoncelle, il se joue avec un archet mais aussi en pizzicato. Les notes des cordes de l’instrument MI, LA, RÉ et SOL en partant du grave. Toutefois, certaines Contrebasses possèdent 5 cordes ou bien un rajout sur la corde de MI (corde grave) pour jouer des sons plus graves.

Voici quelques caractéristiques de la Contrebasse :

  • C’est l’instrument le plus gros et le plus grave de la famille des Cordes frottées jouées à l’orchestre
  • Dû à sa taille imposante de 2 mètres, le contrebassiste doit jouer debout ou assis sur un tabouret

 

La famille des instruments à Cordes
Les différentes parties d’un Violoncelle

Les instruments à Cordes pincées

Les instruments à Cordes pincées sont très différents entre eux. Certains, comme le Luth, ont des cordes de la même longueur, d’autres, comme la Cithare, ont des tailles différentes, et d’autres encore possèdent un manche comme la Guitare.
Si les Luths, les Lyres, les Cithares et les Harpes étaient très présents et joués dans l’Antiquité, seuls la Harpe, le Clavecin et plus rarement la Guitare ont été reçus par l’orchestre moderne.

La Lyre

La Lyre est apparue en Égypte, il y a environ 5000 ans. Dans la mythologie grecque, il est dit qu’Hermès fabriqua la première Lyre avec une carapace de Tortue. La Lyre est l’instrument national de l’Ethiopie, malgré qu’elle ne subsiste que dans certains pays d’Afrique, elles accompagnent toujours les chants traditionnels.

La Harpe

La Harpe est un instrument sophistiqué, qui se trouve particulièrement en Europe. Il existe des modèles plus primaires : la Harpe arquée ou la Harpe angulaire, largement utilisées en Afrique et en Asie. La Harpe voyageât et fit son apparition en Europe, premièrement en Irlande. Parmi tous les instruments, c’est celui qui possède la plus large étendue (six octaves et demie). La Harpe à double mouvement a été inventée par Sébastien Erard vers 1810.

La Guitare

La Guitare est l’un des instruments les plus populaires de tous. Elle se prête aussi bien au jeu solo qu’à l’accompagnement des chants et des danses. Depuis le XVIIIe siècle, les Guitares possèdent 6 cordes. Il en existe cependant de nombreux dérivés : Pandore, Guitare basse, Ukulélé, Banjo, Guitare de jazz, Guitare électrique, Basse électrique…

 

La famille des instruments à Cordes
Sébastien Erard

Les instruments à Cordes frappées

Un instrument à cordes frappées est un instrument de musique dont les cordes sont battues manuellement ou mécaniquement, à mains nues ou avec des marteaux, des mailloches ou des baguettes. Concernant la famille des Cordes frappées, l’instrument le plus connu reste le Piano, instrument à clavier dont les cordes sont battues par de petits marteaux recouverts de feutre. Le Piano possède 36 touches noires et 52 touches blanches.

En appuyant sur une touche, un mécanisme propulse une pièce en bois recouverte de feutre sur la corde et la fait résonner. C’est le marteau.
Dès lors que l’on relâche la touche, un étouffoir se met sur la corde pour arrêter la résonance.

Parmi les instruments à cordes frappées, il y a le Tympanon, le Clavicorde, le Cymbalum, le Tambourin à Cordes et bien d’autres.

Conclusion

Parmi les instruments de la famille des Cordes, une grande majorité est connue et répandue : Violon, Alto, Contrebasse. Cependant une grande partie de ces instruments ne l’est que beaucoup moins, tels que le Clavicorde ou le Cymbalum qui méritent eux aussi de connaître leur moment de gloire. La plupart étant des instruments vivants, traditionnels, surprenants, dont des modèles s’intègrent parfaitement dans une harmonie ou un orchestre symphonique.

Acheter son premier Violon : les critères à prendre en compte

Acheter son premier Violon : les critères à prendre en compte

L’achat d’un Violon est une chose très personnelle. D’autant plus que pour les débutants, choisir son premier violon peut rapidement devenir compliqué, tant les produits proposés sont nombreux. Cette difficulté de choix peut s’appliquer à tous les instruments puisqu’il y a des modèles et des marques qui sont plus adaptés à certaines personnes. En termes de marque de Violon, vous avez le choix entre des instruments fabriqués en usine et des modèles faits à la main par des luthiers spécialisés. Il est donc clair que beaucoup de choix s’offrent à vous. Cet article met en avant les critères à prendre en compte pour vous aider à faire votre choix.

 

La connaissance des matériaux

Pour avoir un bon Violon, le choix des essences de bois est fondamental. Par conséquent, l’un des premiers critères à prendre en compte concernant le choix d’un Violon est la matière première utilisée pour fabriquer l’instrument.
Pour permettre d’affiner le choix, voici une liste des différentes pièces de lutherie et leurs caractéristiques :

  • Le fond est fait d’érable, ainsi que les éclisses (côtés) et la volute

 

  • Pour la table d’harmonie, on favorise l’épicéa, pour ses caractéristiques acoustiques exceptionnelles

 

  • La pièce où s’activerons vos doigts s’appelle la touche, et les chevilles, servants à accorder l’instrument, sont en ébène, un bois très dur qui résistera à la tension très élevée des cordes

 

  • Le cordier et la mentonnière pourront être fabriqués de façon exceptionnelle en ébène, mais aussi en palissandre ou en buis pour des raisons purement esthétiques. Toutefois, le cordier peut également être fait en plastique ou en composite, pouvant rendre le son plus brillant

 

  • Le chevalet qui est une pièce de bois se trouvant entre les cordes et la table de l’instrument, est fait en érable. Il sert d’une part à transmettre la vibration des cordes à la caisse de l’instrument, pour faire résonner le son, mais également à maintenir l’espacement entre les cordes : son asymétrie permet au musicien de jouer chaque corde séparément

 

  • L’archet est traditionnellement fait en bois de Pernambouc, mais les archets débutants sont plutôt confectionnés avec du bois du Brésil. Concernant la hausse, la partie où sont positionnés les doigts, elle est fabriquée en ébène. Depuis quelques années, les archets en Carbone s’imposent comme une solution alternative au Pernambouc, avec une grande solidité, et un très bon rapport qualité/prix.

Fabriquer un Violon demande de posséder plusieurs qualités, dont la minutie. Découvrez dans cet article le métier de Luthier ainsi que l’art de la Lutherie. 

 

Acheter son premier Violon : les critères à prendre en compte
Chevalet de Violon

Des détails et accessoires pouvant être nécessaire

À savoir qu’un Violon, quelques soit la qualité de sa fabrication ainsi que des bois utilisés, peut être “amélioré” de manière significative en optimisant certains éléments :

  • Pour un instrument d’entrée de gamme, monter des cordes de qualité est souvent primordial. La qualité sonore, et la facilité de jeu dépendent également de la qualité des cordes
  • Il est également possible de changer le chevalet, et passer à une gamme supérieur
  • Le cordier est également une pièce pouvant être modifiée en fonction des goûts du musicien. Par exemple un cordier en plastique peut être échangé avec un cordier en bois, ce qui donnera un son plus doux, moins métallique
  • Pour débuter, un archet d’entrée de gamme est suffisant mais il sera rapidement nécessaire de passer à un archet de gamme supérieur, soit fait en bois du Brésil, soit fait en Pernambouc

D’autres accessoires sont utiles pour jouer du Violon, tels que le coussin placé entre l’instrument et l’épaule, ou encore la colophane qui permet à l’archet de bien faire vibrer les cordes. Pour tous ces accessoires, il existe évidemment différentes gammes et qualités.

 

Acheter son premier Violon : les critères à prendre en compte
Colophane

Les fourchettes de prix

Vous pourrez trouver chez les luthiers et sur internet des Violons d’entrée de gamme et ce à tous les prix. Néanmoins, nous pouvons distinguer plusieurs tranches de prix :

 

En dessous de 150€ :

Les bois utilisés ne sont pas clairement définis, nous parlerons alors de “bois teinté“. Puisque la touche ne peut être en ébène, elle est remplacée par du “bois teinté ébène“ ou du poirier. Pour les Violons de cette tranche de prix, c’est le bois massif qui est utilisé et non de l’épicéa. Et les accessoires sont réalisés dans des “bois durs“.
Ce sont souvent des instruments qui ont des qualités de sons limitées et qui ne vieillissent pas bien dû aux bois utilisés. Ces Violons là sont plus adaptés aux grands débutants. En effet, ces instruments ne présentent pas assez de qualités sonores nécessaires à un bon apprentissage.

 

De 150€ à 400€ :

À ces prix-là, nous trouvons des bons Violons d’entrée de gamme pour débutants. Ces Violons sont destinés aux débutants qui souhaitent se lancer dans l’apprentissage de l’instrument. Cependant, il sera rapidement nécessaire de passer à une gamme supérieure.

 

De 400€ à 800€ :

Les instruments de cette gamme-là sont fait de bois de bonne qualité. Nous parlons désormais d’ébène pour la touche, d’épicéa pour le fond, et d’érable pour les éclisses. Les chevilles et le cordier sont également faits en ébène ou en palissandre.
Les cordes et la colophane sont également de marques. Dans cette gamme de prix, le Violon est révisé, adapté et réglé. Cet instrument d’étude est idéal pour les premières années d’apprentissage du Violon.
Au-dessus de 800€ se trouve les Violons adaptés pour les musiciens confirmés, avec des attentes de qualités sonores élevées.

 

Acheter son premier Violon : les critères à prendre en compte
Peinture de Franck Hebert

Quelques marques de Violons pour débutants

Voici une liste des différentes marques de Violon adaptés aux débutants :

Stentor

Produit en Chine, la marque Stentor est peut-être, la marque la plus connue parmi celles des Violons d’usine. Elle est souvent fournie aux élèves étudiant dans les établissements scolaires consacrés à l’apprentissage de la musique. Bien que les évaluations de contrôle de qualité aient lieu avant leur départ de l’usine, ces instruments ne sont pas assemblés à la main et, par conséquent, manquent souvent de l’individualité que fournissent les Violons fabriqués à la main.

Yamaha

Yamaha est un choix solide pour un instrument d’étudiant, notamment pour son prix moins élevé. Cette marque est bien placée au niveau qualité-prix. Toutefois, l’individualité est peu susceptible d’être un facteur clé dans la décision d’acheter un Violon Yamaha. Cependant la mise en place sera probablement plus propice à la pratique et au jeu, surtout avec des cordes de bonne qualité et un bon archet.

Hofner

La marque allemande Hofner, est peut-être la plus intéressante des marques de Violons produites en usine. Les producteurs d’instruments blancs, c’est-à-dire sans vernis, et avec une seule touche attachée, sont au service de l’étudiant et ceux ayant un niveau professionnel. Ils fournissent une occasion idéale en offrant la possibilité de faire une commande qui convient parfaitement à la morphologie de chacun.

 

Acheter son premier Violon : les critères à prendre en compte

Conclusion

Pour le musicien, l’achat d’un Violon est surtout, une sorte d’engagement affectif car cet instrument deviendra son compagnon pour de nombreuses années, si bien que son choix revêt une importance primordiale. Mais plusieurs critères sont à prendre en compte pour pouvoir faire ce choix. En plus de ceux qui ont été cités dans l’article, il y a aussi votre niveau, vos souhaits et votre budget. Faites plusieurs recherches, testez même les Violons si vous le pouvez, vous finirez par trouver un Violon parfait pour vous.

 

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Comment trouver l’inspiration pour composer de la musique ?

Comment trouver l’inspiration pour composer de la musique ?

D’une manière générale, la recherche d’inspiration est le fondement principal de l’art. Mais il est vrai que celle-ci est un concept abstrait, et malheureusement il n’y a pas de mode d’emploi ! Chaque artiste a ses propres méthodes pour trouver de l’inspiration. Cependant, en termes de musique, certaines techniques peuvent aider les musiciens à s’inspirer et à composer de la musique. Voici quelques-unes d’entre-elles.

 

Choisir un bon environnement

Habituellement, pour composer de la musique, il est nécessaire de s’installer dans un endroit confortable, qui favorisera la créativité. Une pièce calme offrant une vue agréable est un choix idéal. Vous pouvez également vous asseoir dans un jardin entre plusieurs arbres, car il est dit que la nature est très inspirante.

En fait, face à des situations inconnues, le cerveau a tendance à être plus actif, ce qui entraîne une augmentation de la créativité. Par conséquent, découvrir de nouveaux endroits, de nouvelles personnes et de nouvelles cultures est un excellent moyen de générer de l’inspiration. Et c’est exactement de cette manière que le compositeur Mozart trouvait son inspiration. Sa grande productivité était due aux nombreux voyages qu’il a pu faire. Par conséquent, tous ces stimuli lui ont fourni beaucoup de matière pour être inspiré à composer.
C’est pour cela qu’il est important de bien choisir son environnement.

Stimuler sa créativité

Pour booster sa créativité, la lecture est un moyen assez efficace, mais l’écoute de musique de toutes sortes reste la meilleure méthode. En effet, écouter quelques morceaux au préalable peut aider sur la façon de commencer une composition. C’est-à-dire vous concentrer sur un aspect de la musique qui vous plaît particulièrement et l’utiliser comme point de départ pour votre nouvelle création. Dans cette optique, il est important que vous écoutiez toutes sortes de musique, et non seulement celles que vous préférez. Prenez l’habitude d’écouter de tout, en allant des musiques plus connues au moins connues.

Également, pour stimuler votre créativité, nous vous recommandons de pratiquer un exercice très simple : le free-writing.
Le principe est de vous asseoir devant votre ordinateur ou devant une feuille vierge, puis d’écrire tout ce qui vous passe par la tête. C’est-à-dire que chaque mot, chaque idée, chaque pensée qui vous traverse l’esprit doive être notés.
Après relecture, il vous suffit d’effacer les informations superflues et de garder ce qui vous convient. Et enfin, finissez par structurer les pensées qui méritent d’être développées.
À force, une mélodie vous viendra naturellement à l’esprit.

 

Comment trouver l’inspiration pour composer de la musique ?
Le choix de son environnement est une première étape pour trouver l’inspiration

 

S’inspirer d’une expérience personnelle

De nombreux artistes s’inspirent de leur propre expérience pour composer leurs chansons. Le plus important à connaître c’est le “pourquoi” vous composez une musique et surtout, pour faire passer quel message.
Puisque vous maîtrisez n’importe quel sujet qui vous concerne, il vous sera plus facile de placer les mots et de mettre en avant les émotions qui en ressortent. N’hésitez pas à chercher au plus profond de vos souvenirs.
Ou alors, vous pouvez également vous inspirer d’une situation expérimentée par d’autres personnes.

En fait, par les paroles de la chanson, vous devez faire ressentir aux auditeurs toutes les émotions que vous souhaitez partager, que ces émotions soient la tristesse, de la joie ou de la colère.

Écouter d’autres musiques

En cas de manque d’inspiration, la solution la plus facile et la plus adaptée est d’écouter d’autres morceaux de musique. Il ne s’agit pas uniquement d’écouter les textes, mais aussi la mélodie. En effet, la musique doit s’analyser sur tout le plan : tenir compte des accords, de la structure, de la gamme ainsi que des instruments utilisés. Grâce aux cours de musique que certains ont suivis, il leur sera plus aisé de réaliser cette tâche.

Les festivals de musique diffusés en ligne peuvent également être une riche expérience dans ce domaine. Puisque différents musiciens avec différents styles de musique se présentent, il vous sera possible d’écouter de nouveaux sons, d’écouter de nouvelles voix, et de découvrir de nouveaux rythmes. Ces festivals vous permettront éventuellement d’évoluer musicalement. Toutefois, il faut veiller à ne pas trop vous éloigner de ce que vous savez déjà faire.

Prêt à vous lancer dans la composition ? Découvrez dans cet article, les instruments les plus adaptés pour composer. 

 

Comment trouver l’inspiration pour composer de la musique ?

 

Exprimez vos rêves et vos passions

Chaque personne a un rêve enfoui. Même si vous pensez qu’il est impossible de le réaliser, sachez que cela peut devenir une source d’inspiration pour votre prochaine composition. Sinon, vous pouvez également parler de ce qui vous passionne. Cela peut être de la musique, de l’art, des animaux ou de l’amour pour le voyage.

Parfois, s’exprimer sur tous sujets avec une personne cultivée est un autre moyen efficace pour trouver de l’inspiration. Juste en l’écoutant, vous pouvez trouver un sujet intéressant qui mérite d’être développé.
Sur YouTube et d’autres plateformes, vous pouvez également trouver des podcasts et des conférences qui parlent de ce qui vous passionne. Et après quelques visionnages, il est possible que vous arriviez à vaincre le syndrome de la page blanche.

Bien choisir la structure

Lors de la composition d’une pièce musicale, la structure est un point important à prendre en compte. En général, elle est employée selon le style de musique.
Il faut savoir qu’une chanson peut contenir différentes parties, dont le refrain et les couplets sont les plus importantes. Il doit y avoir une véritable consistance et cohérence dans leur contenu. Notez également que vous devriez faire attention aux rimes afin que les paroles de musique soient faciles à prononcer.
Et également bien choisir le titre. Il est celui qui se lit en premier, il doit donc être percutant et révéler l’histoire que vous allez raconter.

Se relaxer et prendre son temps

Sachez que les préoccupations, le stress et la fatigue sont des obstacles à l’inspiration. Si vous souhaitez composer de belles chansons, vous devrez prendre votre temps et vous détendre. Mais aussi, éviter la pression. Vous devez attendre d’avoir des idées claires avant de vous mettre au travail. N’hésitez donc pas à vous divertir.

De plus, après avoir rédigé vos premières idées, il est possible que vous soyez coincé sur une partie de votre composition. Dans ce cas-là, laissez-là un instant de côté et retournez-y un peu plus tard. Peut-être qu’une fois les idées claires et après avoir pris un peu de recul, vous arriverez à débloquer la situation. Autre technique, employez vous à composer une autre partie de votre morceau. Vous pourrez revenir à la partie problématique plus tard.

Face à l’improvisation

L’improvisation est aussi l’une des techniques qui aident à trouver une inspiration. Pour faire fonctionner l’improvisation, il est important de penser à s’enregistrer en train de jouer pour pouvoir retravailler cette matière par la suite.
Recherchez une tonalité agréable à écouter et laissez vos mains faire le reste.
D’autre part, cela peut prendre beaucoup de temps avant de trouver un début de mélodie convaincante. Il sera donc nécessaire de s’armer de patience. La composition improvisée sera réécoutée, modifiée, améliorée et reproduite jusqu’à ce qu’elle soit satisfaisante.

Comment trouver l’inspiration pour composer de la musique ?
La technique de l’improvisation est l’une des meilleures méthodes pour trouver de l’inspiration

Conclusion

Avec toutes ces techniques, il est possible que vous trouviez l’inspiration que vous recherchiez. Mais n’oubliez pas que dans toutes les disciplines la persévérance est importante. Votre composition parfaite ne se fera peut-être pas dès la première fois. Mais continuez d’exercer sans vous arrêter. Un travail régulier et constant ne fera que vous faire progresser.

 

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La musique : Une aide contre l’Alzheimer ?

La musique : Une aide contre l’Alzheimer ?

La musique est une composante clé de toutes les civilisations. Les chercheurs ont longtemps soupçonné ses effets thérapeutiques sur la santé humaine, mentale ou physique. Mais l’étude de son impact sur le cerveau n’a démarré que depuis environ une quinzaine d’années et fait partie du domaine d’exploration des Neuroscientifiques du monde entier (plus particulièrement aux États-Unis et au Canada). Ces différentes études s’efforcent de montrer que la musique calme la douleur ou soulage les symptômes de troubles telles que la maladie d’Alzheimer, Parkinson et même l’Autisme. Dans cet article nous verrons les bienfaits qu’a la musique sur la maladie neurologique la plus répandue dans notre société : l’Alzheimer.

L’origine de l’Alzheimer

La maladie d’Alzheimer, décrite pour la première fois par Aloïs Alzheimer en 1907, est une “maladie cérébrale qui détériore progressivement les facultés intellectuelles et les capacités d’adaptation“. C’est une maladie neurodégénérative qui provoque la détérioration puis la mort des neurones. Il s’ensuit une atrophie du cerveau qui peut être importante -jusqu’à 25% de perte de volume dans les stades avancés-. Toutefois, nous n’en connaissons toujours pas la cause avec précision.

La maladie d’Alzheimer est une maladie assez répandue en France. Elle concerne particulièrement la population des plus de 65 ans. Elle touche une femme sur quatre et un homme sur cinq parmi les plus de 85 ans. Plus le patient est âgé, plus les risques d’Alzheimer augmentent. Il existe actuellement deux types de médicaments : ceux qui visent à ralentir la progression de la maladie et ceux qui essaient d’en diminuer les symptômes. Cependant, aucun médicament actuel ne guérit la maladie d’Alzheimer.

Puisque l’efficacité des traitements actuels est très limitée et leurs effets secondaires indésirables assez nombreux, la musicothérapie prend une très grande place et devient donc une alternative intéressante, non pour guérir la maladie, mais améliorer la vie quotidienne des patients. Les chercheurs ont fait quelques hypothèses sur les effets de la musicothérapie sur les patients atteints de la maladie d’Alzheimer, qui sont à confirmer, car les études sur le sujet sont encore trop récentes : contrairement aux autres activités cérébrales, telles que le langage, qui se trouve dans une zone spécifique du cerveau, la musique, elle, n’a pas de centre défini. Les souvenirs qui lui sont associés sont donc encodés dans différentes zones. Par conséquent, les neuroscientifiques pensent que grâce à la musique, le patient arrive parfois à retrouver un souvenir dû au fait que celui-ci le soit ancré à la fois dans une zone endommagée et dans une zone saine.

Envie d’en savoir plus sur les bienfaits que procure la musique en général ? Lisez notre article sur la Musicothérapie !

 

 La musique : Une aide contre l’Alzheimer ?
La musicothérapie améliore la vie des patients atteints de l’Alzheimer

La musique stimule le cerveau

Les chercheurs de l’Université McGill à Montréal ont montré que la musique avait un impact sur notre cerveau en se concentrant directement sur notre système de récompenses. Ils ont ainsi découvert que la musique affecte également le système cognitif des personnes atteintes d’Alzheimer en faisant raviver des souvenirs.

En effet, la musique agit sur les hormones de plaisir, l’endorphine et la dopamine en favorisant leur production. La musique joue sur notre comportement, notre humeur et peut même ranimer certaines émotions.

La musique stimule toutes les zones du cerveau. Elle permet de :

  • Raviver certains sentiments et émotions : la musique agit sur les pensées et les émotions positives
  • Augmenter l’estime de soi
  • Stimuler la créativité et la mémoire
  • Réduire l’anxiété, les angoisses et l’agitation
  • De mieux communiquer avec les personnes qui nous entourent et par conséquent réduire l’isolement social
  • Renforcer l’intérêt et l’attention lors d’activités
 La musique : Une aide contre l’Alzheimer ?
La musique stimule toutes les zones du cerveau

 

La musique agit sur le bien-être mental et physique des patients

Il est confirmé que la Musicothérapie est donc très bénéfique pour les patients atteints de la maladie d’Alzheimer ou de pertes de mémoire. Lors de la perte du langage, des souvenirs et du sens de soi, la musique est toujours présente dans les parties du cerveau restées actives. Elle peut également aider à la re-connexion à des parties du cerveau dont les patients ont précédemment perdus l’usage.

Dans le cas de la maladie d’Alzheimer, la thérapie musicale peut réduire la préoccupation et l’agitation des patients, tout en essayant de stimuler leur mémoire et leurs souvenirs réceptifs. Comme chaque thérapie, il s’agit principalement d’un moyen efficace de créer une relation entre le patient et le soignant, mais aussi entre les patients eux-mêmes car lorsqu’ils bougent, jouent des instruments et font de la musique ensemble, augmente le partage et les sentiments de connexion et de bien-être. Le moral comme à remonter et ainsi l’anxiété se libère.

En 2020, le Royaume-Uni a introduit une campagne nationale portant le nom de “Music for Dementia 2020”, faisant la promotion des bienfaits des activités musicales auprès des personnes touchées par la maladie d’Alzheimer. Cette campagne vise à inviter le personnel de santé à rendre la musique accessible à tous les patients. De nombreux conseils et outils sont recommandés sur le site Web de la campagne pour mettre en place des activités musicales.

 

 La musique : Une aide contre l’Alzheimer ?
La musicothérapie a de nombreux bienfaits sur les patients atteints d’Alzheimer

Les moments en musique à partager

La musique peut être écoutée sans aucune contre-indication et les activités musicales vous permettent d’offrir et de partager de nouvelles expériences.
Voici quelques conseils pour passer un bon moment en musique :

  • Adaptez le style musical en fonction des goûts et des préférences de la personne atteinte de la maladie d’Alzheimer. Mais vous pouvez aussi lui faire écouter différents morceaux puis observer ses réactions
  • Si vous connaissez bien les goûts de la personne , essayez de lui faire écouter des chansons qu’elle appréciait avant, afin de favoriser le rappel d’un souvenir ou d’un moment passé
  • Que ce soit en écoutant la radio, sur YouTube, une chorale ou un concert, assurez-vous que le volume sonore est approprié afin que tout le monde puisse profiter de ce moment
  • Créez une playlist personnalisée, comprenant tous les morceaux préférés de la personne atteinte de la maladie, afin de pouvoir vraiment profiter de ce moment d’échange et de partage

 

 La musique : Une aide contre l’Alzheimer ?
La musique permet de partager de bonnes expériences

Conclusion

Il est clair que la Musicothérapie ne permet pas de guérir la maladie d’Alzheimer dans le sens littéral. Mais elle contribue énormément à l’amélioration de la qualité de vie des patients. À son échelle, la musique peut apporter énormément aux personnes atteintes d’Alzheimer. Les souvenirs sont très importants, notamment pour une personne âgée. Or si la maladie lui enlève cette capacité, que lui reste-t-il ? Par la musique, les souvenirs peuvent lui revenir et la ramener à son histoire passée. Apporter de la joie à ces personnes, ça n’a pas de prix. Comme le dit Mikaela Halvarsson, une spécialiste des troubles cognitifs : “Si nous avons pu leur apporter du bonheur pendant une heure, alors c’est toujours cela de gagné“.

 

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La musique Romantique

la musique romantique

Le XIXe siècle marque le début d’une nouvelle période connue sous le nom de Romantisme. Ce mouvement, qui s’étend d’environ 1800 aux années 1890, est incarné en Europe dans tous les domaines de l’art (poésie, peinture, musique, architecture, etc.). Le terme Romantisme est issu de la tendance littéraire allemande de 1800-1830, qui évoque entre autre l’irrationalité, les rêves, les sentiments, la sensibilité. Dès la période Classique, le mouvement allemand “Sturm und Drang” traduit par tempête et passion, montre le début de cette musique tumultueuse et passionnée. Les compositeurs de la période Romantique se sont initiés à ce style en grande partie grâce à l’influence de Ludwig van Beethoven et ses oeuvres “absolues”.

 

Introduction à la musique Romantique

La musique Romantique est avant tout un mouvement révolutionnaire. Cependant, les mentalités des périodes passées restaient bien présentes et des compositeurs tels que Schubert, Schumann ou Brahms ne pouvaient pas complètement rompre avec leur héritage. La musique Romantique recherche l’intimité dans les émotions musicales et les salons, tandis qu’en même temps, le développement de la facture instrumentale pousse paradoxalement à la virtuosité et à l’évolution de la matière sonore : l’orchestre est devenu de plus en plus important, et le piano acquiert un nouveau volume sonore.

Les statuts des musiciens évoluent également, ce qui les rend indépendants au XIXe siècle. Depuis des siècles, les musiciens tiennent leur subsistance d’un mécène ou d’une organisation dont la plus importante était l’Eglise. Jusque-là, la plupart des œuvres créées étaient des commandes, avec un seul objectif clair : faire briller leur commanditaire.
Bach était “soumis” à des cours ; Haydn était au service du prince Esterházy ; Mozart bien que devenu un musicien libre ne dépendant plus d’aucune organisation, voyait la plupart de ses œuvres être des commandes. Beethoven est l’héritier de tout cela. En mettant la noblesse à son service, au lieu de l’inverse, il devient un musicien libre et indépendant.

Saviez-vous que dans la période Baroque, Jean-Sébastien Bach composait ses œuvres à la demande de ses mécènes?

 

Les musiciens romantiques excellent également dans des domaines autres que la composition : interprètes (Chopin, Liszt), écrivains (Berlioz, Schumann, Wagner), théoriciens et chefs d’orchestre.

Suite au différents évènements politiques du XIXe siècle accompagné du déploiement d’un nationalisme exacerbé, les artistes s’isolent et se réfugient dans leurs propres valeurs nationales. Les style et genres s’opposent régulièrement d’un pays à l’autre. Le cas le plus parlant est celui de l’opéra Wagnérien, qui “écrasera” toute l’Europe pendant une grande partie de la seconde moitié du siècle. Un grand nombre de compositeurs européens auront bien du mal à se défaire de l’emprise stylistique du compositeur allemand. La fin de cette domination arrivera avec le courant impressionniste Français, porté par Claude Debussy.

On peut distinguer plusieurs phases dans la musique du XIX° siècle :

  • 1800/1830 : les débuts du romantisme
  • 1830/1850 : apogée
  • 1850/1890 : le romantisme tardif

 

La musique romantique
Ludwig Van Beethoven

 

Le style de musique et le langage musical

La musique Romantique reprend tous les genres et styles de la période Classique, en les adaptant aux valeurs de la révolution Romantique. La “Symphonie” créée à l’époque classique a évolué dans des formes plus riches et plus raffinées en raison de l’avancement du système harmonique et tonal. De plus, l’Opéra, transcende les frontières de l’Italie pour s’importer dans d’autres pays européens, parfois dans des formes plus légères (Opérette). De nouveaux genre apparaissent, tels que le Lied, les Poèmes Symphoniques et les Drames musicaux.

Dans le langage musical, les récits racontent l’amour, la passion et la tourmente de l’humanité. De plus, es compositeurs s’inspirent alors des grandes œuvres littéraires de l’époque et utilisent d’avantage un instrument qui deviendra l’un des emblèmes de ce siècle : le Piano.
Le langage musical se complexifie et les compositeurs, grâce à des instruments en plein développement, façonnent les sons qui imitent ceux de la nature et de son imaginaire. Autre point important, l’époque Romantique fait la part belle à la virtuosité instrumentale.

 

La musique romantique
Richard Wagner

 

Les formes musicales évoluées

Ces genres introduits à partir de la période Classique, furent considérablement développés et magnifiés tout au long du XIXe siècle.

  • La Symphonie Romantique a remplacé le Concerto Grosso. Beethoven en fait l’une des formes de musique les plus populaires de son répertoire (mais pas que). La Symphonie se développa jusqu’au début du XXe siècle. Elle deviendra l’un des genre les plus prestigieux de la musique Romantique et l’un des plus populaires auprès des compositeurs
  • La Symphonie vocale est une variation de la Symphonie. Il s’agit d’une oeuvre instrumentale exécutée par un soliste sur un fond lyrique et poétique. L’un de ses compositeurs emblématiques est Gustav Mahler
  • La Symphonie pour instrument soliste est une autre évolution musicale de la Symphonie quand les compositeurs écrivent des symphonies sur un seul instrument. À l’époque, c’était le Piano et l’Orgue. Citons la Symphonie N°3 de Camille Saint-Saëns
  • Le Concerto hérité de l’ère Classique, évolue dans son thème et son esthétique. Il permettra aux compositeurs de repousser les limites de la virtuosité instrumentale
  • L’Opéra Romantique dont le foyer est d’abord Paris, puis Bayreuth, grand fief de l’Opéra Wagnérien.

 

la musique romantique
Robert Schumann

 

Les nouvelles formes musicales

Elles sont issue de l’imagination affranchie des compositeurs.

  • La Musique Absolue ou musique pure, est une musique instrumentale jouée dans sa forme la plus pure, pour exprimer les émotions du compositeur

 

  • À l’inverse de à la musique absolue, la Musique à Programme. Elle est censée illustrer une thématique ou une histoire qui est souvent présentée en amont au public, à l’aide d’un Programme. La Symphonie Fantastique d’Hector Berlioz est une des oeuvres fondatrices du genre

 

  • La Musique de Chambre est une forme de représentation très prisée durant la période Romantique, à travers laquelle les artistes peuvent transmettre des émotions plus intimes au public, mais aussi innover de manière plus libre et radicale. Les derniers Quatuors à Cordes de Ludwig van Beethoven en sont une parfaite illustration

 

  • Le Poème Symphonique est un genre musical accompagné d’un orchestre symphonique. Ce genre porte principalement sur des sujets littéraires, philosophiques, descriptifs ou même picturaux. Il est peut être accompagné d’un chœur ou d’une voix de soliste. Plus tard, le poème symphonique fut quelque peu rejeté, surtout dans la volonté de séparer l’œuvre musicale de l’influence littéraire. Stéphane Mallarmé était opposé à la mise en musique de ses poèmes, jusqu’au jour où il tomba en admiration du “Prélude à l’après midi d’un Faune” de Claude Debussy

 

  • Le Lied, traduit de l’allemand par “chant”, est un poème que l’on chante  en compagnie d’un Piano ou d’autres instruments de musique. D’origine allemande, le Lied fait partie du genre de la “petite forme”, à contrario de la Symphonie, qui elle, fait partie du genre de la “grande forme”. Le Lied se compose sur plusieurs thèmes : l’amour, les voyages ou encore la nuit. Le Lied apparaît avec le développement du Piano forte, qui l’accompagne souvent

 

  • Les formes de Piano Romantique : le Piano était au cœur de la création des compositeurs de l’ère Romantique. Les formes dites du “Piano Romantique” sont : la Sonate, le Prélude, les Études, la Ballade, le Nocturne, le Scherzo, la Fantaisie, la Fugue, l’Impromptu et les pièces de danse

 

la musique romantique
Frédéric Chopin

 

Conclusion

Les différents nationalismes européens ont porté avec passion le foisonnement créatif de la musique du XIXe siècle. Le Romantisme se terminera sur une opposition avec le Classicisme, qui s’évertuait à se placer au-dessus des nations et à tenir un langage universel. Le Romantisme reste l’une des périodes les plus riches et les plus passionnantes de l’histoire de la musique occidentale, et plus largement celle de l’histoire de l’art.

 

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La Musicothérapie : se soigner par la musique

La Musicothérapie : se soigner par la musique

En plus d’adoucir les moeurs et certains comportements, la musique apporterait du courage, calmerait la dépression et favoriserait la relaxation. Depuis des siècles, la musique est même utilisée comme traitement de certains maux. La musique peut nous aider à contrôler nos émotions, à les calmer, à participer ou à encourager la prise de décision. Elle s’avère d’ailleurs particulièrement bénéfique pour les enfants et les bébés. De nombreuses études ont prouvé ses bienfaits pour la santé physique et mentale. Voyons dans cet article comment la Musicothérapie peut aider à se soigner grâce à la musique.

 

La Musicothérapie : qu’est-ce que c’est ?

La Musicothérapie, très prisée ces dernières années, a la particularité d’utiliser la musique comme méthode de traitement.

La Musicothérapie est une forme thérapie qui utilise la musique comme moyen de traiter, de soigner ou de répondre à un problème donné. Parce que la musique atteint le “cœur” de l’individu, c’est un moyen d’expression privilégié, qui lui permet d’exprimer sa douleur et ses émotions. Par conséquent, en Musicothérapie, le son et le rythme deviennent des outils pour augmenter la créativité, renouer avec soi-même et traiter divers problèmes de santé. En tant qu’outil de croissance personnelle, la musique peut augmenter et améliorer la vitalité mais aussi améliorer les capacités cognitives, les capacités psychomotrices ainsi que les capacités sociales et émotionnelles. Bien que la musicothérapie ne fût à l’origine utilisée que pour la psychothérapie, son objectif thérapeutique a été considérablement élargi.

La Musicothérapie peut-elle fonctionner pour tout le monde ? En effet, les sensations provoquées par l’écoute de musique ou de sons varient d’une personne à l’autre. Certaines personnes sont plus sensibles que d’autres. Les musicothérapeutes utilisent deux méthodes :

  • La Musicothérapie active qui nécessite la participation du patient. En effet, le principe est de l’encourager à s’exprimer en chantant ou en improvisant sur des instruments
  • La méthode “réceptive”. Cette fois, le patient n’a besoin que d’écouter de la musique

 

La Musicothérapie : se soigner par la musique

Jouer d’un instrument après 50 ans présente de nombreux avantages. Découvrez lesquels dans cet article. 

 

Les bienfaits de la Musicothérapie

Il existe de nombreuses applications thérapeutiques de la Musicothérapie. Cependant, il peut être difficile de savoir exactement dans quelle mesure les effets qui en découlent lui sont directement attribuables. D’une étude à l’autre, les interventions (choix de la musique, durée de la rencontre, intensité, etc.) et les mesures varient fortement. Cela étant dit, les principales applications thérapeutiques de la musicothérapie ont été évaluées à travers la recherche scientifique. Il convient de mentionner ici les bienfaits de la Musicothérapie. En voici une liste non exhaustive :

La musique pour vaincre l’anxiété et le stress

La musique est un excellent allié dans le traitement des maladies mentales. En raison de son effet relaxant, il aide à réduire le niveau de cortisol, une hormone du stress. D’autre part, il stimule la libération d’endorphines qui ont des effets sédatifs et analgésiques. C’est pourquoi la Musicothérapie est de plus en plus courante dans les hôpitaux.

Cette forme de traitement est principalement utilisée pour calmer les patients souffrant de maladies respiratoires ou cardiaques. Avec l’aide de la musique, ils pourront contrôler leurs émotions et retrouver la sérénité. De plus, des essais cliniques ont montré qu’ils pouvaient en effet lutter plus efficacement contre l’anxiété et les mauvaises émotions.

La musique améliore l’humeur

Un certain nombre d’études ont montré que la Musicothérapie peut aider à améliorer l’humeur de divers groupes de personnes. Par conséquent, en rendant l’hospitalisation plus agréable pour les malades et leurs familles, un impact positif direct sur les patients sera évident. Il en découlera également l’amélioration de l’humeur des soignants sur le long terme.< /P>

La Musicothérapie : se soigner par la musique
Image sur les points que la musique améliore

La musique améliore le sommeil

L’effet apaisant de la musique – qu’elle soit instrumentale ou chantée, enregistrée ou en direct – a été observée sur tous les âges. Selon les résultats d’études cliniques chez les personnes âgées, la Musicothérapie peut faciliter l’endormissement, réduire le nombre de réveils, améliorer la qualité du sommeil et en augmenter sa durée et son efficacité.

La musique peut vaincre la douleur

La musique peut avoir le même effet que la morphine, les analgésiques, les anxiolytiques et autres tranquillisants. Écouter de la musique peut réduire la sensation de douleur grâce à la sécrétion d’endorphine.
Selon certaines recherches, la Musicothérapie peut soulager la souffrance des patients en réduisant les symptômes et la douleur associés à diverses maladies. C’est le cas de la polyarthrite rhumatoïde, de l’arthrose et des maladies musculo-squelettiques.
En cas de douleurs chroniques telles que maux de tête ou maux de dos, il est également judicieux d’utiliser cette technique de traitement. Enfin, de nombreux médecins l’utilisent pour aider les patients ayant subi des traitements majeurs tels que la chirurgie ou la chimiothérapie.

La musique pour traiter la dépression

Quelle que soit la cause de la dépression, la Musicothérapie est un moyen efficace de la soulager et de l’atténuer. La musique peut en soulager tous les symptômes et améliorer l’humeur. Bien entendu, le choix du registre doit être effectué avec soin. En général, la musique riche en harmoniques ou la musique contenant des paroles positives sont celles à privilégier.

 

La Musicothérapie : se soigner par la musique

 

Le choix de musique ?

Pour que la Musicothérapie fonctionne vraiment, il est nécessaire de prendre en compte les goûts du patient en matière de musique. C’est pourquoi les musicothérapeutes réalisent le premier entretien, au cours duquel ils tentent de découvrir le style de musique qui a fait réagir le patient de manière positive. C’est aussi l’occasion de déterminer l’approche à adopter. Par conséquent, un test de réceptivité musicale est donc au programme.

Citons que les oeuvres de Jean-Sébastien Bach, font partie des plus utilisées. Cependant, le cas échéant, rien n’empêche d’utiliser le rock, le métal, le hip-hop ou toute autres musiques rythmées pour traiter certains troubles ou maux.

S’adresser à un musicothérapeute est le choix le plus adéquat, car la prise en charge d’un professionnel est toujours préférable à une démarche personnelle, surtout lorsque la maladie à traiter est suffisamment grave.

La Musicothérapie : se soigner par la musique

 

Une pratique accessible à tous

Clémence Bostnavaron, musicothérapeute diplômée de l’Université Paris Descartes et membre affiliée à la Fédération Française de Musicothérapie :

“ Je trouve que la Musicothérapie est une formidable pratique qui s’adresse tout à chacun car l’être humain possède une nature musicale innée et acquise à travers la culture.

La Musicothérapie dépasse la représentation que l’on peut avoir de prime abord et est vécue par les participants comme un enrichissement plus vaste et étonnant. Par exemple, il n’est pas nécessaire d’être musicien pour pouvoir rencontrer un musicothérapeute. Autre exemple, la Musicothérapie n’est pas de l’animation musicale mais a toujours un ou plusieurs objectifs thérapeutiques avec un professionnel formé à cela.

En revanche, grâce à cette pratique, on apprend par les sons et la musique à se connaître d’avantage et à dépasser les limitations que nous nous mettons. La Musicothérapie s’apparente à une psychothérapie non verbale, dans une organisation musicale ou non. Elle peut être aussi le moyen révélateur de se connecter, par l’émotionnel, à la mémoire de chacun et ainsi faire resurgir des besoins individuels.

En effet, de nombreux secteurs sont désormais investis par les musicothérapeutes, tel que le soin aux personnes âgées (diverses démences et pathologies), les troubles autistiques, le milieu carcéral, les troubles du comportement alimentaire, les services de néonatalogie et plus généralement la plupart des troubles psychologiques en complément d’un suivi avec un expert en psychologie. Elle s’inscrit ainsi parfaitement dans l’ensemble des processus de soins.

Enfin, la Musicothérapie s’adresse également à toute personne ayant la volonté de s’apporter un bien-être quotidien et voit ainsi les entreprises de plus en plus faire appel aux musicothérapeutes pout leurs salariés”.

Son site : http://clemence-bostnavaron.fr/


Conclusion

Depuis de nombreuses années, la musique est bel et bien considérée comme ayant de grands effets thérapeutiques. C’est d’autant plus évident si l’on rappel quelques uns de ses rôles originels : la communication, les rites, et la transmission, pour bon nombre de civilisations. L’effet bénéfique et curatif de la Musicothérapie pour l’humanité en devient évident.

 

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