Catégorie : Astuces

Guitare folk ou Guitare classique ? C’est généralement une question que les personnes peuvent se poser lorsqu’ils débutent la Guitare, ou même lorsqu’ils souhaitent acheter une nouvelle Guitare. Tout est une question de goûts et de couleurs. Bien sûr, il n’y a pas de « meilleure guitare ». Tout dépend de votre style de jeu et de votre confort de manche. Dans cet article, nous vous donnons les principales différences entre les deux types de Guitares pour vous aider à faire votre choix.

Introduction aux deux Guitares

Avant de vous décider de partir sur telle Guitare ou telle Guitare, il peut être intéressant de connaître un peu les origines de la Guitare classique et de la Guitare folk.

Les Guitares, telles que nous les connaissons actuellement, proviennent d’une grande série d’instruments à cordes ayant traversé les périodes de l’histoire. Le plus ancien ancêtre connu de la Guitare est originaire de Babylone. Depuis lors, les Guitares à trois, quatre et cinq cordes ont connu l’Egypte ancienne, le Moyen Âge et la Renaissance. La Guitare a d’abord rencontré un grand succès en Europe au XVIIème siècle, notamment en Italie, qui était en quelque sorte le centre du monde de cet instrument. En France, au XVIIIème siècle, la Guitare devenait de plus en plus populaire, dépassant son cousin le “Luth”. En effet, la Guitare était considérée comme un instrument noble.

Les Guitares folk et les Guitares classiques ont commencé à apparaître à partir de la première moitié du XIXème siècle.

La Guitare Classique

La normalisation de la Guitare classique, simple à six cordes, s’est produite au XIXème siècle avant la Guitare folk. Cette Guitare est particulièrement présente dans les musiques traditionnelles hispaniques. Mais bien sûr, elle est aussi largement utilisée dans la musique Pop, pour le côté évocateur d’une époque, d’une culture ou d’un lieu particulier. Et comme accompagnement dans la Chanson Française, notamment pour la douceur de ses sonorités ou ses formules en arpèges (G. Brassens, Maxime Le Forestier par exemple…)

D’un autre côté, il existe un grand répertoire Classique, navigant de la Renaissance vers le XXème siècle, sans forcément prendre racine dans la culture hispanique ou italienne, selon les époques.

C’est le luthier espagnol Antonio Torres qui s’est inspiré de l’école de lutherie espagnole pour fonder ses innovations et qui a façonné la Guitare classique telle que nous la connaissons aujourd’hui. Il eut l’idée d’une caisse de résonance plus large avec un barrage intérieur en éventail afin de fournir des sonorités plus riches et augmenter le volume de la Guitare. De plus, il a normalisé la longueur des cordes à 65 cm, en donnant la structure moderne des touches. Il a également conçu le modèle de chevalet collé, très similaire à ce que nous retrouvons aujourd’hui.

C’est aux compositeurs/arrangeurs/interprètes Francisco Tárrega (1852-1909 – considéré comme le père de la guitare moderne) et Andres Segovia (1893-1987) qu’il faut attribuer le mérite de la popularisation de ces Guitares. Segovia ouvrira le répertoire de la guitare, en faisant appel à de jeunes compositeurs brésiliens (Villa-Lobos) ou Mexicains (M. M. Ponce) voire en réalisant des transcriptions (dont la célèbre Chaconne de Bach).

À noter que les cordes de la Guitare Classique sont le plus souvent en Nylon (mais aussi en boyaux artificiel) ce qui lui donne cette sonorité ronde et douce. Sa forme est quant à elle symétrique et ronde des “épaules”. Notons pour finir la fameuse “Rosace” – souvent très travaillée (voire en bois précieux) ce qui rappelle l’origine noble de la guitare indiquée ci-dessus – encerclant l’ouïe centrale permettant la sortie du son du corps de l’instrument.< /P>

La Guitare folk

Christian Frederick Martin est un luthier qui débuta sa carrière avec le Violon sous la pression de ses proches qui considéraient la Guitare avec condescendance. Il décida de s’installer à New York en 1833 et de se consacrer à la construction de l’instrument qui le passionnait : la Guitare.

À New-York, à partir des modèles de la Guitare romantique et en s’inspirant des idées de son ancien patron Stauffer, il fabriqua ses propres Guitares avec ses propres moyens et innovations techniques : une caisse de 43 cm de long et 29 cm de largeur, un manche long et large, une tête courbée et couverte d’une plaque en métal, des cordes en métal, etc…

C’est en 1916, que son petit-fils, Franck Henry Martin, inventa les toutes premières Guitares « folk » au format Dreadnought, qui ont commencé à connaître un réel succès aux États-Unis.

Et c’est au fil des années, que la Guitare a été re-visitée par de nombreux autres luthiers de renom tels que Gibson ou Taylor. Tout en proposant d’autres formats de Guitare folk : La Guitare Jumbo, Auditorium, Concert…

Les différences

Il existe bel et bien quelques différences entre les deux Guitares, que ce soit au niveau du confort du manche, au niveau des cordes, de la sonorité attendue ou encore du style de jeu et l’esthétique :

Longueur et largeur du manche

Le manche d’une Guitare classique a un nombre moyen de 19 cases par corde, et est plus court que celui de la Guitare folk. Ce manche aux cases plus larges facilite le placement des doigts. Ces modèles de Guitare présentent l’avantage d’avoir une taille assez compacte, ce qui les rend plus accessibles.

Quant à la Guitare folk, elle comporte un manche de 21 cases, plus étroites, aux cases plus fines, semblable à celui de la Guitare électrique et qui possède donc plus de notes. L’articulation du manche avec la table se fait à la 14ème case. Sur la Guitare folk, les notes sont plus accessibles pour les guitaristes débutants, et la présence d’un pan coupé sur certaines Guitares permet d’accéder aux notes encore plus hautes.< /P>

Les cordes en acier et nylon

La Guitare folk n’a que des cordes en acier et la Guitare classique possède les trois cordes aiguës en nylon. Et trois cordes graves métalliques et « filées ».

Toutefois, il existe quelques exceptions. Bien qu’assez rares, certaines Guitares folks sont en nylon, et quelques classiques en acier.

Nota : Il existe des guitares folk à 12 cordes. Plus spécifique à l’accompagnement du répertoire des musiques Folk et Pop/Rock.

Les professeurs de Guitare recommandent souvent aux guitaristes novices de débuter avec une Guitare classique. Les cordes en nylon de celle-ci sont plus souples et plus agréables au toucher et offrent plus de nuances dans le jeu, comme la possibilité de jouer plus ou moins fort et alterner entre cordes butées et cordes pincées.

Vous souhaitez progresser en déchiffrage à la Guitare ? Vous êtes au bon endroit ! Dans cet article nous vous donnons quelques conseils 

Débuter en Guitare : faut-il choisir un modèle classique ou folk ?

La Guitare classique est considérée comme un excellent moyen pour se familiariser avec l’instrument. Elle sera probablement difficile à travailler au départ puisque son manche est assez large, comparé à celui d’une folk. Toutefois, si vous réussissez à bien placer vos doigts sur le manche d’une Guitare classique, il sera ensuite très facile de vous adapter à tous les autres types de Guitares .

Cependant, si les premiers essais ne sont vraiment pas concluants, ne vous empêchez pas d’apprendre avec la Guitare folk ! Seul bémol : les cordes en acier peuvent entraîner quelques ampoules sur les doigts dans vos débuts, mais la plupart des musiciens s’habituent vite.

Dans l’ensemble, les deux Guitares sont très polyvalentes : elles peuvent être utilisées avec ou sans médiator, pour des solos ou des rythmiques d’accompagnement ou encore pour des simples exercices. La folk sera plus à même d’être jouée avec un médiator, quand le jeu de la classique est davantage tourné vers le doigt.

Pour le choix de la Guitare, il faut aussi tenir compte d’une différence importante dans la position de la main gauche. Dans le répertoire classique, le pouce se place derrière le manche, ce qui facilite la technique des “barrés” qui fait l’une des grandes caractéristiques de ce répertoire et de l’instrument. Ceci explique le manche large d’une Guitare classique.

Avec la Guitare folk, le pouce gauche monte souvent par-dessus le manche pour pincer la 6ème corde (la plus grave). Les barrés sont occasionnels et souvent remplacés par l’ajout d’un Capodastre sur le manche lequel tient lieu de barré “fixe” .

Le choix de l’instrument dépend donc aussi du style que l’on aime et que l’on souhaite apprendre et orientera la technique de la main gauche de façon différente. On se fera peut être plus vite plaisir avec une folk en apprenant quelques accords que l’on ajoutera sur nos chansons favorites ou nos premières compositions. Si l’on n’a pas l’âme du chanteur, pourquoi pas la Guitare classique ? On pourra de toute façon passer de l’une à l’autre sans problème.

Idéalement, pour une personne qui souhaite apprendre la Guitare, il est préférable d’essayer physiquement différents modèles en magasin, pour ainsi savoir si elle parvient à bien prendre l’instrument en main.

Conclusion

Il n’y a pas de Guitare meilleure que l’autre. Si vous souhaitez jouer un peu de tous les styles de musique, prenez la Guitare qui vous plaît le plus en termes de confort et en termes de son. Mais si vous n’arrivez pas à vous décider, le mieux est d’opter pour un modèle Classique pour sa polyvalence. Au fil de votre apprentissage, quand vous commencerez à progresser, vous découvrirez de nouvelles sonorités, de nouveaux styles et vous saurez alors si vous souhaitez la conserver ou en choisir une autre.

Cet article vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles ? Faites-en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le !

Le Piano numérique est un instrument électronique nécessitant une alimentation électrique pour pouvoir produire des sons. Contrairement aux Pianos acoustiques à queue ou droits qui eux fonctionnent avec un système mécanique à cordes frappées. Il existe une multitude de modèles de Pianos numériques, mais le choix se fait selon votre pratique : pour un apprentissage classique en conservatoire ou en école de musique par exemple, pour une pratique personnelle en autodidacte ou encore pour créer et composer votre musique. Dans cet article nous vous guidons sur comment choisir votre Piano numérique.

Pour un apprentissage classique

Afin de se rapprocher au maximum de l’apprentissage sur un Piano acoustique, choisissez le Piano numérique “meuble” pouvant – quasiment – reproduire le son d’un vrai Piano, avec un clavier de 88 touches, un toucher “lourd” ainsi que des pédales.

Si vous vous déplacez souvent et que vous prévoyez de pratiquer dans des endroits différents ou si tout simplement vous manquez d’espace, choisissez un Piano numérique portable.

Pour choisir votre piano numérique, veuillez prendre en considération les critères suivants :

• Le nombre de touches : Il existe des modèles de piano en 61, 76 et 88 touches. Si vous souhaitez jouer de la musique dite “classique” avec votre Piano, partez sur un modèle à 88 touches, qui correspond au nombre standard de touches blanches et noires pour les Pianos acoustiques. Si vous voulez un Piano plus compact, vous pouvez choisir un modèle à 61 ou 76 touches, ce qui vous permettra tout de même de jouer de nombreux morceaux

• Le toucher : Le choix du toucher est essentiel au Piano. Les Pianos acoustiques disposent d’un touché “lourd” (dit aussi “mécanique marteaux”) qui nécessite une certaine force pour enfoncer une touche. Cette force est bénéfique pour bien sentir le retour de la touche et aura une grande influence dans le style de morceaux que pourrez jouer. Un organiste de Jazz dispose d’un toucher – sur un orgue Hammond B3 par exemple – beaucoup plus léger qu’un Piano à queue. Il pourra avoir du mal à reproduire certains effets de l’orgue sur un toucher lourd. Choisissez donc un Piano numérique avec le toucher qui correspond au style de morceaux que vous souhaitez aborder

• L’échantillonnage : Les sons produits sont des enregistrements numériques (des échantillons) de Pianos acoustiques. Les échantillons doivent être de bonne qualité pour exprimer au mieux les nuances de votre jeu. La sonorité doit plus ou moins dépendre de la force avec laquelle vous frappez les touches. Par exemple, si vous appuyez très doucement sur une touche et qu’un son se produit, cela indique un manque de sensibilité. Le meilleur moyen de vérifier la qualité de l’échantillonnage est de tester votre Piano numérique directement en magasin

• L’équilibre du son : Jouez toutes les octaves et écoutez si le son des aigus et des graves est bien équilibré. Ensuite d’une touche à l’autre

• La marque : Prenez garde à la marque. Il existe des marques plus réputées que d’autres sur le marché qui proposent d’excellents Pianos numériques. La réputation d’une marque est généralement un gage de qualité.

Pour créer et jouer tout type de musique

Pour vous initier à la création musicale, les claviers arrangeurs avec leurs bibliothèques de sons, de patterns rythmiques et même de titres préenregistrés sont idéaux. Si vous souhaitez utiliser le clavier pour travailler et composer sur des logiciels ou sur l’ordinateur, optez pour un clavier de commande équipé des connectiques dont vous aurez besoin (MIDI ou USB).

Clavier lesté – 88 touches

Avec 88 touches lourdes, le Piano numérique reste bien indiqué pour un apprentissage correct et classique de l’instrument. En effet, il contient non seulement un système reproduisant le poids du marteaux dans chaque touche, mais avant tout, c’est le seul à avoir la tessiture nécessaire (7 octaves 1/2) à l’exécution de la plupart des morceaux du répertoire classique.

Clavier semi-lesté 61 ou 76 touches

Afin de simplifier la portabilité sans trop sacrifier la qualité du toucher, les fabricants ont récemment développé une série de claviers intermédiaires au toucher dit “semi-lestés”. Ces Pianos comportent moins de sonorités que les arrangeurs traditionnels et sont déclinés en version 61 ou 76 touches, ce qui peut constituer une bonne solution pour les pianistes débutants ou nomades. Ils ont généralement une dizaine de sons et pèsent en moyenne moins de 8 kilos.

De plus, des versions arrangeurs de ces claviers existent sur le marché, les rendant mobiles et pratiques pour tout type de situations.

Vous souhaitez progresser en lecture à vue au Piano ? Dans cet article nous vous donnons les clés pour être un pro du déchiffrage au Piano.

Piano numérique meuble ou portable ?

L’un des points les plus importants sera de choisir entre un Piano numérique meuble et un Piano numérique portable. Techniquement, la différence entre ces deux catégories est relativement faible : il y a en effet 88 touches et la dizaine de sons (Violon, Piano électrique, Clavecin, plusieurs sons de Piano acoustique, Marimba…).

Choisir un Piano numérique portable vous permettra d’avoir un Piano d’environ 5 kilos à une douzaine de kilos, le poids et l’encombrement d’une plume si on le compare à un Piano numérique meuble qui pèse entre 25 et 35 kilos. Outre le toucher lourd et l’esthétique plus classique, le surpoids du Piano meuble va s’expliquer par l’intégration d’une amplification plus puissante. D’ailleurs, les Pianos numérique portable les plus légers ne disposent parfois pas d’amplification et nécessite d’être branché à une sonorisation pour émettre un son.

Les accessoires ?

Généralement, les Pianos numériques peuvent s’accompagner de quelques accessoires voici lesquels :

• La pédale : La pédale de “Sustain” se connecte via un câble jack mâle de 6,35 mm. Toutefois, elle n’est pas toujours fourni avec le Piano numérique. Il existe aussi des pédaliers à 3 pédales. Certaines pédales sont conçues pour s’adapter à des modèles de Pianos spécifiques. Par conséquent, il est recommandé de vérifier la compatibilité de la pédale avec le Piano

• Le casque : Un casque de bonne qualité peut être indispensable pour pratiquer tranquillement et silencieusement le Piano. Des simples écouteurs ne peuvent pas offrir le meilleur confort d’écoute. Choisissez donc un casque sono/studio fermé avec un câble jack mâle de 6,35 mm

• La banquette : Une banquette de Piano ajustable est essentielle pour jouer confortablement assis. Vous pouvez trouver facilement des modèles en X à moins de 30€ et des banquettes à quatre pieds à partir de 80€

• Le support : Un support est nécessaire pour installer un Piano numérique de scène. Les supports en X les moins chers coûtent environ 20 euros. Les professionnels qui utilisent plusieurs claviers sur scène se tournent vers les stands à plusieurs niveaux. Lorsque vous jouez à domicile, vous pouvez également poser le Piano numérique sur un support en bois spécialement adapté

Conclusion

Il y a beaucoup de choses à considérer lors de l’achat d’un Piano numérique. Considérez d’abord pour quelle raison vous allez l’utiliser et quel type de musique vous souhaitez y jouer. Il existe des Pianos numériques spécialement conçus pour imiter le son, l’apparence et la sensation des Pianos acoustiques sans beaucoup de fonctions supplémentaires. D’autres modèles viseront le côté multitâche, avec parfois des sons ou des fonctionnalités moins qualitatives. Tout se résume à vos besoins, vos préférences et votre budget. Cet article devrait vous aiguiller pour guider votre choix et vous indiquer les meilleures options qui s’offrent à vous.

Cet article vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles ? Faites-en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le !

Ça y est, vous vous êtes décidé à apprendre à jouer d’un instrument de musique. Ou alors vous avez tout simplement décidé de réaliser un de vos rêves : jouer du Piano ? De la Guitare ? Si vous avez choisi de prendre des cours avec un professeur, c’est une très bonne chose. Ce dernier, les premiers cours passés, va vous demander de vous munir d’un instrument et parfois même vous conseiller dans son choix. Ensuite, deux solutions s’offrent à vous : la location ou l’achat. Que faire  ? louer ou acheter ? Voici quelques conseils qui pourraient vous aider dans votre choix.

Opter pour la location ?

En réalité, les offres de location d’instruments de musique existent depuis de nombreuses années déjà. Il est possible d’en bénéficier directement en magasin, dans les enseignes spécialisées ou encore en école de musique. Ces offres de location ont leurs avantages mais aussi leurs inconvénients.

Comment louer ?

Tout d’abord, il est important de savoir que tout instrument de musique peut être loué. D’ailleurs, plusieurs formules de location vous sont proposées. Vous pouvez choisir de louer des instruments neufs ou d’occasion. Vous pouvez également choisir entre un contrat de location simple et un contrat de location avec vente à sa fin. Celui-ci vous permet de devenir propriétaire de l’instrument après un certain temps.

Tout débute par le choix de votre instrument. Ensuite, vous devez définir la durée de la location, pouvant aller de 6 à 24 mois. Pour finir, il vous suffit de sélectionner le type de contrat que vous souhaitez, de le signer et de procéder au paiement.

En général, pour toute location d’instruments, une caution vous sera demandée. Celle-ci est rendue lorsque le contrat arrive à son terme et que l’instrument revient en bon état. La plupart du temps, chaque locataire doit s’acquitter de frais de location mensuel, à définir dans le contrat.

L’intérêt de la location

Pour celles et ceux qui commencent tout juste l’apprentissage de la musique, la location est une solution aux avantages multiples. Premièrement, en cas d’arrêt des cours de musique, la location évite les pertes d’argent de l’achat onéreux d’un instrument qui finira dans votre placard. Apprendre la musique demande du temps, de la patience et de la persévérance et nul ne sait si ce parcours d’apprentissage correspondra à ses attentes ou à son planning.

En effet, certains choisissent parfois un instrument sans trop se poser de questions et il leur faudra quelques jours de pratique pour s’assurer qu’ils n’ont pas fait le mauvais choix. Grâce à la location, s’ils souhaitent passer à un autre instrument, il leur suffit de résilier le contrat.

Par conséquent, la location est le choix à privilégier pour les débutants. En effet, au lieu d’acheter un instrument d’apprentissage coûteux et de ne plus l’utiliser au bout d’un certain temps, autant le louer. C’est une solution simple, rapide et flexible.

À savoir qu’au fur et à mesure que votre apprentissage avance, vous aurez besoin d’un instrument plus haut de gamme qui vous permettra de développer votre art. En choisissant la location, vous pourrez faire évoluer votre pratique. Toutefois, comme toute location, cette solution n’est pas forcément rentable à long terme.

Enfin, louer son instrument auprès d’une l’école de musique ou autres prestataires est également un choix économique. À retenir que le coût de location que proposent les écoles se situe aux alentours de 10€ par mois.

Vous hésitez sur quel instrument choisir pour votre enfant ? Découvrez dans cet article les conseils que nous vous donnons.

Opter pour l’achat ?

Pour celui qui est sûr de son choix, rien de mieux que de posséder son propre instrument. Il pourra en prendre soin et optimiser encore plus sa passion pour la musique et sa motivation en cas de difficulté d’apprentissage. Entre un musicien et son instrument, il y a un rapport très complice. On ne peut pas sous-estimer l’affection que chaque musicien a pour son instrument.

Posséder son propre instrument, c’est aussi profiter de la liberté d’utilisation. Vous pouvez vous entraîner régulièrement et ce confortablement, sans limite de temps.

De plus, avoir son propre instrument de musique, c’est se constituer un patrimoine durable et parfois de grande valeur. Attention pour se faire, d’acquérir un instrument de qualité. Actuellement, les offres d’achat ne manquent pas, et ce, que vous souhaitiez acheter une Trompette, un Violon, un Piano, un Violoncelle ou tout autres instruments.

Il est possible d’acheter un instrument neuf ou d’occasion. Tout dépend de votre budget. Sachez que les instruments d’occasion sont moins onéreux tout en offrant le possibilité de tomber sur une “pépite”. Pour les repérer, il vous faudra par contre une certaine expertise.

Et donc ? Louer ou acheter ?

Pour les personnes qui commencent tout juste à apprendre la musique et qui souhaitent se familiariser avec un instrument spécifique, la location est une meilleure option. En d’autres termes, elle est fortement recommandée pour les débutants. À noter que cela peut éviter le regret de voir un instrument de musique acheté au prix fort prendre la poussière dans le grenier. Pour les étudiants qui n’ont pas de budget nécessaire pour acheter, la location est également conseillée.

En revanche, on peut soupçonner que la qualité à long terme des instruments d’occasion passés entre quelques mains est plus ou moins délicate. C’est en effet un choix de départ, mais si l’apprentissage est prévu pour la longue durée, alors il est fortement recommandé d’acheter l’instrument. Il est essentiel d’apprendre sur un instrument de bonne qualité avec une bonne sonorité. La qualité de l’instrument déterminera également la qualité de l’apprentissage. Apprendre à jouer de la musique sur un instrument de mauvaise qualité n’aide pas vraiment.

Posséder un instrument de musique de haute qualité peut aussi vous donner du plaisir à jouer. C’est un aspect extrêmement important lorsque nous apprenons à jouer d’un instrument. Ce n’est qu’en aimant votre instrument que vous pouvez aimer et pratiquer de la musique. À contrario, si la qualité est mauvaise, cela peut être frustrant et décourageant. Et c’est un peu ce que nous pouvons retrouver sur certains instruments d’occasion qui ont subi quelques épreuves de la vie locative.

Par conséquent, si vous avez réellement décidé de suivre des cours de musique, vous devrez un jour ou l’autre investir dans un instrument adapté à votre niveau et à vos besoins.

Nos conseils sur les précautions à prendre

Que vous choisissiez de louer ou d’acheter votre instrument, vous devez toujours procéder avec prudence. Le but est de trouver une offre avantageuse et satisfaisante.

Conseils pour la location

Si vous souhaitez louer un instrument de musique, il y a certaines choses que vous pouvez faire par prudence. Tout d’abord, vous devez vérifier les conditions de location pour éviter les mauvaises surprises. Pensez donc à lire attentivement le contrat avant de le signer.

De plus, vous devez choisir avec soin les instruments que vous louez. Il est important de s’assurer qu’il ne possède aucun dommage. Veuillez noter qu’une petite égratignure peut vous coûter cher. Cela peut en effet cacher un problème un peu plus important.

Également, la qualité de l’instrument doit être vérifiée. C’est pourquoi, miser sur les offres de location en ligne n’est pas très adéquat. Pour vous assurer que vous avez le bon instrument, vous devez le tester. Pour cela, vous devez vous rendre en personne au magasin de location. Des avis supplémentaires peuvent être nécessaires pour confirmer votre choix. Par exemple, de votre professeur.

Enfin, en choisissant la location, vous devez également souscrire une assurance pour prévenir les risques d’accidents ou de vol.

Conseils pour l’achat

Si vous avez choisi d’acheter, vous devez bien sélectionner votre instrument de musique au risque d’avoir certains regrets.

Certes, le prix reste important, cependant, comme mentionné plus haut, la qualité de l’instrument est également très importante. Acheter un instrument c’est un investissement qui mérite de la réflexion, et le plus important est de ne pas se précipiter. N’hésitez pas à vous renseigner autour de vous et à demander quelques avis supplémentaires.

Encore une fois, si vous pouvez demander de l’aide à votre professeur, faites-le, car c’est lui qui est le plus à même d’identifier les instruments de qualité et les meilleures marques sur le marché. Il saura aussi vous guider dans la détermination du modèle qui convient à vos objectifs, à votre niveau et à votre budget. En soit, ne vous précipitez pas, c’est certainement une mauvaise stratégie pour conclure un achat.

Conclusion

Il n’y a pas forcément de solution idéale, le choix varie surtout selon vos besoins, vos moyens et vos objectifs. En réalité, chaque possibilité a ses arguments, mais que vous choisissiez de louer ou d’acheter, demandez toujours des conseils et surtout prenez vos précautions pour choisir l’instrument qui sera, en quelque sorte, votre meilleur ami.

Cet article vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles ? Faites-en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le !

L’apprentissage de la musique dès l’enfance est très bénéfique pour un enfant. On peut même dire qu’à partir de six ans, le plus tôt est bien souvent le mieux pour l’initier à la musique. Mais plusieurs questions peuvent se poser : Quel instrument plaira à mon chérubin ?Quel est l’instrument le plus accessible ? Quel instrument serait le plus adapté ? Entre la Guitare, le Violon ou encore le Piano, difficile de s’y retrouver. Dans cet article nous vous donnons quelques conseils qui pourront vous aider à faire votre choix.

Aider mon enfant à choisir un instrument

Les premiers critères à considérer sont bien sûr son souhait et ses aptitudes. Quel que soit son âge, ne lui imposez pas un instrument. Commencez à en discuter avec lui, il peut avoir plusieurs idées en tête tout en n’osant peut-être pas en parler avec vous. Montrez-vous à l’écoute.

Bien sûr, votre enfant ne connaît pas tous les instruments de musique. Beaucoup d’enfants choisissent des cours de Piano ou de Guitare simplement parce qu’ils ne connaissent pas les autres instruments. Par conséquent, c’est à vous de lui faire découvrir une large gamme d’instruments sans idées préconçues. De nombreux enfants ont le coup de cœur pour des instruments de musique rares et en font une véritable passion.

Si votre enfant ne sait réellement par quel instrument choisir, n’hésitez pas à parler avec lui à propos de ses envies : Quel est son goût ? Quel est son musicien préféré ? S’il aime la musique de film, le Jazz? Si oui, peut-être voudra-t-il apprendre le Piano ou le Saxophone. Vous pouvez également prendre en compte son caractère : s’il est persévérant, le Violon est un choix intéressant. Plutôt méticuleux et attentionné? Proposez-lui un instrument à vent comme la Flûte ou la Clarinette.

Une autre astuce qui peut fonctionner, est de l’emmener dans un magasin de musique « généraliste ». Il pourra voir et même essayer plusieurs instruments et faire un choix plus éclairé.

L’éveil musical

Quand les enfants sont jeunes, il est très bénéfique de pratiquer l’éveil musical. De nombreux résultats positifs ont été obtenus dans cette discipline concernant le choix de l’instrument. Les enfants découvriront une série d’instruments de musique en appréhendant progressivement les différentes familles : Cordes, Vents ou Percussions.

Il peut être plus commun de trouver des amis ou des proches qui jouent de la Guitare ou du Piano. Par contre, pour rencontrer un trompettiste ou un harpiste, cela peut s’avérer plus compliqué. L’éveil musical est là pour ça : il permet à l’enfant de découvrir des instruments de musique qu’il n’avait jamais eu l’occasion de tester, car souvent les conservatoires proposent des journées et ateliers découvertes, invitant la plupart des professeurs des lieux à initier les enfants à leur instrument.

Enfin, l’éveil musical permet de s’initier au chant et aux exercices de rythme, en frappant des mains ou en battant des pieds. C’est un processus d’apprentissage de la musique à travers des jeux, très bien accepté par les enfants, et particulièrement bénéfique pour eux et leur avenir de musiciens.

Beaucoup d’enfants se tournent vers le Piano ou la Guitare. Il s’agit d’instruments très pratiqués possédant une très large palette de possibilités d’apprentissage. Ces instruments sont très populaires et peuvent être plus accessibles aux enfants les moins convaincus de se lancer dans la pratique musicale, à contrario du Violon, qui lui pourra demander plus d’engagement.

L’âge et la morphologie de l’enfant

Lorsque les enfants commencent à apprendre la musique à un très jeune âge, leur choix d’instruments de musique est assez limité. Par exemple, un enfant ayant moins de six ans, ne pourra probablement pas supporter le poids d’un Saxophone. De même, il lui sera difficile de jouer de la Contrebasse… La taille et le poids de l’instrument seront donc à prendre en compte.

Les contrebassistes par exemple, ont plus probablement commencé l’apprentissage de la musique par le Violoncelle, beaucoup plus accessible par sa taille et son jeu assis. Pour le Saxophone, on utilise un Soprano courbe, prenant la forme de l’Alto mais dans une taille moindre et évidemment, plus léger que le véritable Alto.

Si votre jeune enfant aime particulièrement un instrument, il y a la plupart du temps des solutions. Les professeurs des dits instruments connaissent bien les limites et les astuces. Mais parfois et selon l’âge, il faudra cependant attendre un petit peu avant de pouvoir se lancer…

La personnalité de l’enfant

Vous pouvez également choisir un instrument de musique en fonction de la personnalité de votre enfant. Cela peut aussi lui permettre de mieux se développer et de s’épanouir dans la vie. Par exemple, une personne un peu extravertie a besoin d’un instrument qui lui donne la possibilité de briller et de bien s’exprimer. Tel est le cas des instruments solistes tels que la Flûte traversière, la Trompette ou encore le Saxophone. Cependant, un introverti a besoin d’un instrument qui l’apaise et lui permette d’avoir confiance en lui. Un instrument d’orchestre, tel que l’Alto, peut être une belle opportunité.

La musique permettra à l’enfant de développer et d’acquérir des qualités qui lui seront utiles dans le futur. De nombreuses études ont montré que l’apprentissage de la musique permet de mieux comprendre les mathématiques, la lecture et la géométrie. De plus, l’apprentissage de la musique s’est avéré bénéfique pour le développement de trois de nos cinq sens : l’ouïe, le toucher et la vision. Confiance, patience, persévérance, le respect des règles par l’étude du Solfège et bien d’autres qualités encore sont développées grâce à l’apprentissage musical.

Choisir un instrument de musique en fonction de sa personnalité ? Nous vous disons tout dans cet article

La facilité de l’apprentissage

Il est nécessaire que vous choisissiez un instrument de musique dont l’apprentissage demande une somme de travail raisonnable en comparaison de la motivation de votre enfant. Si l’instrument acheté est assez difficile à maîtriser et l’enfant peu motivé, la lassitude se fera rapidement sentir. Cependant, il est important de prendre en compte ses aspirations. Si le choix de votre enfant se porte sur un instrument difficile à maîtriser, vous devrez respecter cela, mais l’avertir de la complexité de l’instrument. En effet, l’apprentissage de la musique présente toujours un degré de complexité, et ce peu importe la discipline choisie. Certains instruments de musique sont plus difficiles à pratiquer que d’autres. Par exemple, la Trompette requiert une bonne capacité physique pour émettre un son, comme le Hautbois. Le Piano nécessite une bonne coordination des mains. Vous devez donc expliquer tout cela à votre enfant afin qu’il puisse prendre la bonne décision.

Louer avant d’acheter

Le premier choix d’un instrument de musique n’est pas forcément le choix final. Durant les premiers mois d’apprentissage, l’enfant explore son instrument de musique, le teste, apprend à le connaître et à le pratiquer. Après cette période, il peut changer d’avis et demander un autre instrument. Donc, pour éviter les dépenses non nécessaires, il est judicieux de louer le premier instrument de musique. Après quelque temps durant lequel l’enfant s’est familiarisé avec et s’il finit par bien l’apprécier, vous pourrez passer à l’achat.

Quelques conseils en plus

Voici quelques conseils en plus qui peuvent vous être utiles concernant le choix de l’instrument de musique de votre enfant :

• Respectez le rythme de l’enfant dans sa découverte des sons et de la musique
• Encouragez ses efforts créatifs
• Choisissez des moments privilégiés, comme celui du coucher, pour écouter avec votre enfant, une pièce de musique
• Protégez l’oreille de votre enfant des sons agressants, comme on protège les autres sens. En soit, l’exposer à un environnement sonore sain

Conclusion

Pour conclure, il est important que le droit de choisir vienne de votre enfant. C’est très important car cela déterminera sa motivation pour ses prochains cours de musique. C’est aussi une bonne occasion de lui apprendre à faire des choix et ce en toute indépendance et à participer à des projets sur le long terme.

Cet article vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles ? Faites-en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le !

Le Saxophone est parfois associé à la famille des Cuivres. En réalité, l’instrument fait partie de la famille des Bois. C’est un instrument à anche simple. Une fois l’anche mise en vibration contre le bec, un son est produit puis amplifié par le corps de l’instrument. Le choix des anches et du bec auront une grande importance pour obtenir une esthétique sonore voulue. Il existe sept types de saxophones, du plus aigu au plus grave : le Sopranino, le Soprano, l’Alto, le Ténor, le Baryton, le Saxophone basse, et le Contrebasse. Dans cet article, nous nous intéresserons aux 4 Saxophones les plus utilisés afin de vous aider à mieux comprendre lequel choisir et dans quel cas.

Le Saxophone ?

En 1840, le belge Adolphe Sax mis au point un instrument aujourd’hui bien connu du monde du Jazz et de la musique Pop. Né d’un père lui-même fabricant d’instruments de musique, il commença à inventer et fabriquer ses propres instruments dès son plus jeune âge. Il présenta en 1841 son “Saxophon”, à l’époque sans le “E”, au jury de l’Exposition de l’industrie Belge et obtient un brevet en 1846. Faisant de son invention l’une des plus grandes innovations de l’époque. Dans les décennies suivantes, de nombreux musiciens adoptent le Saxophone, notamment C.Parker, J.Coltrane et S.Rollins.

Actuellement, le Saxophone est utilisé dans de nombreux genres musicaux. Citons le Saxophone Alto et Soprano aux tons articulés et clairs. Le Saxophone Baryton aux sonorités chaudes et graves. Pour finir, le Saxophone Ténor aux sonorités plus douces. Découvrons maintenant les différents types de Saxophones.

Les différents types de Saxophones

Parmi les types de Saxophones, nous allons en présenter quatre :

• Le Soprano est un instrument conique. Au niveau du son, c’est l’un des plus haut perchés. Sa sonorité, d’une clarté et délicatesse sans pareille. Sa tonalité est si bémol. Il est la plupart du temps droit, ressemblant ainsi à la Clarinette. On le surnomme d’ailleurs parfois “la Carotte”.  Sidney. Bechet est le premier à avoir démocratisé le Soprano. En raison de sa petite taille, il est parfois utilisé pour faire débuter les jeunes enfants, même s’il n’est pas le plus simple à jouer.

• L’Alto est le Saxophone par excellence pour débuter l’apprentissage. C’est un instrument  très populaire car il peut être utilisé en Jazz, en Pop, en Rock ou en Classique. Avec sa tessiture et sa sonorité veloutée, il peut s’adapter à tous les types de musique. 

• Le Ténor a un son plus chaud et grave, il est parfait dans les types de musique tels que le Jazz et le Rock.  On retiendra entre autre Stan Getz, surnommé “The Sound” tellement le son de l’instrumentiste était reconnaissable.

• Le Baryton est celui qui produit les sons les plus graves parmi les quatre Saxophones présentés. Il est parmi l’un des plus imposants par sa taille. Il n’est cependant pas conseillé pour les débutants, car il demande une bonne maîtrise de la colonne d’air.

Le Saxophone est un instrument très accessible pour les Séniors, mais il n’est pas le seul. Découvrez les autres instruments 

Le quatuor

Le quatuor de Saxophones est une formation de musique de chambre composée d’un Saxophone Soprano, d’un Alto, d’un Ténor et d’un Baryton :

Le Saxophone Alto

Les capacités multiples, les divers avantages et les qualités expressives du Saxophone Alto en font l’un des instruments les plus populaires et les plus joués dans la famille des Saxophones. Les débutants font souvent le premier pas sur cet instrument. Plus léger, plus accessible et techniquement plus facile à maîtriser que le Saxophone Ténor, Soprano ou Baryton. Il est l’instrument d’apprentissage idéal et possède un large répertoire. Le Saxophone Alto est également agréable à jouer et apportera rapidement du plaisir.

Si vous recherchez un Saxophone adapté pour un enfant, le Saxophone Alto est un bon choix. À savoir, que pour les petites mains, il est souvent conseillé de débuter avec un Soprano courbe. 

Le Saxophone Ténor

Le Saxophone Ténor est devenu l’instrument phare du Jazz au milieu des années 50 et a donné naissance à une véritable idylle entre l’instrument et le style.

La caractéristique qui rend le Ténor unique est qu’au niveau du “bocal” la partie qui recevra le bec est courbée. Cette forme qui lui est propre, place ce Saxophone dans une catégorie à part avec sa sonorité puissante et expressive.

En raison de son poids plus lourd, il est davantage joué par des adultes. Si vous avez déjà joué de l’Alto, il ne sera que plus facile pour vous de traiter avec le Saxophone Ténor. Cependant, peu de gens débutent aux Saxophone avec un Ténor, car sa maîtrise révèle plus de difficultés.

Toutefois, il reste tout à fait possible de commencer avec le Ténor.

Le Saxophone Soprano

Le registre haut du Soprano en fait l’un des Saxophones les plus difficiles à maîtriser car les notes aiguës sont plus difficiles à produire.

Le Soprano est généralement utilisé dans les compositions Classiques ou de Jazz, et sa petite taille et son clétage rapproché, permet aux musiciens de commencer dès leur plus jeune âge pour ensuite continuer sur un Alto. 

Le Saxophone Baryton

Pour finir, le Saxophone Baryton est le plus grand des quatre Saxophones présentés dans cet article, et sa sonorité profonde et grave est plus adaptée aux lignes de basse, en particulier dans les orchestres Classiques ou les grands groupes de Jazz et orchestres d’Harmonie.

Pour un apprentissage, il est le moins conseillé : en plus de son poids conséquent et de sa taille entraînant un prix plus élevé, son embouchure lâche rend son contrôle plus difficile à cause du passage entre les notes les plus hautes et les plus basses nécessitant beaucoup d’implication musculaire et une forte quantité d’air.

Alors, lequel choisir ?

Le choix se fait en fonction de votre niveau et de ce que vous recherchez.
Le Saxophone Alto est le plus adapté pour l’apprentissage et donc pour les débutants en raison de sa légèreté et de sa maniabilité. C’est l’instrument le plus utilisé de ce quatuor, que ce soit pour la composition ou l’interprétation.

Le Ténor est fréquemment utilisé pour ceux qui apprennent le Jazz. Cela peut demander des efforts supplémentaires, notamment au début.

Bien que le Soprano soit petit et généralement plus léger, il reste difficile à maîtriser notamment au niveau de l’embouchure et de la justesse. Son embouchure est plus petite et cela demande donc un plus grand travail au niveau des muscles de la bouche pour produire un son de qualité. Cependant, si vous le maîtrisez correctement, le Saxophone Soprano produira un son magnifique.

Pour finir, pourquoi ne pas choisir votre Saxophone en fonction de votre personnalité?

Le déchiffrage au Saxophone

Une fois votre Saxophone en votre possession, il vous faudra commencer à l’utiliser ! En parallèle de votre apprentissage de l’instrument et de la formation musicale, veillez à progresser efficacement en déchiffrage. Cette discipline vous permettra de parcourir rapidement une partition que vous n’avez jamais vue. Imaginez le nombre de morceaux de Saxophone que vous pourrez alors découvrir ! Pour vous entrainer en déchiffrage, privilégiez une méthode en ligne spécialisée comme Sight-O, qui vous permettra grâce à son Cache animé et à son système de correction automatisée, de progresser rapidement et efficacement.

Conclusion

Pour conclure, les critères sur lesquels doit se baser votre choix de Saxophone sont : votre âge, votre expérience musicale, vos envies musicales, à savoir le ou les styles de musique que vous souhaitez explorer. Mais pour débuter, il est conseillé de partir sur un instrument neuf. Un instrument d’occasion peut toutefois bien faire l’affaire si vous avez la possibilité de le faire réviser par un professionnel.

Cet article a été écrit sous la supervision de Samuel Maingaud, saxophoniste et compositeur. Diplômé du CNSMDP de Paris dans la classe de Claude Delangle, il poursuit une brillante carrière de leader et de sideman en collaborant à bon nombre de projets d’albums. Artiste Selmer, Samuel joue le Saxophone alto au sein du groupe d’humour musical Les Désaxés.

Cet article vous a plu? Ces informations vous ont été utiles? Faites en profitez vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le!

L’achat d’un Violon est une chose très personnelle. D’autant plus que pour les débutants, choisir son premier violon peut rapidement devenir compliqué, tant les produits proposés sont nombreux. Cette difficulté de choix peut s’appliquer à tous les instruments puisqu’il y a des modèles et des marques qui sont plus adaptés à certaines personnes. En termes de marque de Violon, vous avez le choix entre des instruments fabriqués en usine et des modèles faits à la main par des luthiers spécialisés. Il est donc clair que beaucoup de choix s’offrent à vous. Cet article met en avant les critères à prendre en compte pour vous aider à faire votre choix.

La connaissance des matériaux

Pour avoir un bon Violon, le choix des essences de bois est fondamental. Par conséquent, l’un des premiers critères à prendre en compte concernant le choix d’un Violon est la matière première utilisée pour fabriquer l’instrument.
Pour permettre d’affiner le choix, voici une liste des différentes pièces de lutherie et leurs caractéristiques :

• Le fond est fait d’érable, ainsi que les éclisses (côtés) et la volute

• Pour la table d’harmonie, on favorise l’épicéa, pour ses caractéristiques acoustiques exceptionnelles

• La pièce où s’activerons vos doigts s’appelle la touche, et les chevilles, servants à accorder l’instrument, sont en ébène, un bois très dur qui résistera à la tension très élevée des cordes

• Le cordier et la mentonnière pourront être fabriqués de façon exceptionnelle en ébène, mais aussi en palissandre ou en buis pour des raisons purement esthétiques. Toutefois, le cordier peut également être fait en plastique ou en composite, pouvant rendre le son plus brillant

• Le chevalet qui est une pièce de bois se trouvant entre les cordes et la table de l’instrument, est fait en érable. Il sert d’une part à transmettre la vibration des cordes à la caisse de l’instrument, pour faire résonner le son, mais également à maintenir l’espacement entre les cordes : son asymétrie permet au musicien de jouer chaque corde séparément

• L’archet est traditionnellement fait en bois de Pernambouc, mais les archets débutants sont plutôt confectionnés avec du bois du Brésil. Concernant la hausse, la partie où sont positionnés les doigts, elle est fabriquée en ébène. Depuis quelques années, les archets en Carbone s’imposent comme une solution alternative au Pernambouc, avec une grande solidité, et un très bon rapport qualité/prix.

Fabriquer un Violon demande de posséder plusieurs qualités, dont la minutie. Découvrez dans cet article le métier de Luthier ainsi que l’art de la Lutherie. 

Des détails et accessoires pouvant être nécessaire

À savoir qu’un Violon, quelques soit la qualité de sa fabrication ainsi que des bois utilisés, peut être “amélioré” de manière significative en optimisant certains éléments :

• Pour un instrument d’entrée de gamme, monter des cordes de qualité est souvent primordial. La qualité sonore, et la facilité de jeu dépendent également de la qualité des cordes
• Il est également possible de changer le chevalet, et passer à une gamme supérieur
• Le cordier est également une pièce pouvant être modifiée en fonction des goûts du musicien. Par exemple un cordier en plastique peut être échangé avec un cordier en bois, ce qui donnera un son plus doux, moins métallique
• Pour débuter, un archet d’entrée de gamme est suffisant mais il sera rapidement nécessaire de passer à un archet de gamme supérieur, soit fait en bois du Brésil, soit fait en Pernambouc

D’autres accessoires sont utiles pour jouer du Violon, tels que le coussin placé entre l’instrument et l’épaule, ou encore la colophane qui permet à l’archet de bien faire vibrer les cordes. Pour tous ces accessoires, il existe évidemment différentes gammes et qualités.

Les fourchettes de prix

Vous pourrez trouver chez les luthiers et sur internet des Violons d’entrée de gamme et ce à tous les prix. Néanmoins, nous pouvons distinguer plusieurs tranches de prix :

En dessous de 150€ :

Les bois utilisés ne sont pas clairement définis, nous parlerons alors de “bois teinté“. Puisque la touche ne peut être en ébène, elle est remplacée par du “bois teinté ébène“ ou du poirier. Pour les Violons de cette tranche de prix, c’est le bois massif qui est utilisé et non de l’épicéa. Et les accessoires sont réalisés dans des “bois durs“.
Ce sont souvent des instruments qui ont des qualités de sons limitées et qui ne vieillissent pas bien dû aux bois utilisés. Ces Violons là sont plus adaptés aux grands débutants. En effet, ces instruments ne présentent pas assez de qualités sonores nécessaires à un bon apprentissage.

De 150€ à 400€ :

À ces prix-là, nous trouvons des bons Violons d’entrée de gamme pour débutants. Ces Violons sont destinés aux débutants qui souhaitent se lancer dans l’apprentissage de l’instrument. Cependant, il sera rapidement nécessaire de passer à une gamme supérieure.

De 400€ à 800€ :

Les instruments de cette gamme-là sont fait de bois de bonne qualité. Nous parlons désormais d’ébène pour la touche, d’épicéa pour le fond, et d’érable pour les éclisses. Les chevilles et le cordier sont également faits en ébène ou en palissandre.
Les cordes et la colophane sont également de marques. Dans cette gamme de prix, le Violon est révisé, adapté et réglé. Cet instrument d’étude est idéal pour les premières années d’apprentissage du Violon.
Au-dessus de 800€ se trouve les Violons adaptés pour les musiciens confirmés, avec des attentes de qualités sonores élevées.

Quelques marques de Violons pour débutants

Voici une liste des différentes marques de Violon adaptés aux débutants :

Stentor

Produit en Chine, la marque Stentor est peut-être, la marque la plus connue parmi celles des Violons d’usine. Elle est souvent fournie aux élèves étudiant dans les établissements scolaires consacrés à l’apprentissage de la musique. Bien que les évaluations de contrôle de qualité aient lieu avant leur départ de l’usine, ces instruments ne sont pas assemblés à la main et, par conséquent, manquent souvent de l’individualité que fournissent les Violons fabriqués à la main.

Yamaha

Yamaha est un choix solide pour un instrument d’étudiant, notamment pour son prix moins élevé. Cette marque est bien placée au niveau qualité-prix. Toutefois, l’individualité est peu susceptible d’être un facteur clé dans la décision d’acheter un Violon Yamaha. Cependant la mise en place sera probablement plus propice à la pratique et au jeu, surtout avec des cordes de bonne qualité et un bon archet.

Hofner

La marque allemande Hofner, est peut-être la plus intéressante des marques de Violons produites en usine. Les producteurs d’instruments blancs, c’est-à-dire sans vernis, et avec une seule touche attachée, sont au service de l’étudiant et ceux ayant un niveau professionnel. Ils fournissent une occasion idéale en offrant la possibilité de faire une commande qui convient parfaitement à la morphologie de chacun.

Conclusion

Pour le musicien, l’achat d’un Violon est surtout, une sorte d’engagement affectif car cet instrument deviendra son compagnon pour de nombreuses années, si bien que son choix revêt une importance primordiale. Mais plusieurs critères sont à prendre en compte pour pouvoir faire ce choix. En plus de ceux qui ont été cités dans l’article, il y a aussi votre niveau, vos souhaits et votre budget. Faites plusieurs recherches, testez même les Violons si vous le pouvez, vous finirez par trouver un Violon parfait pour vous.

Cet article vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles ? Faites-en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le !

D’une manière générale, la recherche d’inspiration est le fondement principal de l’art. Mais il est vrai que celle-ci est un concept abstrait, et malheureusement il n’y a pas de mode d’emploi ! Chaque artiste a ses propres méthodes pour trouver de l’inspiration. Cependant, en termes de musique, certaines techniques peuvent aider les musiciens à s’inspirer et à composer de la musique. Voici quelques-unes d’entre-elles.

Choisir un bon environnement

Habituellement, pour composer de la musique, il est nécessaire de s’installer dans un endroit confortable, qui favorisera la créativité. Une pièce calme offrant une vue agréable est un choix idéal. Vous pouvez également vous asseoir dans un jardin entre plusieurs arbres, car il est dit que la nature est très inspirante.

En fait, face à des situations inconnues, le cerveau a tendance à être plus actif, ce qui entraîne une augmentation de la créativité. Par conséquent, découvrir de nouveaux endroits, de nouvelles personnes et de nouvelles cultures est un excellent moyen de générer de l’inspiration. Et c’est exactement de cette manière que le compositeur Mozart trouvait son inspiration. Sa grande productivité était due aux nombreux voyages qu’il a pu faire. Par conséquent, tous ces stimuli lui ont fourni beaucoup de matière pour être inspiré à composer.
C’est pour cela qu’il est important de bien choisir son environnement.

Stimuler sa créativité

Pour booster sa créativité, la lecture est un moyen assez efficace, mais l’écoute de musique de toutes sortes reste la meilleure méthode. En effet, écouter quelques morceaux au préalable peut aider sur la façon de commencer une composition. C’est-à-dire vous concentrer sur un aspect de la musique qui vous plaît particulièrement et l’utiliser comme point de départ pour votre nouvelle création. Dans cette optique, il est important que vous écoutiez toutes sortes de musique, et non seulement celles que vous préférez. Prenez l’habitude d’écouter de tout, en allant des musiques plus connues au moins connues.

Également, pour stimuler votre créativité, nous vous recommandons de pratiquer un exercice très simple : le free-writing.
Le principe est de vous asseoir devant votre ordinateur ou devant une feuille vierge, puis d’écrire tout ce qui vous passe par la tête. C’est-à-dire que chaque mot, chaque idée, chaque pensée qui vous traverse l’esprit doive être notés.
Après relecture, il vous suffit d’effacer les informations superflues et de garder ce qui vous convient. Et enfin, finissez par structurer les pensées qui méritent d’être développées.
À force, une mélodie vous viendra naturellement à l’esprit.

S’inspirer d’une expérience personnelle

De nombreux artistes s’inspirent de leur propre expérience pour composer leurs chansons. Le plus important à connaître c’est le « pourquoi » vous composez une musique et surtout, pour faire passer quel message.
Puisque vous maîtrisez n’importe quel sujet qui vous concerne, il vous sera plus facile de placer les mots et de mettre en avant les émotions qui en ressortent. N’hésitez pas à chercher au plus profond de vos souvenirs.
Ou alors, vous pouvez également vous inspirer d’une situation expérimentée par d’autres personnes.

En fait, par les paroles de la chanson, vous devez faire ressentir aux auditeurs toutes les émotions que vous souhaitez partager, que ces émotions soient la tristesse, de la joie ou de la colère.

Écouter d’autres musiques

En cas de manque d’inspiration, la solution la plus facile et la plus adaptée est d’écouter d’autres morceaux de musique. Il ne s’agit pas uniquement d’écouter les textes, mais aussi la mélodie. En effet, la musique doit s’analyser sur tout le plan : tenir compte des accords, de la structure, de la gamme ainsi que des instruments utilisés. Grâce aux cours de musique que certains ont suivis, il leur sera plus aisé de réaliser cette tâche.

Les festivals de musique diffusés en ligne peuvent également être une riche expérience dans ce domaine. Puisque différents musiciens avec différents styles de musique se présentent, il vous sera possible d’écouter de nouveaux sons, d’écouter de nouvelles voix, et de découvrir de nouveaux rythmes. Ces festivals vous permettront éventuellement d’évoluer musicalement. Toutefois, il faut veiller à ne pas trop vous éloigner de ce que vous savez déjà faire.

Prêt à vous lancer dans la composition ? Découvrez dans cet article, les instruments les plus adaptés pour composer. 

Exprimez vos rêves et vos passions

Chaque personne a un rêve enfoui. Même si vous pensez qu’il est impossible de le réaliser, sachez que cela peut devenir une source d’inspiration pour votre prochaine composition. Sinon, vous pouvez également parler de ce qui vous passionne. Cela peut être de la musique, de l’art, des animaux ou de l’amour pour le voyage.

Parfois, s’exprimer sur tous sujets avec une personne cultivée est un autre moyen efficace pour trouver de l’inspiration. Juste en l’écoutant, vous pouvez trouver un sujet intéressant qui mérite d’être développé.
Sur YouTube et d’autres plateformes, vous pouvez également trouver des podcasts et des conférences qui parlent de ce qui vous passionne. Et après quelques visionnages, il est possible que vous arriviez à vaincre le syndrome de la page blanche.

Bien choisir la structure

Lors de la composition d’une pièce musicale, la structure est un point important à prendre en compte. En général, elle est employée selon le style de musique.
Il faut savoir qu’une chanson peut contenir différentes parties, dont le refrain et les couplets sont les plus importantes. Il doit y avoir une véritable consistance et cohérence dans leur contenu. Notez également que vous devriez faire attention aux rimes afin que les paroles de musique soient faciles à prononcer.
Et également bien choisir le titre. Il est celui qui se lit en premier, il doit donc être percutant et révéler l’histoire que vous allez raconter.

Se relaxer et prendre son temps

Sachez que les préoccupations, le stress et la fatigue sont des obstacles à l’inspiration. Si vous souhaitez composer de belles chansons, vous devrez prendre votre temps et vous détendre. Mais aussi, éviter la pression. Vous devez attendre d’avoir des idées claires avant de vous mettre au travail. N’hésitez donc pas à vous divertir.

De plus, après avoir rédigé vos premières idées, il est possible que vous soyez coincé sur une partie de votre composition. Dans ce cas-là, laissez-là un instant de côté et retournez-y un peu plus tard. Peut-être qu’une fois les idées claires et après avoir pris un peu de recul, vous arriverez à débloquer la situation. Autre technique, employez vous à composer une autre partie de votre morceau. Vous pourrez revenir à la partie problématique plus tard.

Face à l’improvisation

L’improvisation est aussi l’une des techniques qui aident à trouver une inspiration. Pour faire fonctionner l’improvisation, il est important de penser à s’enregistrer en train de jouer pour pouvoir retravailler cette matière par la suite.
Recherchez une tonalité agréable à écouter et laissez vos mains faire le reste.
D’autre part, cela peut prendre beaucoup de temps avant de trouver un début de mélodie convaincante. Il sera donc nécessaire de s’armer de patience. La composition improvisée sera réécoutée, modifiée, améliorée et reproduite jusqu’à ce qu’elle soit satisfaisante.

Conclusion

Avec toutes ces techniques, il est possible que vous trouviez l’inspiration que vous recherchiez. Mais n’oubliez pas que dans toutes les disciplines la persévérance est importante. Votre composition parfaite ne se fera peut-être pas dès la première fois. Mais continuez d’exercer sans vous arrêter. Un travail régulier et constant ne fera que vous faire progresser.

Cet article vous a plu ? Ces informations vous ont été utiles ? Faites-en profiter vos collègues, vos amis, vos élèves… Partagez-le !