La Musicothérapie : se soigner par la musique

La Musicothérapie : se soigner par la musique

En plus d’adoucir les moeurs et certains comportements, la musique apporterait du courage, calmerait la dépression et favoriserait la relaxation. Depuis des siècles, la musique est même utilisée comme traitement de certains maux. La musique peut nous aider à contrôler nos émotions, à les calmer, à participer ou à encourager la prise de décision. Elle s’avère d’ailleurs particulièrement bénéfique pour les enfants et les bébés. De nombreuses études ont prouvé ses bienfaits pour la santé physique et mentale. Voyons dans cet article comment la Musicothérapie peut aider à se soigner grâce à la musique.

 

La Musicothérapie : qu’est-ce que c’est ?

La Musicothérapie, très prisée ces dernières années, a la particularité d’utiliser la musique comme méthode de traitement.

La Musicothérapie est une forme thérapie qui utilise la musique comme moyen de traiter, de soigner ou de répondre à un problème donné. Parce que la musique atteint le “cœur” de l’individu, c’est un moyen d’expression privilégié, qui lui permet d’exprimer sa douleur et ses émotions. Par conséquent, en Musicothérapie, le son et le rythme deviennent des outils pour augmenter la créativité, renouer avec soi-même et traiter divers problèmes de santé. En tant qu’outil de croissance personnelle, la musique peut augmenter et améliorer la vitalité mais aussi améliorer les capacités cognitives, les capacités psychomotrices ainsi que les capacités sociales et émotionnelles. Bien que la musicothérapie ne fût à l’origine utilisée que pour la psychothérapie, son objectif thérapeutique a été considérablement élargi.

La Musicothérapie peut-elle fonctionner pour tout le monde ? En effet, les sensations provoquées par l’écoute de musique ou de sons varient d’une personne à l’autre. Certaines personnes sont plus sensibles que d’autres. Les musicothérapeutes utilisent deux méthodes :

  • La Musicothérapie active qui nécessite la participation du patient. En effet, le principe est de l’encourager à s’exprimer en chantant ou en improvisant sur des instruments
  • La méthode “réceptive”. Cette fois, le patient n’a besoin que d’écouter de la musique

 

La Musicothérapie : se soigner par la musique
Dessin de notes de musique

Jouer d’un instrument après 50 ans présente de nombreux avantages. Découvrez lesquels dans cet article. 

 

Les bienfaits de la Musicothérapie

Il existe de nombreuses applications thérapeutiques de la Musicothérapie. Cependant, il peut être difficile de savoir exactement dans quelle mesure les effets qui en découlent lui sont directement attribuables. D’une étude à l’autre, les interventions (choix de la musique, durée de la rencontre, intensité, etc.) et les mesures varient fortement. Cela étant dit, les principales applications thérapeutiques de la musicothérapie ont été évaluées à travers la recherche scientifique. Il convient de mentionner ici les bienfaits de la Musicothérapie. En voici une liste non exhaustive :

La musique pour vaincre l’anxiété et le stress

La musique est un excellent allié dans le traitement des maladies mentales. En raison de son effet relaxant, il aide à réduire le niveau de cortisol, une hormone du stress. D’autre part, il stimule la libération d’endorphines qui ont des effets sédatifs et analgésiques. C’est pourquoi la Musicothérapie est de plus en plus courante dans les hôpitaux.

Cette forme de traitement est principalement utilisée pour calmer les patients souffrant de maladies respiratoires ou cardiaques. Avec l’aide de la musique, ils pourront contrôler leurs émotions et retrouver la sérénité. De plus, des essais cliniques ont montré qu’ils pouvaient en effet lutter plus efficacement contre l’anxiété et les mauvaises émotions.

La musique améliore l’humeur

Un certain nombre d’études ont montré que la Musicothérapie peut aider à améliorer l’humeur de divers groupes de personnes. Par conséquent, en rendant l’hospitalisation plus agréable pour les malades et leurs familles, un impact positif direct sur les patients sera évident. Il en découlera également l’amélioration de l’humeur des soignants sur le long terme.< /P>

La Musicothérapie : se soigner par la musique
Image sur les points que la musique améliore

La musique améliore le sommeil

L’effet apaisant de la musique – qu’elle soit instrumentale ou chantée, enregistrée ou en direct – a été observée sur tous les âges. Selon les résultats d’études cliniques chez les personnes âgées, la Musicothérapie peut faciliter l’endormissement, réduire le nombre de réveils, améliorer la qualité du sommeil et en augmenter sa durée et son efficacité.

La musique peut vaincre la douleur

La musique peut avoir le même effet que la morphine, les analgésiques, les anxiolytiques et autres tranquillisants. Écouter de la musique peut réduire la sensation de douleur grâce à la sécrétion d’endorphine.
Selon certaines recherches, la Musicothérapie peut soulager la souffrance des patients en réduisant les symptômes et la douleur associés à diverses maladies. C’est le cas de la polyarthrite rhumatoïde, de l’arthrose et des maladies musculo-squelettiques.
En cas de douleurs chroniques telles que maux de tête ou maux de dos, il est également judicieux d’utiliser cette technique de traitement. Enfin, de nombreux médecins l’utilisent pour aider les patients ayant subi des traitements majeurs tels que la chirurgie ou la chimiothérapie.

La musique pour traiter la dépression

Quelle que soit la cause de la dépression, la Musicothérapie est un moyen efficace de la soulager et de l’atténuer. La musique peut en soulager tous les symptômes et améliorer l’humeur. Bien entendu, le choix du registre doit être effectué avec soin. En général, la musique riche en harmoniques ou la musique contenant des paroles positives sont celles à privilégier.

 

La Musicothérapie : se soigner par la musique
Dessin d’un arbre avec pour feuille des notes de musique

 

Le choix de musique ?

Pour que la Musicothérapie fonctionne vraiment, il est nécessaire de prendre en compte les goûts du patient en matière de musique. C’est pourquoi les musicothérapeutes réalisent le premier entretien, au cours duquel ils tentent de découvrir le style de musique qui a fait réagir le patient de manière positive. C’est aussi l’occasion de déterminer l’approche à adopter. Par conséquent, un test de réceptivité musicale est donc au programme.

Citons que les oeuvres de Jean-Sébastien Bach, font partie des plus utilisées. Cependant, le cas échéant, rien n’empêche d’utiliser le rock, le métal, le hip-hop ou toute autres musiques rythmées pour traiter certains troubles ou maux.

S’adresser à un musicothérapeute est le choix le plus adéquat, car la prise en charge d’un professionnel est toujours préférable à une démarche personnelle, surtout lorsque la maladie à traiter est suffisamment grave.

La Musicothérapie : se soigner par la musique
Photo d’enceintes de musique

 

Une pratique accessible à tous

Clémence Bostnavaron, musicothérapeute diplômée de l’Université Paris Descartes et membre affiliée à la Fédération Française de Musicothérapie :

“ Je trouve que la Musicothérapie est une formidable pratique qui s’adresse tout à chacun car l’être humain possède une nature musicale innée et acquise à travers la culture.

La Musicothérapie dépasse la représentation que l’on peut avoir de prime abord et est vécue par les participants comme un enrichissement plus vaste et étonnant. Par exemple, il n’est pas nécessaire d’être musicien pour pouvoir rencontrer un musicothérapeute. Autre exemple, la Musicothérapie n’est pas de l’animation musicale mais a toujours un ou plusieurs objectifs thérapeutiques avec un professionnel formé à cela.

En revanche, grâce à cette pratique, on apprend par les sons et la musique à se connaître d’avantage et à dépasser les limitations que nous nous mettons. La Musicothérapie s’apparente à une psychothérapie non verbale, dans une organisation musicale ou non. Elle peut être aussi le moyen révélateur de se connecter, par l’émotionnel, à la mémoire de chacun et ainsi faire resurgir des besoins individuels.

En effet, de nombreux secteurs sont désormais investis par les musicothérapeutes, tel que le soin aux personnes âgées (diverses démences et pathologies), les troubles autistiques, le milieu carcéral, les troubles du comportement alimentaire, les services de néonatalogie et plus généralement la plupart des troubles psychologiques en complément d’un suivi avec un expert en psychologie. Elle s’inscrit ainsi parfaitement dans l’ensemble des processus de soins.

Enfin, la Musicothérapie s’adresse également à toute personne ayant la volonté de s’apporter un bien-être quotidien et voit ainsi les entreprises de plus en plus faire appel aux musicothérapeutes pout leurs salariés”.

Son site : http://clemence-bostnavaron.fr/


Conclusion

Depuis de nombreuses années, la musique est bel et bien considérée comme ayant de grands effets thérapeutiques. C’est d’autant plus évident si l’on rappel quelques uns de ses rôles originels : la communication, les rites, et la transmission, pour bon nombre de civilisations. L’effet bénéfique et curatif de la Musicothérapie pour l’humanité en devient évident.

 

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L’art de la Lutherie

L’art de la Lutherie

Avant d’être des instruments utilisés par le talent des musiciens, le Violon, l’Alto ou même le Violoncelle passent par les mains prodigieuses d’un Luthier. Métier fascinant mais peu connu, certaines questions peuvent se poser : Qu’est-ce que la Lutherie ? Quelles sont les étapes de fabrication des instruments à cordes frottées ? Dans cet article, nous vous dirons tout sur la Lutherie : Toutes les techniques, pratiques et matériaux utilisés pour la fabrication, ne seront plus un secret pour vous.

 

Le métier de luthier

Le luthier, grâce à sa haute expertise, fabrique, restaure et accorde des instruments de musique à cordes frottées tels que par exemple le Violon, l’Alto ou le Violoncelle. Ils sont également experts dans l’entretien et la restauration de ces instruments.

Dans un atelier, le luthier va progressivement façonner, et ce, pièce par pièce, un instrument. Il possède une excellente oreille musicale et il sait façonner le son de l’instrument qu’il crée ou répare. Dans de nombreux cas, il est très doué pour jouer des instruments dont il est devenu un expert. C’est donc un artisan passionné, mélomane, possédant de solides connaissances en musique et en acoustique et faisant appel à tous ses sens : la vue, le toucher, l’ouïe et l’odorat.

À l’origine, le luthier était le fabricant du “Luth”. Mais le temps passant, le terme de “Luthier“ s’est étendu pour désigner aujourd’hui le fabricant des instruments du Quatuor à cordes.

Actuellement, l’industrie du luthier offre de nombreux aspects :

  • L’entretien d’un instrument. C’est l’activité la plus courante destinée à conserver un instrument dans un état de fonctionnement optimal pour le musicien
  • Les réparations. Elles peuvent être assez complexes et nécessitent une très bonne expérience, la capacité de construire un plan d’intervention ainsi qu’un haut degré de respect pour le travail d’origine
  • La création. C’est la base de l’apprentissage pour tout jeune étudiant se formant en école de Lutherie. La fabrication d’un Violon est en quelques sorte un passage “obligé”
  • L’expertise. Elle nécessite une compréhension très profonde de l’histoire du Violon et une mémoire parfaite. Les grands experts en Lutherie ont développé leur expertise via les générations anciennes qui leur ont transmis leur savoir.

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    L’art de la Lutherie
    Photo d’un Violon en pleine fabrication dans un atelier

Les formations à suivre

En réalité, le métier de luthier ne nécessite pas de suivre une formation “ obligatoire ”. Pour certains, seuls quelques outils et beaucoup de passion leur ont permis d’exercer ce métier. Toujours est-il, qu’il existe quelques études vous permettant d’être formé au métier de luthier. En voici quelques exemples :

Niveau CAP

  • CAP lutherie et CAP ouvrier archetier en alternance
  • CAP assistant technique instrument de musique

Niveau baccalauréat

  • BMA technicien en facture instrumentale option guitare : 2 ans après le CAP

Niveau bac + 2

  • DMA (diplôme des métiers d’arts) lutherie 2 ou 3 ans après le baccalauréat

À la suite de ces études, vous aurez les compétences et les connaissances pour devenir luthier. Et qui sait… peut-être même créer votre propre atelier?

Les qualités du luthier de demain

Comme tout autre métier, un bon luthier doit posséder quelques qualités, telles que le goût prononcé pour le travail du bois mais aussi la patience qui est sans doute l’une des plus importantes.

Un luthier se doit d’avoir également de la persévérance, de la précision et un goût prononcé pour le perfectionnisme. Parler l’anglais est aussi assurément un grand avantage : bon nombre de spécialistes du métier viennent de pays bien différents et pouvoir échanger avec eux assurera un savoir faire immense.

 

L’art de la Lutherie
Début de fabrication d’un Violon

La fabrication, l’entretien et la restauration

Grâce au luthier, des morceaux de bois sont transformés en véritables œuvres d’art visuelles et sonores. S’offre à lui le choix de les vendre directement aux particuliers ou aux professionnels. Pour la fabrication d’un instrument, un luthier commence par dessiner la forme de l’instrument. Ensuite, le luthier sélectionne lui même ses bois qui, par la suite, sont taillés, sculptés, façonnés pour en faire différentes pièces (touche, sillets, chevilles, âme, chevalet, bouton, cordier), à l’aide d’outils à main traditionnels.
Chaque pièce finit par être assemblée par un collage. Après les retouches finales, l’instrument recevra une préparation appelée fond en bois (couche de protection), avant l’application d’un vernis fabriqué par le luthier.

À côté de la maîtrise du geste et des techniques qui sont indispensables, c’est la recherche de la qualité sonore qui guide le travail à chaque étape de la fabrication.

L’entretien

Outre le montage, l’entretien constitue également une part importante, voire majeure, de l’activité de lutherie, puisque les musiciens ont besoin d’avoir des instruments de musique bien entretenus.

Le luthier est là pour optimiser les performances sonores du Violon, de l’Alto ou du Violoncelle. L’entretien consiste à empêcher la dégradation des performances de l’instrument, à restaurer ou restituer les principales caractéristiques et fonctions de l’instrument. Ce travail est effectué en relation étroite avec le musicien.

La restauration et la réparation

La réparation et la restauration ont un objectif commun qui est de remettre en état un instrument de musique. La restauration consiste à restituer à un instrument ses caractéristiques fonctionnelles et esthétiques, tout en respectant le travail de l’auteur d’origine. Cette activité nécessite des compétences très strictes et solides, basées sur une compréhension indispensable de l’histoire et des styles des instruments de musique traditionnels.

Certains instruments ayant une forte valeur, nécessitent parfois une intervention intensive à l’aide de techniques précises. C’est pour cela que ces opérations doivent être effectuées par des experts afin d’éviter toute dégradation.

Le réglage de sonorité

Il s’agit d’optimiser le son et la qualité de jeu des instruments de musique par rapport aux musiciens.

Ce travail nécessite que le luthier soit à l’écoute des instruments et des volontés des musiciens, mais aussi qu’il sache bien analyser et comprendre le fonctionnement des instruments en sa possession.

 

L’art de la Lutherie
Outils pour fabriquer des instruments du quatuor

Guillaume Kessler : Luthier du quatuor

Voici l’exemple d’un luthier talentueux, Guillaume Kessler, spécialisé dans la lutherie du quatuor, qui avec beaucoup de passion, a créé son propre atelier de Lutherie à Strasbourg. Guillaume Kessler propose un service sur mesure, capable de répondre à tous les besoins des instruments à cordes frottées, quel que soit le niveau de l’utilisateur. Guillaume Kessler a accompagné plus de 894 musiciens de niveaux et âges différents dans près de 27 pays.

En plus de son atelier de luthier à Strasbourg, Guillaume Kessler vous propose aussi une boutique en ligne contenant la plupart de ses produits et services. Où que vous soyez, vous pourrez bénéficier des avantages d’un atelier de lutherie hautement qualifié et entièrement attentif à vos besoins.
Comme il a été dit plus haut, Guillaume Kessler est spécialisé dans les instruments du quatuor et leurs archets. Mais vous pourrez également retrouver dans son catalogue des accessoires et des cordes spécialement sélectionnées.

 

Guillaume Kessler en pleine création d’un Violon dans son atelier.

 

Conclusion

Ceux qui exercent le métier de Luthier, qui nécessite de fabriquer, de restaurer et de réparer des instruments, sont des personnes possédant plusieurs qualités dont, entre autre, une grande polyvalence. Leur objectif principal est de créer un objet unique et parfait, mais aussi de fournir aux musiciens un instrument qui leur permettra de mettre tout leur talent en lumière.

 

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Apprendre la musique : Les différents cursus musicaux en France

Formation dans la musique : Les différents cursus musicaux

Les écoles de musique et conservatoires français offrent aujourd’hui une éducation musicale très diversifiée : musiques “classiques”, contemporaines, traditionnelles, anciennes, actuelles et jazz. Ces institutions sont la principale source de développement de la pratique amateur, tout en assurant également la formation des futurs professionnels. Dans le cadre de l’enseignement musical public, les cursus musicaux sont répartis en 3 cycles, représentant un total de 8 à 14 ans d’apprentissage initial. Parmi les 3 cycles, les deux premiers cycles constituent une étape commune d’initiation et de développement pour tous les musiciens. Enfin, le dernier cycle vous permet de développer un projet artistique personnel et se termine par l’obtention du Certificat d’Études Musicale (CEM). Vous souhaitez apprendre la musique? Détaillons ensemble les différents cursus musicaux en France qui ont pour but de former des musiciens amateurs.

 

Le 1er CYCLE

Les élèves entrent en premier cycle dès l’âge de 6 ans environ. Juste après la phase d’éveil ou d’initiation, qui elle, dure 1 à 4 ans. Le premier cycle va durer 3 à 5 ans. Il va construire et renforcer la motivation et les méthodes des élèves autour de la pratique d’une discipline instrumentale. La pratique collective, l’apprentissage de l’oreille musicale ainsi que la découverte de l’instrument jouent un rôle important dans ce premier acte de l’apprentissage.

Tous les acquis du premier cycle constituent une formation cohérente, le temps pour l’élève d’acquérir des bases solides et une première expérience dans l’expression musicale. Ces deux caractéristiques sont cruciales pour la construction de sa personnalité ainsi que pour aborder les Cycle suivants avec de bonnes bases. Ce premier cycle permet donc à l’élève de découvrir l’environnement musical en groupe et seul, avec son instrument et avec sa voix, tout en apprenant les premiers fondamentaux théoriques.

Les objectifs :

  • Développer la motivation, la curiosité musicale, le goût pour l’invention et l’interprétation
  • Avoir une base musicale saine, grâce aux combinaisons de l’oralité musicale et du langage écrit
  • Le développement d’un lien entre les méthodes sensorielles et corporelles des différents éléments du langage musical et du vocabulaire spécifique
  • Aborder une variété de répertoires : monodiques et polyphoniques, vocaux et instrumentaux
  • L’acquisition des premiers réflexes basés sur la qualité du geste, de la lecture, de l’écoute intérieure et de l’écoute des autres dans la pratique collective
  • Une première approche des différents langages musicaux par l’écoute d’œuvres, l’étude des partitions appropriées et des activités inventives tout en recherchant un équilibre entre approche du détail et perception globale

Disciplines et évaluations : 

Ce premier cycle est constituer de plusieurs disciplines telles que : La Formation et Culture Musicale du musicien, Instruments et Musique d’ensemble, ayant pour durée de 30 minutes à 1 heure par discipline dans la semaine. Les élèves sont évalués en contrôle continu puis en contrôle ponctuel, qui prend la forme d’une évaluation départementale de fin de premier cycle (fin de 4e année).

Le premier cycle peut être une fin en lui-même : il constitue alors la première expérience de la musique, qui joue un rôle décisif dans la construction de la personnalité. Cependant, il est fortement recommandé de suivre le deuxième cycle de formation pour obtenir une véritable expression musicale autonome.
Les étudiants qui réussiront l’évaluation du premier cycle, entreront automatiquement au deuxième cycle.

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Formation dans la musique : Les différents cursus musicaux
Une élève jouant du Piano

Le 2ème CYCLE

Cette deuxième phase, durant de 3 à 5 ans, contribue au développement personnel approfondi de l’apprenti musicien. Tout en favorisant l’ouverture culturelle, l’utilisation du langage musical, les fondamentaux de la pratique autonome et la capacité d’occuper une place dans la pratique collective.

Le deuxième cycle prolonge et approfondit les acquis du premier cycle dans une perspective d’équilibre entre les différentes disciplines et en même temps, encourage et pousse les élèves à acquérir une autonomie musicale.

Les objectifs :

Les objectifs de ce deuxième cycle sont de pousser les élèves à approfondir leurs connaissances antérieures. Notamment en termes de maîtrise instrumentale et de connaissances linguistiques et culturelles musicale. Les élèves développent progressivement une méthode de travail, s’ouvrent à différentes formes de musique d’ensemble pour devenir des musiciens capables d’intégrer un ensemble d’amateur.

D’autre part, les objectifs sont :

  • Acquérir des méthodes de travail personnelles, favorisant la pensée critique et la prise d’initiative
  • Réaliser une première synthèse entre pratique et théorie, entre approche sensible et bagage technique grâce à l’aisance de lecture des partitions à difficulté moyenne
  • La prise de conscience structurée du langage musical à travers la mise en œuvre de méthodes analytiques

Disciplines et évaluation :

Ce deuxième cycle est constitué de plusieurs disciplines telles que : la Formation et Culture musicale du musicien, Instruments et Orchestre. Chaque discipline dure en moyenne 30 minutes à 1 heure par semaine. Les élèves sont évalués en contrôle continu et en contrôle ponctuel lors d’une évaluation départementale de fin de second cycle ou lors d’une évaluation globale départementale de fin de second cycle intégrant un projet personnel.

Le deuxième cycle termine une étape de la formation. Il permet d’assimiler tous les éléments nécessaires à une bonne pratique musicale dans un ensemble amateur.

 

Formation dans la musique : Les différents cursus musicaux
Dessin d’un établissement

Le 3ème CYCLE

Le troisième cycle permet aux étudiants de développer des projets artistiques personnels, d’obtenir une pratique autonome et d’acquérir des connaissances structurées pour ainsi s’intégrer dans le domaine de la pratique musicale amateur. Le troisième cycle s’étale sur 2 à 4 années et il est sanctionné par le Certificat d’Études Musicale (CEM), qui confirme le niveau exceptionnel des musiciens amateurs.

Ce cycle peut être suivi par une “ formation continue ou complémentaire“. Ce cursus propose un parcours libre et personnalisé basé sur le projet de l’élève, en dehors des cycles constitués et sans certification finale.

Les objectifs

Le troisième cycle a plusieurs objectifs. Le troisième cycle prolonge et approfondit les acquisitions des précédents cycles, en vue d’une pratique autonome. L’approfondissement des techniques vocales ou des outils instrumentaux, permettent une interprétation convaincante, une maitrise des fondamentaux de l’interprétation selon les principaux styles et la capacité à expliciter ses options d’interprétation.

Disciplines et évaluation

Ce troisième cycle est constitué de plusieurs disciplines fondamentales. En prolongeant notamment celle du deuxième cycle : la Formation et Culture musicale du musicien, Instruments et Orchestre. Chacune de ses matières dures 30 minutes à 2 heures par semaine. Par conséquent, les élèves sont évalués en contrôle continu et en contrôle ponctuel. Le contrôle ponctuel est l’examen départemental de fin de troisième cycle sous forme de récital.

 

Formation dans la musique : Les différents cursus musicaux
Un élève jouant du Violon

Le cycle spécialisé et le DEM

Dans le schéma directeur d’organisation pédagogique de l’école de musique et de danse publiée en 1992, le cycle départemental spécialisé et sanctionné par le DEM (Diplôme d’Études Musicales) a été introduit dans les cursus des Conservatoires.

Le DEM ne peut être délivré qu’après avoir terminé les études conduites en CRR et CRD. Et ce sous la responsabilité d’un professeur titulaire. De plus, l’emploi du temps hebdomadaire est d’au moins 5 heures (1 heure pour la dominante instrumentale ou vocale, 2 heures pour la formation musicale et 2 heures pour la musique de chambre). À partir de la deuxième année, selon le choix de la spécialisation de l’étudiant, l’horaire de formation peut atteindre 9 heures par semaine.

Pour obtenir le DEM, les étudiants doivent respecter leurs engagements et atteindre leurs objectifs. Ceux-ci concernent trois domaines d’étude :

  • Les multiples disciplines majeures
  • L’approfondissement de la formation musicale générale
  • La réalisation de travaux personnels

Actuellement, le troisième cycle de la formation est réparti sur 3 ou 4 unités de valeur (UV), selon les établissements, la durée maximale est de 3-4 ans. L’admission est soumise à un examen d’entrée.

 

Formation dans la musique : Les différents cursus musicaux
Un élève jouant de la Cornemuse

Conclusion

Apprendre la musique en France se fait de manière globale. Elle inclut une discipline dominante, généralement instrumentale ou vocal, mais aussi une discipline de culture musicale, accompagnée d’une pratique continue et nuancé de la musique d’ensemble. Cette formation peut être enrichie par une ou plusieurs disciplines complémentaires.
Tout comme la formation, l’évaluation des étudiants est globale et déterminante. Elle couvre tous les contenus d’apprentissage. D’une part, celle-ci est effectuée en continu par l’équipe pédagogique. Et d’une autre part, elle peut prendre la forme d’examens à la fin de différents cycles. Pour évoluer vers une professionnalisation, l’apprenti musicien s’orientera ensuite vers les cycles supérieurs des conservatoires régionaux ou nationaux.
Apprendre la musique en France pour un amateur éclairé est donc tout a fait accessible et même fortement conseillé ! Il ne reste plus qu’à trouver le conservatoire le plus proche de chez vous et de vous lancer.

 

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Séniors : les bienfaits de jouer d’un instrument de musique

Jouer d’un instrument de musique quand on est sénior : les bienfaits

Dans la plupart des cas, l’apprentissage de la musique débute à un jeune âge. Toutefois, certains ne se lancent jamais dans l’apprentissage d’un instrument de musique et finissent par le regretter… C’est très souvent arrivé proche de la retraite que le besoin d’apprendre la musique refait surface. Néanmoins certaines questions se posent : Est-ce possible pour les séniors d’apprendre la musique ? Quelles sont les chances de réussite ? Quels sont les bienfaits ? D’après des études scientifiques, apprendre la musique à partir de 50 ans présente de nombreux avantages. Découvrez-les.

 

Apprendre la musique après un certain âge, c’est possible !

La cinquantaine est l’âge idéal pour commencer de nouvelles aventures, pratiquer de nouveaux loisirs et réaliser vos rêves. Avec plus de temps libre, les personnes âgées peuvent désormais pratiquer toutes les activités qui les intéressent. Bien que l’on dise souvent qu’il faut commencer la musique dès son plus jeune âge, il n’est pas impossible de commencer même après 60 ans ! Il est vrai qu’un enfant a une meilleure capacité d’apprentissage qu’une personne plus âgée, mais les séniors font des progrès plus rapidement que les enfants car ils ont le temps de se former et ont plus de connaissances, de patience et de persévérance.

La patience pour apprendre un instrument est primordiale car en musique il faut savoir prendre du temps pour que son cerveau assimile bien ce qu’il voit et ce qu’il entend. Selon l’instrument que vous voulez jouer, la théorie musicale n’est plus obligatoire mais peut être nécessaire. Si vous êtes plus sensible à la guitare, l’avantage de cette dernière est que vous pouvez apprendre à en jouer sans théorie musicale, mais uniquement grâce au système de tablature.

Quel que soit l’âge, le cerveau peut toujours acquérir de nouvelles connaissances et les personnes âgées ont de solides compétences analytiques. La capacité du cerveau à se remodeler en fonction de son environnement ne se perd pas avec l’âge, contrairement à ce que l’on pense. Cela signifie que le cerveau peut apprendre et s’adapter tout au long de sa vie.

La concentration et les défis de l’apprentissage, inciteront vos compétences cognitives à s’adapter. Cela pourra générer de nouvelles connexions qui viendront alors compenser le possible déclin dû au vieillissement.

 

Jouer d’un instrument de musique quand on est sénior : les bienfaits
Photo d’un homme âgé jouant de la guitare

Le déroulement de l’apprentissage

Ce n’est un secret pour personne qu’apprendre à maîtriser un instrument de musique prend des années. Mais après quelques mois, vous pourrez peut-être déjà jouer deux ou trois morceaux et vous faire plaisir. C’est une question de cohérence, de régularité et de persévérance. Vous avancerez également plus vite si vous vous projetez et vous fixez des objectifs. Par exemple, imaginez-vous pouvoir intégrer un petit orchestre dès votre deuxième année d’apprentissage. Vous ferez certainement beaucoup d’efforts avant de pouvoir jouer un morceau compliqué, mais si vous persévérez, vous y arriverez.

La première chose à faire est de choisir votre instrument. Pour les personnes âgées qui apprennent la musique depuis l’enfance, le choix est simple. Il en va de même pour les personnes passionnées par des instruments spécifiques.
Il ne faut pas oublier que tous les instruments de musique sont différents et maîtriser le Violon peut être plus compliqué que de jouer du Piano. Par conséquent, choisissez un instrument qui vous ressemble et qui vous plaît. Le plaisir de jouer est essentiel et c’est lui qui vous fera avancer. Il est donc indispensable que vous aimiez sans ambiguïté votre instrument.

Une formation régulière peut en effet assurer de meilleurs progrès. Idéalement, vous pouvez consacrer environ 45 minutes par jour à la pratique et aux exercices. Cet apprentissage nécessite également une assiduité.
S’enregistrer lors des sessions est une bonne idée si vous voulez constater votre évolution et analyser vos progrès.

 

Jouer d’un instrument de musique quand on est sénior : les bienfaits
Photo de trois Violons

Vous souhaitez vous lancez dans la pratique d’un instrument ? Découvrez dans cet article la liste des instruments les plus faciles à adopter pour les séniors 

Apprendre la musique : les bienfaits chez les séniors

La musique et ses nombreux bienfaits sont bien connus. Sa pratique peut être d’une aide précieuse pour les séniors.

Un moyen d’entretenir et de développer ses capacités cognitives

La pratique d’un instrument a un effet bénéfique sur le cerveau. En outre, les médecins recommandent aux séniors de jouer d’un instrument de musique, notamment le Piano qui est fortement recommandé. Cela permet de maintenir des capacités cognitives, de conserver la mémoire et de maintenir la mobilité. En effet, selon les recherches scientifiques, la pratique de la musique favorise le développement des zones cérébrales liées à la motricité.
Il stimule également les zones du cerveau liées au langage, au plaisir et à la mémoire. C’est pourquoi il est, par exemple, fortement recommandé aux patients victimes d’un AVC de pratiquer la musique. Cela leur permet, en outre, de retrouver rapidement leur capacité à s’exprimer. La musique peut également aider les personnes atteintes de la maladie de Parkinson à résister à la raideur musculaire.

Un moyen d’améliorer son audition

En plus d’améliorer l’audition, vous pouvez également améliorer les capacités d’écoute et la vitesse de reconnaissance des sons grâce à la pratique d’un instrument de musique. Selon les chercheurs de l’Université de Toronto, les personnes qui jouent ou pratiquent la musique ont une meilleure capacité à reconnaître et décoder les sons environnants et ce avec plus de précision et de rapidité que les personnes qui ne pratiquent aucun instrument.

Apprendre à jouer peut également vous apprendre à mieux contrôler votre corps. En apprenant à mieux ressentir les gestes et la mélodie générée, vous apprendrez à lâcher prise et à vous écouter. Par conséquent, cela ressemble en quelque sorte à une thérapie…

Lutter contre la dépression et l’anxiété

Pratiquer de la musique est une véritable source de plaisir, car le but est de pouvoir jouer vos morceaux préférés. De plus, s’engager dans une nouvelle activité motive beaucoup. Au fur et à mesure que vous enregistrez vos progrès, vous gagnez en estime de soi. Cela aide à combattre l’anxiété et la dépression causées par l’âge et le vieillissement.

De plus, jouer de la musique peut vous soulager du stress car cela peut favoriser la relaxation. Cette discipline artistique a permis la création d’une thérapie douce, telle que la musicothérapie qui est utilisée pour traiter de nombreuses maladies, dont la maladie d’Alzheimer et la maladie de Parkinson.

Un moyen de lutter contre l’isolement et l’ennui

Jouer de la musique à un âge avancé est également un bon moyen de lutter contre l’isolement. De nombreux séniors passent beaucoup de temps dans des endroits clos. Toutefois, pratiquer un instrument permet de rencontrer de nouvelles personnes qui partagent les mêmes centres d’intérêt. De plus, c’est un excellent moyen de surmonter l’ennui. Pour garder la bonne humeur au quotidien, il est nécessaire de varier ses activités. Jouer d’un instrument de musique est donc l’idéal.

 

Séniors : les bienfaits de jouer d'un instrument de musique
Dessin multicolore d’un cerveau

Conclusion

Il n’est jamais trop tard pour essayer la musique. Avec de la persévérance, le résultat ne peut être que gratifiant. Surtout quand on pense qu’apprendre à jouer d’un instrument apporte de nombreux bienfaits. Après 50 ans, il est donc tout à fait possible et même bénéfique de commencer à apprendre un instrument pour la première fois. Avec de la patience et de la diligence, vous pourriez même vous trouver un talent caché. De nombreux amateurs empruntent cette voie.

 

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Instruments à Cordes : Comment les accorder ?

Instruments à Cordes : Comment les accorder ?

Les instruments de la famille des Cordes sont des instruments de musique dont la partie sonore est constituée par une ou plusieurs cordes. C’est la vibration des cordes qui produit le son de l’instrument. La corde est la plupart du temps composée de boyau, de nylon ou d’acier, tendue sur le corps de certains instruments de musique. Parmi eux, les instruments à cordes pincées (cordes que l’on fait vibrer avec les doigts ou un plectre), frottées (cordes que l’on fait vibrer avec un archet) ou frappées (à l’aide de marteaux). Chaque instrument de la famille des Cordes possède une façon particulière pour être accordé.

Le Violoncelle

Le Violoncelle est un instrument de la famille des Cordes frottées. Il tire ses origines d’Italie, aux environs de 1552 par Andrea Amati, luthier de Crémone qui donnera au Violoncelle les caractéristiques fondamentales qui sont les siennes depuis lors. À l’époque l’instrument était suspendu au cou de l’interprète, notamment dans les cortèges. Puis c’est au XVIIe siècle que l’instrumentiste le tient serré entre les genoux, ce qui entraîne une pression des genoux sur les éclisses. Aujourd’hui le Violoncelle se joue assis avec un archet que l’exécutant frotte sur les cordes. L’archet est un morceau de bois sur lequel est tendu des crins de cheval. Le Violoncelle est composé de quatre cordes en acier : Do, Sol, Ré et La. Il dispose d’un grand ambitus mais il est surtout à l’aise dans le registre grave. Il est cependant plus aigu que la Contrebasse et bien plus grave que le Violon.

Les cordes du Violoncelle sont numérotées de la corde la plus aiguë à la corde la plus grave :

  • Corde n°1 notée I = corde de LA : c’est la corde la plus aiguë
  • Corde n°2 notée II = corde de RÉ
  • Corde n°3 notée III = corde de SOL
  • Corde n°4 notée IV = corde de DO : c’est la corde la plus grave

Pour accorder son Violoncelle le plus courant est d’avoir la note LA pour référence. Une fois trouvée, on pourra accorder les autres cordes grâce aux quintes produites entre les cordes à vide. Pour trouver le LA, plusieurs possibilités : un accordeur, un diapason et même une application sur un smartphone.

Après avoir choisi l’un de ces outils, Dé-serrez légèrement la cheville de la corde que vous souhaitez accorder. Puis tournez la afin d’atteindre la note désirée. Testez le son produit par la corde en la pinçant avec votre doigt et comparez là à la corde suivante. En effet, vous devriez entendre une quinte juste (DO/SOL par exemple), intervalle caractéristique. Une fois la note cible trouvée, repoussez la cheville dans son emplacement afin qu’elle bloque et maintienne la corde. Répétez cette étape pour chaque corde.
Si la note est trop aiguë (# sur l’accordeur), il faut détendre la corde.
Si la note est trop grave (b sur l’accordeur), il faut tendre la corde.

Cette technique d’accord sera valable également pour le Violon, l’Alto et la Contrebasse (bien que les chevilles de cette dernière soit plus simple à verrouiller, ressemblantes à celles de la Guitare).

 

La Guitare

La Guitare est un instrument de musique à Cordes pincées. Elle a traversé diverses époques, sous différentes formes. On estime que la première Guitare remonte à 3500 ans. C’est au 19ème siècle, vers 1850 que la Guitare que nous connaissons aujourd’hui prend sa forme définitive et ce grâce au fabricant espagnol Antonio Torres. La Guitare possède 6 cordes que l’instrumentiste peut faire vibrer à l’aide de ses doigts ou en utilisant un médiator/plectre. Cependant, il existe aussi des Guitares possédant 12 cordes.

Pour régler la hauteur d’une corde, il suffit de tourner la mécanique correspondante de la corde sur la tête de la guitare. Les cordes sont numérotées de 1 à 6, en commençant par la corde la plus haute.
Tourner la mécanique vers l’extérieur de la guitare, tendra la corde et augmentera sa hauteur. Et inversement, tourner la mécanique vers vous, permettra de desserrer la corde et d’abaisser sa hauteur.

Pour pouvoir accorder sa Guitare avec un accordeur, il faut jouer chaque corde l’une après l’autre, l’accordeur interprétera les ondes sonores qu’il capte de votre guitare, et affichera les notes qu’il perçoit. Il vous dira si votre guitare est accordée en quelques secondes, et vous permettra de modifier la tension de la corde en conséquence pour ajuster sa hauteur.

Vous pouvez aussi accorder votre Guitare à l’aide d’applications gratuites et payantes pour smartphones sous iOS et Android.

La Guitare fait parti des instruments les plus pratiques pour composer. Découvrez la liste des autres instruments, tout aussi pratiques. 

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La Harpe

La Harpe est un instrument de la famille des cordes pincées. Son ancêtre, la Harpe sur cadre, apparait entre le 8ème et le 10ème siècle avant Jésus-Christ. La Harpe fut l’un des instruments de prédilection des musiciens ambulants en Europe jusqu’au milieu du 15ème siècle. L’instrument, telle que nous la connaissons aujourd’hui, remonte à 1810 environ.

Pour accorder une Harpe, il faut commencer par la première note qui servira ensuite de référence. Usuellement, on accorde le LA à partir du diapason, mais à défaut de diapason, on peut prendre pour référence un autre instrument déjà accordé ou un accordeur électronique. Il s’agit souvent du Hautbois à l’orchestre, ou du Piano à la maison. Il suffit alors de tendre ou de détendre les cordes en tournant les chevilles à l’aide de la clef d’accord.

En général, on tend en tournant la cheville dans le sens des aiguilles d’une montre et on détend dans l’autre sens.

L’accord à l’oreille se fait toujours de manière relative, c’est-à-dire d’une note par rapport à une autre. Pour accorder à l’oreille, il faut être attentif à un phénomène d’interférence entre les harmoniques que l’on appelle battements.

 

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Le Piano

Le Piano est un autre instrument de la famille des Cordes, plus particulièrement à Cordes frappées. Les cordes sont misent en vibration par des marteaux couverts de feutrine. Le Piano-Forte, ancêtre du Piano moderne, crée par Bartolomeo Cristofari, est né au 17ème siècle. L’invention du Piano s’inspire du Tympanon médiéval et du Clavicorde qui sont des instruments à cordes frappées. L’instrument fut d’abord baptisé “ Clavicembalo col piano e forte “ qui signifie “Clavecin pouvant jouer Piano et Forte”. Cette appellation fut abrégée au profit du nom Piano.

Certains spécialistes diront qu’il faut accorder son Piano jusqu’à une fois par trimestre, soit quatre fois par an et d’autres disent qu’une fois par an est largement suffisant. Accorder un Piano est une succession d’opérations qui peuvent s’avérer complexes. Il est fortement conseillé de faire appel à un professionnel qui pourra accorder votre Piano correctement. Le faire soi-même requiert une bonne oreille ou un appareil de mesure adapté ainsi qu’une fine connaissance de l’harmonie. Enfin, cela nécessite également d’avoir un matériel adapté.

Le principe de base de l’accordage ressemble à celui de la Harpe. Grâce à une clef d’accord, l’accordeur vient tourner les chevilles des cordes, directement sur le cadre en fonte de l’instrument. Certains principes plus complexes rentrent ensuite en ligne de compte, comme par exemple le fait d’accorder plus haut que le son demandé, certaines parties du clavier, pour compenser certains phénomènes acoustiques. L’accordeur se servira soit d’un appareil, pour trouver la bonne hauteur des notes, soit tout simplement de son oreille relative en réglant les notes les unes par rapport aux autres, grâce à une note de départ de référence.

Il existe un manuel très complet qui montre aux musiciens comment entretenir leur Piano, mais aussi comment l’accorder. Ce livre contient toutes les étapes pour accorder votre piano, et des images qui vous aideront à mieux comprendre le fonctionnement de votre instrument :

  • Le piano : Accord, entretien et restauration, d’Arthur A. Reblitz.

 

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Conclusion

Tous les instruments faisant partie de la famille des Cordes, finissent par se désaccorder. La chaleur, l’hygrométrie ou tout simplement l’usage y participent. Bien accorder son instrument demande de la patiente et de la pratique. Chacun de ces instruments possède sa propre façon d’être accordé. Évidemment, il existe diverses méthodes pour accorder son instrument mais beaucoup recommande de s’accorder sur le LA du diapason, car c’est une note de référence utilisée par tous les musiciens et disponible sur tous les accordeurs. Avec la méthode de déchiffrage Sight-O, vous disposerez de deux LA : 440hz et 442hz, afin de pouvoir vous accorder avant de commencer vos exercices. Testez gratuitement la méthode ICI, et progressez rapidement !

 

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Piano acoustique ou numérique : comment choisir ?

Que l’on s’attelle au répertoire Classique, Jazz ou même Pop, le Piano offre une immense palette expressive. Le Piano est l’instrument le plus utilisé par les compositeurs, notamment en France, c’est ce qui fait de lui la “star” des instruments. Cependant, beaucoup de nouveaux pratiquants ne savent que choisir entre un Piano acoustique et un Piano numérique. Nous pouvons peut-être vous aider à faire votre choix. Découvrez dans cet article les avantages et les inconvénients du Piano acoustique et numérique.

 

Le Piano acoustique

Le Piano acoustique propose une grande variété d’expressions musicales et un touché privilégié. C’est pourquoi il a séduit de nombreux musiciens exigeants. Le fonctionnement de ce Piano est mécanique : les touches animent des marteaux qui frappent les cordes de diamètres variables. Ces cordes vibrent tout en étant amplifiées par la table d’harmonie.

Les avantages du Piano acoustique :

Un piano droit ou à queue est un instrument acoustique qui vibre et résonne. Il donne une sensation sonore plus directe et réaliste qu’un Piano numérique. Le son sera plus puissant sur un Piano à queue et offrira au pianiste une sensation de jeu plus précise et aboutie. De plus, le Piano à queue se présente comme un meuble luxueux qui donne une touche de charme et d’élégance au décor de la maison.
Pour un pianiste virtuose ou même un professeur de conservatoire, rien ne peut égaler un Piano acoustique. Avec un tel instrument, le pianiste peut jouer précisément toutes les nuances, du pianissimo au fortissimo, avec facilité et équilibre. Cependant, la qualité du rendu sonore de l’instrument dépendra de la force de frappe ou du touché de l’exécutant. En jouant sur un Piano acoustique, le pianiste peut également bien mieux travailler la souplesse et la puissance de ses doigts.
Ajoutons que le Piano acoustique est équipé de pédales fixes très résistantes, ce qui optimise le confort d’usage du musicien.
Pour des raisons de place ou de budget, il existe également les Pianos droits. Ces Pianos peuvent plus facilement s’intégrer dans votre logement et le coût en sera moins élevé. La puissance de l’instrument sera moindre et le son, moins précis. La raison budgétaire fait que le Piano droit est l’instrument le plus présent dans les écoles de musique, en comparaison du Piano à queue.
Pour débuter l’apprentissage du Piano, tous professeurs conseillera d’utiliser un Piano acoustique.
Pour finir, le Piano possède une forte longévité lorsqu’il est entretenu avec soin. Un bon nettoyage, un accord régulier et un réglage par un professionnel sont nécessaires lorsque vous possédez cet d’instrument.

Les inconvénients du Piano acoustique :

Le Piano acoustique est un instrument qui peut être fragile, d’autant plus si il s’agit d’un modèle à queue. Il est conçu avec des mécaniques de précision et son entretien peut s’avérer délicat. De plus, le Piano est un objet encombrant. Son emplacement est à choisir minutieusement car il ne supporte pas la variation de température et l’hygrométrie de l’air. Pensez également aux qualités acoustiques de la pièce qui le recevra.
Son poids aussi est un inconvénient. Sans l’aide de déménageurs spécialisés et assez coûteux, il est quasi impossible de le transporter sans l’endommager.
Il faut aussi ajouter que les vibrations du piano se propagent dans les murs et les planchers lorsque vous jouez ce qui peut s’avérer être une nuisance pour les voisins. Pour remédier à ce problème, certains fabricants proposent des instruments acoustiques avec un système silencieux comme Yamaha et Kawai :

  • Yamaha B1 SC2 PE
  • Kawai E-200 ATX3-L SB Piano

Un autre inconvénient du Piano acoustique est qu’il se désaccorde au fil du temps. Cela est dû à l’humidité et aux changements de température, mais aussi à la tension des cordes qui se modifie et diminue. L’accordage est un processus méticuleux, souvent réalisé par un accordeur professionnel. En général, un Piano acoustique doit être accordé au moins une fois par an.
Acheter un Piano acoustique est un réel investissement. Le coût de l’instrument, surtout lorsqu’il est de grandes marques, est très élevé. Cependant, il existe une solution. Il est possible de le louer au lieu de l’acheter. Il y’a plusieurs avantages à cette solution : apprendre le piano nécessite du temps, des heures de travail et parfois, par manque de temps, on arrête son apprentissage. Dans ce cas-là, l’arrêt de location est rapide et simple.
Louer permet aussi de changer de Piano au fur et à mesure de son apprentissage : commencer avec un Piano premier prix pour ensuite évoluer vers un Piano acoustique de qualité supérieure.

L’un des instruments favoris des français est le Piano, découvrez dans cet article la liste des autres instruments !

 

Le Piano numérique

Le Piano numérique est une version plus moderne du Piano acoustique. Il est disponible dans de nombreuses tailles, avec plus ou moins de fonctionnalités et dans diverses gammes de prix.

Les avantages du Piano numérique :

Les Pianos numériques sont plus compacts, plus légers donc plus facilement transportables. De plus, ils ne craignent ni les variations de température ni l’humidité (n’y versons pas un seau d’eau). Autrement dit, il est beaucoup moins sensible à son environnement que peut l’être le Piano acoustique. Il est aussi moins cher, plus petit et discret car il ne possède pas toute la mécanique du Piano acoustique.
Puisqu’il ne possède pas toutes les pièces mécaniques du Piano acoustique, il n’a nul besoin d’être accordé et vous pouvez tout simplement baissez le volume et vous entrainer avec un casque. Cela évitera les nuisances sonores qui pourront déranger vos voisins.
Sur certains modèles se trouvent deux sorties casques, des ports USB et/ou MIDI, des sorties audio et parfois des entrées audio. Cela vous permettra de brancher votre Piano numérique à un ordinateur, du matériel d’enregistrement ou des amplificateurs. Qui plus est, les modèles les plus récents sont souvent compatibles avec des applications. Il devient alors plus facile de suivre des cours à distance ou en ligne. La composition avec un Piano numérique est également très pratique et permet la saisie de partitions en un temps record grâce à des applications adaptées.

Dans cet article retrouvez les meilleures applications gratuites pour la saisie de vos partitions de musique.

 

Les pianos numériques ont connu un développement remarquable dans la qualité des claviers et des sons. La mécanique sophistiquée du clavier et les sons échantillonnés font en sorte que la différence de son et de touché entre un Piano acoustique et numérique soit minime.

Les inconvénients du Piano numérique:

Les touches du Piano numérique manquent parfois d’un peu de dynamisme. Même si vous maîtrisez la force de frappe, vous ne pouvez pas obtenir les nuances les plus précises. De plus, les pédales de l’instrument sont souvent en plastique, désolidarisées de l’instrument et peuvent manquer de robustesse.
D’un point de vue écologique, le Piano numérique aura besoin d’être branché sur secteur. Ce qui en fait un consommateur d’électricité, à contrario du Piano acoustique.
Cet instrument vous prive également de cette sensation agréable appréciés des pianistes, au moment d’enfoncer les touches : percuter la corde. Il est également convenu de dire que le son du numérique ne pourra jamais remplacer le son naturel de Piano acoustique.

Piano acoustique ou numérique : comment choisir ?

Alors, lequel choisir ?

Il y’ a plusieurs paramètres à prendre en compte lors du choix : le budget, la place disponible, le toucher, si vous être débutant ou pas. Tous ces critères vous permettront de choisir le Piano qui vous conviendra.
Toutefois, il existe une technique pour rallier le Piano acoustique et le Piano numérique. Il est question de greffer un système numérique sur votre piano acoustique. Vous pourrez le demander lors de la commande de votre Piano et il sera conçu ainsi en usine. Ce “ 2 en 1 ” vous permettra de jouer sur un des deux systèmes, c’est-à-dire de bénéficier d’un piano acoustique en journée et de pouvoir travailler au casque en soirée. Seulement quelques marques prestigieuses proposent cette alternative, qui reste cependant très coûteuse.

Conclusion

En fonction de chaque personne et de leur situation, le choix du Piano peut varier. Certains préféreront la praticité et le poids du numérique. D’autres l’acoustique avec le son et le touché inégalable qui le caractérise. Il n’y a ni bon, ni mauvais choix, seulement des cas de figures qui vous seront propres. Il y a autant de sons et de type de clavier qu’il y a de fabricants voire de modèles. Le mieux reste à demander conseils auprès de spécialistes au moment de l’achat, en vous rendant en boutiques. Ils sauront mieux que personne vous conseiller et vous guider. Le plus important et que vous vous sentiez bien avec votre nouveau Piano.

 

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Les instruments de musique les plus pratiques pour composer

Les instruments de musiques les plus pratiques pour composer

Certains commencent par les paroles, d’autres par la mélodie… Certains préfèrent une composition instrumentale, d’autre un chant à capella. Une question nous vient : quel instrument de musique choisir pour composer ? Quel est le plus pratique pour cette tâche toute particulière ? Il existe des centaines d’instruments, mais il y’en a tout même quelques-uns qui comportent des avantages pour composer. Découvrez dans cet article les instruments de musique les plus pratiques pour composer.

 

La Guitare

Un grand nombre de titres d’anthologie ont été composés sur une guitare, et c’est d’ailleurs l’un des instruments les plus facile à apprendre.

Les atouts de la Guitare :

L’un des premiers points fort de la Guitare est sa praticité, nul besoin d’électricité, ni d’un emplacement spécifique. Elle est facile à transporter et s’adapte parfaitement à n’importe quel genre de musique actuelle et classique. Une des forces de la Guitare est qu’elle vous permettra de réaliser à la fois la mélodie et l’harmonie de vos compositions.
La Guitare est un instrument facile à apprendre. Il suffit de quelques mois de pratiques régulières pour vous permettre de connaître suffisamment d’accords et pour ainsi écrire vos premières chansons et compositions. D’autant plus que la Guitare est un instrument qui garde un prix modéré.
La qualité du son aussi est un des avantages de cet instrument : Jazz, Pop, Rock, Classique, peu importe votre univers musical, il est possible d’adapter la Guitare selon vos envies. À cela, elle apporte une touche un peu “groovy“, qui lors de la composition aide à trouver les bonnes rimes et les bonnes tonalités. De plus elle met en valeur le timbre de voix du chanteur.

Les inconvénients de la Guitare :

Cependant, la Guitare possède deux défauts : il est difficile de jouer des accords et une mélodie en même temps. Cela est possible mais il vous faudra être à un niveau avancé. Vous serez donc obligé de chanter sur vos accords pour trouver les mélodies de vos compositions (ce qui peut tout de même être une très bonne chose). Le second défaut est que la Guitare est un instrument un peu plus compliqué à comprendre comparé au Piano. Avec la Guitare, on peut retrouver une même note à plusieurs endroits du manche. Cela peut rendre la compréhension de la composition des accords compliquées. On rappelle qu’un accord est l’assemblage de plusieurs notes jouées à la fois. Il sert à accompagner une mélodie qui, elle, sera constituée de plusieurs notes jouées indépendamment, à la suite les unes des autres.

Voici quelques conseils pour composer à la Guitare :

  • Bien connaitre vos accords et vos gammes sur le manche. Cela vous permettra de pouvoir créer sans accrocs et vous concentrer uniquement sur votre musique. Pour commencer, concentrez-vous sur la gamme de Do Majeur et ses accords pour chaque degrés. Vous pourrez ensuite aisément mélanger les accords des différents degrés entre eux, tout en entonnant une mélodie qui les magnifiera.
  • Tentez de composer à la Guitare dans d’autres gammes faciles pour l’instrument. Par exemple celle de Sol Majeur, qui contient avec Do Majeur le plus d’accords faciles.

 

Le Piano

Le Piano permet à la fois de jouer des accords et des mélodies. Cela va vous permettre de placer votre mélodie aisément dans votre composition, si vous ne souhaitez pas chanter en même temps.
L’autre avantage du piano c’est sa facilité de compréhension et d’apprentissage. Toutefois, apprendre l’indépendance des deux mains ainsi que la clé de Sol et de Fa en même temps, peut être une épreuves ardue. La position adoptée et le mouvement des doigts est beaucoup plus naturelle sur un Piano que sur une Guitare ou un même un Violon. De plus la transition, quand vous allez passer d’un autre instrument au Piano, se fera très bien vue les bases acquises.
On ajoute à cela, que le Piano est un instrument polyphonique, c’est-à-dire qu’il peut jouer plusieurs sons en même temps. Quand on joue d’un instrument monophonique – un son après l’autre -, le processus de composition peut être plus délicat, et nécessitera une oreille intérieure bien développée. Or, avec le piano, vous pouvez avoir facilement 5 ou 6 octaves et pouvoir enrichir votre composition en jouant avec la bonne hauteur de note.
Comparé à la Guitare, le Piano bénéficie d’un meilleur repère visuel au niveau des notes : Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La-Si et les altérations qui viennent avec, différenciée par la couleur de touches noires.

Vous planifiez l’achat d’un Piano mais vous ne savez pas lequel choisir : acoustique ou numérique ? Lisez notre article pour vous aider à faire votre choix. 

 

Les instruments de musiques les plus pratiques pour composer

 

Il existe aussi deux autres instruments un peu moins utilisés que le Piano et la Guitare mais tout aussi intéressant pour la composition : L’Autoharpe et l’Accordéon.

L’Autoharpe

L’Autoharpe est un instrument à cordes pincées, de forme trapézoïdale. On l’identifie en partie grâce à son ouïe centrale circulaire accompagnée de ses 36 cordes. L’instrument se joue avec un médiator. Sur son corps sont situés des boutons permettant de jouer des accords. En appuyant sur un bouton, celui-ci va bloquer certaines cordes pour produire un son grâce aux autres cordes, laissées libres.
Cet instrument est conçu pour jouer des accords. Il dispose d’un son très spécifique rappelant la Harpe ou la Lyre. Un point qui facilite son apprentissage est que sur l’Autoharpe est inscrit le nom des accords. De plus c’est un instrument facilement transportable grâce à sa taille compacte.
Cependant il y’a une limite au niveau des accords – tout comme l’Accordéon – et les accords complexes vous seront plus difficile à produire.

 

Les instruments de musiques les plus pratiques pour composer

L’Accordéon

L’accordéon est un choix envisageable pour la composition. À l’image du Piano, il permet de jouer des accords très facilement grâce à son clavier main gauche et de jouer des mélodies grâce à son clavier main droite. Il est aussi plus facilement transportable, mais peut être moins qu’une Guitare, à cause de son poids.

Il reste cependant plus limité qu’un piano ou qu’une guitare au niveau des accords. En effet les accords étant déjà “ paramétrés ” il est difficile, de réaliser des accords complexes. C’est l’un des points communs qu’ont l’Accordéon et l’Autoharpe.

Un autre défaut est qu’il a une sonorité très connotée, ce qui peut plaire à certains et à d’autres non. Et enfin, un Accordéon dispose d’un prix assez élevé, il faut compter environ 1000€ pour un Accordéon de première qualité.
Un conseil est de choisir un Accordéon chromatique, sinon vous aurez encore plus de limitations au niveau des accords.

 

Conclusion

Les instruments présentés disposent d’atouts et peuvent être considérés comme des instruments pratiques pour composer. La Guitare pour sa facilité de transport et sa capacité à être jouée facilement. Le Piano qui permet de bien comprendre la science des accords. Enfin, l’Autoharpe et l’Accordéon pour leur facilité et rapidité à produire des accords. Nous vous invitons donc à tester ces instruments pour voir lequel vous convient le mieux. Si vous jouez déjà de l’un ou l’autre, il ne vous reste plus qu’à vous mettre au boulot !

 

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Tout ce qu’il y a à comprendre sur le langage musical

Tout ce qu'il y a à comprendre sur le langage musical

Bon nombre de personnes pensent pouvoir faire de la musique sans connaître le jargon qui l’accompagne. Certes, d’innombrables musiciens peuvent vous émouvoir aux larmes, même s’ils sont incapables de distinguer un Ab d’un F#. Cependant, connaître le langage de la musique facilite la collaboration avec d’autres musiciens. Cette compétence peut également vous aider à être plus créatif. Voici un court article à propos du langage musical.

 

Le langage musical : c’est quoi ?

Le langage musical est la combinaison de sons et de silences de manière organisée. Il s’agit d’un art commun à toutes les sociétés humaines.
Le langage musical est un langage universel. Saviez-vous qu’il existe environ 7 000 langues parlées dans le monde ? Il existe un fossé de communication entre les cultures des êtres humains. Cependant, il existe une langue que tout le monde comprend, qu’importe le pays d’origine ou la langue maternelle : la musique. Les auditeurs partagent les mêmes émotions en entendant des accords et des mélodies similaires.
Le rythme, la mélodie et l’harmonie sont les aspects essentiels d’une performance musicale. Ils sont appelés les éléments de base de la musique.

Le rythme

Le rythme est le motif du son, du silence et de l’emphase dans une partition. En plus d’indiquer quand les notes sont jouées, le rythme musical stipule également combien de temps elles sont jouées et peut donner de précieuses informations sur leur intensité. Il crée ainsi différentes durées de notes et différents types d’accents, grâce aux appuis rythmiques caractéristiques des figures employées.
Plusieurs éléments de base comprennent les principes fondamentaux du rythme musical :

  • Les chiffres indicateurs

    Ils indiquent le nombre de temps par mesure et la valeur de ces battements. Les chiffres indicateurs avec un 4 en dénominateur, comme 2/4, 3/4, 4/4, 5/4, etc., un temps correspond à une noire. Dans une signature rythmique avec un 8 en bas comme 3/8, 6/8 ou 9/8, un temps correspond à une croche. 16, à une double-croche. 2, à une blanche et 1, une ronde. Pour vous donner un exemple, 2/4 signifie qu’il y aura deux (2) noires (4) par mesure.

 

  • Binaire ou Ternaire

    La théorie musicale divise les chiffres indicateurs en deux familles : le Binaire où les battements suivent une logique par deux ou quatre (2/4, 4/4, 2/2, etc…), le Ternaire où les battements suivent une logique par trois (6/8, 9/8, 12/8, etc…).

 

  • Tempo

    Le tempo est la vitesse à laquelle un morceau de musique est joué. Il existe trois moyens principaux de communiquer le tempo aux joueurs : les battements par minute, la terminologie italienne comme allegro, presto et la langue moderne. Le caractère du morceau est parfois indiqué à côté du tempo, par exemple : “ Enjoué ”, “ Avec force ”, “ Gaiement ”,…

 

  • Temps forts et temps faibles

    La musique populaire et la musique classique combinent des Temps forts et des Temps faibles pour créer des motifs rythmiques mémorables. Pour exemple, la Valse : le premier temps est fort, le deuxième et le troisième sont faibles.

 

  • Syncope

    Un rythme syncopé met l’accent sur les temps faibles traditionnels et se joue des appuis rythmiques “ traditionnels ”. Les rythmes complexes ont tendance à inclure la syncope. Un rythme syncopé typique : croche / noire / croche.

 

  • Accents

    Les accents font référence à des intonations spéciales sur certains temps. Ils sont représentés par des symboles comme le point (.) ou encore l’accent (>).

 

  • La Polyrythmie

    Consiste à superposer un type de rythme au-dessus d’un autre. Les polyrythmies prendraient racines dans les rythmes africains et indiens et se sont répandues dans toutes sortes de musiques à travers le monde.

 

Tout ce qu'il y a à comprendre sur le langage musical

 

La mélodie

Une mélodie est une succession de notes de musique qui, selon sa qualité, sera agréable ou pas à l’écoute. En musique classique, on l’appelle “Motif”, et chez Wagner, on emploie également le terme “ Leitmotiv ” pour caractériser une mélodie qui revient de manière redondante tout au long d’une oeuvre. Les compositions musicales peuvent être des groupements de plusieurs mélodies qui sont tissées avec d’autres composants au sein d’une structure, pour rendre la pièce plus riche. Les mélodies mémorables sont la plupart du temps uniques, même si certaines peuvent sembler similaires les unes aux autres. Dans la musique populaire, elles sont généralement simples dans le but d’être rapidement retenues et peuvent se répéter tout au long d’une chanson.
Les instruments à percussion peuvent également jouer des mélodies, mais elles seront beaucoup plus centrées sur les durées rythmiques que sur les hauteurs des sons. On parlera parfois plutôt de “ Motif rythmique ”.

L’harmonie

Une harmonie est l’empilement de plusieurs notes pour créer un accord qui produira un matériau sonore unique. Deux ou plusieurs sons sont joués simultanément, et donnent un résultat unifié sur le plan sonore. Comme dans un orchestre : le flûtiste joue une note, le violoniste joue une note différente et le tromboniste joue encore une note différente. Mais lorsque leurs parties individuelles sont entendues ensemble, l’harmonie est créée.
L’harmonie est généralement analysée comme une série d’accords. Lorsque tous les instruments d’un ensemble jouent des notes qui correspondent au même accord fondamental, on parle d’accord consonant. Cependant, lorsque les musiciens utilisent une ligne mélodique autre que l’accord fondamental, il est considéré comme un accord dissonant. La dissonance pourra être très belle et harmonieuse, selon la finesse et la maitrise par laquelle elle est écrite par le compositeur.

 

Tout ce qu'il y a à comprendre sur le langage musical

Les accords

Un accord est une combinaison de trois ou plusieurs notes uniques. Deux notes ne suffisent pas pour créer un accord. On parlera alors d’intervalle. Les accords sont construits à partir d’une note, appelée note fondamentale.
Il existe 8 caractéristiques d’accord que chaque musicien doit connaître :

  • Majeur

    Il semble heureux et simple. Un accord majeur se compose d’une note fondamentale (celle du nom de l’accord, par exemple Do pour un accord de Do Majeur), d’une tierce majeure (+4 demi-tons) et d’une quinte parfaite (+7 demi-tons).

 

  • Mineur

    Il est considéré comme triste et sérieux. Un accord mineur est créé à partir d’une note fondamentale, d’une tierce mineure (+3 demi-tons) et d’une quinte parfaite (+7 demi-tons).

 

  • Diminué

    Il paraît tendu et désagréable. Un accord diminué est arrangé comme suit : une note fondamentale, d’une tierce mineure (+3 demi-tons) et d’une quinte diminuée (+6 demi-tons).

 

  • Septième majeur

    Il paraît doux. Il est couramment utilisé dans le Jazz. Un accord de septième majeur est constitué d’une note fondamentale, d’une tierce majeure (+4 demi-tons), d’une quinte parfaite (+7 demi-tons) et d’une 7ème majeure (+11 demi-tons).

 

  • Septième mineur

    Évoque en quelque sorte la mauvaise humeur. Un accord de septième mineure est formé d’une note fondamentale, d’une tierce mineure (+3 demi-tons), d’une quinte parfaite (+7 demi-tons) et d’une septième mineure (+10 demi-tons).

 

  • Septième dominante

    Il est réputé comme fort et agité. Il se trouve dans le jazz et le blues. Un accord de septième dominante se compose d’une note fondamentale, d’une tierce majeure (+4 demi-tons), d’une quinte parfaite (+7 demi-tons) et d’une septième mineure (+10 demi-tons).

 

  • Augmenté

    Il semble anxieux et plein de suspense. Un accord augmenté est créé par une note fondamentale, d’une tierce majeure (+4 demi-tons) et d’une 5e augmentées (+8 demi-tons).

 

  • Sus

    Il est comme brillant et nerveux. Un accord sus se compose d’une note fondamentale, d’une seconde majeure (+2 demi-tons) et d’une quinte parfaite (+7 demi-tons).

Vous souhaitez transposer des accords au Piano ? Découvrez la marche à suivre !

 

 

 

Conclusion :

Comprendre le langage musical est un vaste programme ! Nous espérons que vous avez trouvé dans cet article le début d’un chemin aussi passionnant que long à emprunter. Internet regorge de contenus qui vous permettront d’y voir plus clair.

 


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Apprendre le Solfège seul : méthode et pédagogie

Apprendre le Solfège seul : méthode et pédagogie

 

 

Que vous soyez chanteur, pianiste ou guitariste, produire la bonne note et pouvoir l’entendre est essentiel. Le Solfège, aussi appelé Formation Musicale, est une étape importante dans l’amélioration des compétences auditives et musicales. Le pratiquer est nécessaire pour tout musicien désireux d’approfondir sa pratique musicale. Le travail de l’oreille est primordial : plus les oreilles d’un musicien sont développées, meilleur il sera à interpréter et/ou à composer. Pourtant, cet apprentissage peut parfois être difficile, car il nécessite l’utilisation du chant (nous ne sommes pas tous égaux dans ce domaine!) et une certaine réflexion théorique. Prendre le temps de s’initier au Solfège est pourtant intéressant à plus d’un titre. Les avantages s’étendent non seulement à vos capacités techniques avec votre instrument, au chant mais aussi à la compréhension de l’harmonie, du rythme et d’autres aspects fondamentaux de la musique écrite. Nous vous présentons une partie des méthodes à adopter pour apprendre le Solfège seul.

 

Prendre son temps

Comme dans la plupart des domaines de la musique, si vous n’avez jamais côtoyé le Solfège, la clé est de commencer lentement. Si vous avez une certaine expérience en musique, votre point de départ pourra être plus rapide car vous comprendrez plus vite certains principes théoriques qui vous paraîtront concrets. Un vrai plus avant de s’attaquer à l’apprentissage du Solfège est de connaître suffisamment bien votre voix, de la faire correspondre à la bonne tessiture et d’être capable de chanter une mélodie simple. Si vous avez besoin de travailler là-dessus, commencez par là. Une fois que vous serez prêt à affronter le Solfège avec l’aide du chant, les exercices vous paraitront plus simples. Notamment dans le travail de l’oreille. Les quelques bases indispensables du Solfège sont :

  • Distinguer les notes : ronde, blanche, noire, etc.

 

  • Découvrir les rythmes, les mesures et les sigles de base d’une partition.

Savoir lire les notes renforcera votre confiance et éliminera toute hésitation que vous pourriez ressentir. Vous devez les connaitre sur le bout des doigts. Commencez toujours par un tempo lent afin de ne rien oublier et de ne pas prendre de mauvaises habitudes. Parcourez quelques extraits au même tempo, et une fois que vous aurez l’impression de maitriser les notes, augmentez lentement le tempo. Par la suite, faites la même chose à un tempo plus rapide, et ainsi de suite.

Pour apprendre facilement et efficacement le Solfège, vous devez faire de vos exercices de Solfège une étape régulière de votre routine hebdomadaire. Même une activité aussi simple que de chanter quelques exercices vocaux de base, dans les modes majeurs et mineurs peut vous apporter des avantages. Commencer avec des exercices simples vous garantit de gagner en confiance. Apprendre les différentes gammes majeures et mineures, de même que les exercices d’intervalle, sont un bon point de départ. Même si ce n’est pas l’apprentissage le plus passionnant, il vous permettra de travailler votre oreille par le chant, et d’intégrer d’une manière très concrète les différentes échelles.

 

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Le déchiffrage : un exercice adéquat à pratiquer après l’apprentissage du Solfège

Pour tirer le meilleur parti de l’apprentissage du Solfège, engagez-vous dans un mélange d’exercices de routine. Lecture de notes préparées, lecture rythmique préparées, chant et, surtout pratiquez le déchiffrage. Le déchiffrage est l’action de lire une partition pour la première fois. Ses avantages sont nombreux : vous n’apprenez pas votre morceau par coeur et lisez vraiment la partition. Cela entraine que vous pourrez lire n’importe quelle partition, une fois votre technique bien développée. Pour bien déchiffrer, il vous faut développer quelques réflexes et savoirs faire, que Sight-O vous enseigne avec une méthode très progressive. Vous voulez l’essayer ? C’est ici.

Si cela fait longtemps que vous n’avez pas pratiqué le Solfège, n’ayez pas peur de vous rafraîchir la mémoire avec des exercices de base. Les cours en ligne offrent des avantages qui ne sont pas à négliger. Il existe de nombreux jeux de formation d’oreille et de bonnes ressources de solfège. Voici quelques applications d’apprentissage du Solfège, vous pouvez aussi consulter notre article sur les meilleures applications de travail l’oreille musicale.

 

Apprendre le Solfège seul : méthode et pédagogie

La méthode du Do mobile pour entraîner l’oreille

L’entraînement de l’oreille consiste à développer une oreille musicale mélodique et harmonique précise. Cette étape implique d’apprendre à reconnaître les intervalles, les accords et les types de progressions d’accords. Il n’est donc pas surprenant que l’apprentissage du Solfège en Do mobile soit très utile pour l’entraînement de l’oreille de tout musicien.

Par exemple, si vous entendez la note  “ Si ” monter à “ Do ”, quelle que soit la tonalité, vous saurez déjà que l’harmonisation de la mélodie ira du 5e degré (la dominante) vers le 1er degré (la tonique), et que l’intervalle sera une quarte parfaite. Mieux encore, vous pourrez reconnaître le son de l’intervalle, ce qui vous permettra de l’identifier instantanément dans d’autres morceaux. Les mélodies sont simplement constituées de plusieurs intervalles les uns à la suite des autres, ou en d’autres termes, d’une “ syllabe ” après l’autre. Apprendre à reconnaître une mélodie en associant des syllabes à des différences de hauteur contribue considérablement à l’entraînement de l’oreille musicale.

Apprendre le Solfège seul : méthode et pédagogie

S’aider d’un instrument

L’utilisation d’un instrument de musique est un excellent moyen de vérifier l’exactitude de vos notes. Cela a aussi l’avantage de rendre concret votre apprentissage.

Pour cet exercice, nous vous recommandons vivement d’utiliser un Piano. Vous pouvez opter pour un instrument différent. Cependant, les notes jouées sur un Piano sont plus faciles à produire. Les hauteurs seront exactes (pas de problème de justesse) et l’aspect visuel du clavier vous aidera beaucoup. Ce système entraînera votre oreille à entendre des mélodies et à reconnaître les relations d’intervalles entre les hauteurs. Vous serez capable de les noter rapidement et facilement. Chantez une note, puis jouez-la sur un Piano et comparez le résultat. Par exemple, chantez “ Ré ” dans la gamme de Do majeur, puis voyez si elle concorde avec le “ Ré ” sur le piano. Vous pouvez faire le contraire si vous trouvez cet exercice trop difficile. En d’autres termes, jouez d’abord la note, puis chantez-la, et enfin rejouez-la pour vérifier si vous êtes sur la hauteur.

 

 

Conclusion :

Vous l’aurez compris, apprendre le Solfège seul n’est pas chose aisée. Cela reste cependant faisable si vous êtes motivé et désireux de développer vos compétences à l’instrument. Dans cet article, nous avons volontairement mis l’accent sur le chant et le travail de l’oreille.  En effet, il nous faudrait des milliers de mots pour faire le tour de la question. Notez qu’il vous faudra développer des compétences en Lecture de notes, Lecture de rythmes et en Théorie musicale pour devenir un musicien épanoui. Nous vous conseillons donc de vous rapprocher d’un professeur pour parfaire votre apprentissage. Si vous souhaitez tout de même apprendre seul, sachez qu’il existe un nombre conséquent d’outils en ligne pour vous aider. Parmi eux, Sight-O est la meilleure application sur laquelle vous entrainer en Déchiffrage. N’hésitez pas à tester l’application pour faire vos premiers progrès en lecture à vue, c’est gratuit !

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La marche à suivre pour transposer des accords au Piano

La marche à suivre pour transposer des accords au Piano

En musique, la transposition consiste à prendre un morceau, ou une partie d’un morceau se trouvant dans une gamme (ou “ tonalité ”), et à le déplacer – à l’identique – vers une autre. On parle donc d’un changement de tonalité. Un morceau dans une tonalité majeure ou mineure peut être transposé dans n’importe quelle autre tonalité mineure ou majeure. D’un point de vue acoustique, une fois transposée, la partition aura une hauteur de son plus haute ou plus basse. Découvrez comment transposer des accords au Piano.

 

Pourquoi transposer ?

La transposition est souvent utilisée par les pianistes accompagnateurs, les arrangeurs, les compositeurs et les interprètes. Pour certains instruments de musique, cette technique est plus aisée que d’autre. Une Guitare peut par exemple utiliser un Capodastre, pièce à placer sur le manche pour changer de tonalité sans changer ses doigtés. Un Clavier électronique peut présenter des boutons pour changer les tonalités automatiquement. Par contre, sur un Piano acoustique, la transposition se fait manuellement.

 

Les situations qui peuvent vous obliger à changer la tonalité d’un morceau de musique

  • Pour le mettre dans la bonne tonalité pour les chanteurs. Si vous travaillez avec un ou plusieurs chanteurs, votre principale préoccupation dans le choix d’une tonalité est de trouver la gamme qui correspond à leur tessiture (la tessiture est l’écart entre la note la plus basse et la note la plus haute qu’un chanteur est capable d’exécuter). Si votre ou vos chanteurs sont aux prises avec des notes trop hautes ou trop basses, changer la tonalité pour adapter une oeuvre dans leur tessiture se traduira logiquement par une meilleure performance. Une fois que vous avez déterminé l’intervalle nécessaire, assurez-vous que ce sera une tonalité confortable pour tous vos musiciens.

 

  • Les musiciens peuvent également trouver qu’une partition est plus facile à jouer si elle est dans une tonalité différente.

 

  • Les musiciens avec des instruments transpositeurs (c’est à dire ne jouant pas en Do ou Ut) devront correctement transposer les partitions avant de pouvoir jouer un morceau si leur partition ne prend pas déjà en compte les caractéristiques de leur instrument. La Clarinette et le Saxophone sont par exemple des instruments transpositeurs très répandus. La Clarinette est généralement un instrument en Si bémol, même elle existe dans plusieurs autres tonalités, par exemple la Clarinette en Mi bémol (dite petite Clarinette). Il faut donc transposer les parties en Do d’un ton pour les instruments en Si bémol. Tandis que les Saxophones Alto et Baryton sont des instruments en Mi bémol. Il faudra transposer les parties d’une sixte majeure pour le Saxophone Alto, et d’une octave plus une sixte majeure pour Saxophone Baryton.

 

La marche à suivre pour transposer des accords au Piano

 

Comment transposer au Piano ?

Il est important de savoir quelles notes se trouvent dans chaque tonalité/gamme lorsque vous transposez, en particulier lorsque vous le faites spontanément. De plus, déterminer sa tonalité de départ et celle d’arrivée est primordiale. Choisir votre transposition, à bien des égards, s’agit de l’étape la plus importante. La transposition que vous choisissez dépendra de la raison pour laquelle vous l’effectuez. Si vous l’avez choisi parce que vous voulez une tonalité particulière, vous devez déjà savoir quelle armure utiliser. Il importe de connaître l’intervalle entre l’ancienne et la nouvelle transposition, mais aussi la nouvelle armure. Cette étape est importante. Si vous utilisez la mauvaise armure, la transposition ne fonctionnera pas.

 

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Les différentes technique pour transposer efficacement une oeuvre

  • La transposition spontanée. Encouragée dans bon nombre de méthodes, la transposition spontanée se base sur l’oreille du musicien, qui va tenter de reproduire une mélodie entendue dans une tonalité différentes de celle d’origine. Pour arriver à ce résultat, la pratique régulière du chant et d’un travail de l’oreille est vivement conseillée. Une fois les réflexes acquis, il sera question de s’entrainer sur son instrument. Tout d’abord avec des motifs mélodiques simples, que l’on complexifiera au fil du temps.

 

  • La transposition par intervalle. L’intervalle est la distance entre deux notes. Si vous avez choisi la transposition parce que vous vouliez un intervalle particulier, la tonalité changera avec l’intervalle. Après avoir déterminé votre tonalité de départ et celle d’arrivée, vous devrez déplacer les notes de l’intervalle choisi. Cette transposition nécessite une certaine préparation au préalable de la prestation du musicien. Exemple :
    Sur votre Piano, si vous transposez de la tonalité de Do à celle de Ré, l’intervalle entre ces notes est de deux demis tons ou d’un ton. Vous devrez alors décaler toutes vos notes de deux demi-tons ou d’un ton plus haut. Vous pouvez le faire pour toutes les notes en comptant simplement les lignes et interlignes. Tant que votre armure est correcte, vous n’avez pas à vous soucier de savoir si un intervalle est majeur, mineur ou parfait.

 

  • La transposition par accord.  Un grand nombre de pianistes et entre autres des pianistes de Jazz, utilisent cette méthode. Plutôt que de transposer chaque note d’un accord individuellement, les pianistes expérimentés connaissent tous les accords ainsi que les notes les composants. Une fois les accords bien appris, il vous suffira de penser à l’accord d’origine et à celui vers lequel vous souhaitez transposer. Il faudra bien sûr appliquer l’intervalle du changement de tonalité pour tous les autres accords de votre morceau. Cette méthode ne sera pas plus compliquée que la transposition par intervalle. En effet, un accord majeur reste majeur. De même un accord mineur reste mineur, et idem pour tous les types d’accords.

Le Piano à été désigné comme l’un des instruments de musique les plus accessibles. Lisez notre article pour découvrir les autres instruments du classement !

 

Difficultés lors d’une transposition

La plupart des notes peuvent simplement être déplacées du nombre correct de lignes et interlignes. Que l’intervalle soit mineur, majeur ou parfait, il se transposera de lui-même si la bonne armure a été choisie. Toutefois, il faut adapter correctement les altérations accidentelles (celles qui ne sont pas à l’armure). Elles doivent également être transposées du même intervalle. Pour cela, placez la note sur la ligne ou interligne où elle tombera si ce n’est pas accidentel, puis abaissez-la ou augmentez-la par rapport à votre nouvelle armure. Par exemple, un Si bécarre accidentel dans la tonalité de Mi bémol majeur (Sib, Mib et Lab à l’armure) a été relevé d’un demi-ton par rapport à la note dans l’armure. En transposant vers le bas dans la tonalité de Ré majeur (Fa# et Do# à l’armure), vous devrez élever le La naturel d’un demi-ton, à La dièse.

Si cela prête à confusion, gardez à l’esprit que l’intervalle entre les notes de la tonalité de Mi bémol majeur et les notes transposées de Ré majeur, devront être d’un demi-ton.

 

transposition piano

 

Nos dernières recommandations avant de transposer

N’oubliez pas de mettre à jour tout changement d’armure après chaque transposition dans la partition, ainsi que les changements de notes en faisant très attention à l’intervalle entre vos notes originales et transposées. Vous avez terminé? Il vous faudra indiquer dans le coin supérieur gauche de votre partition à quel instrument votre transposition est destinée. Par exemple “ Clarinette en Sib ” ou “ Saxophone Alto en Mib ”. Il est possible de transposer quelques notes ou accords facilement à la main. Cependant, qu’en est-il s’il s’agit d’une partition entière ? Actuellement, il est possible de faire cela numériquement grâce à plusieurs applications conçus pour faciliter votre travail (applications de saisie de partition par exemple). Cependant, le processus manuel vous aidera à vraiment comprendre la transposition durant vos premiers stades d’apprentissage.

 

Conclusion :

Pour conclure, tout comme avec la plupart des domaines de la musique, la meilleure façon de maîtriser la transposition est de la pratiquer régulièrement.

Vous savez désormais tout des étapes  à suivre pour transposer des accords au Piano. Avec Sight-O, améliorez la lecture de vos partitions préférées grâce à l’utilisation d’un Cache occultant qui se déplace de note en note sur la partition pour vous inciter à lire en avance, ne plus hésiter, ne pas vous arrêter.

 

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