La musique Moderne

La musique Moderne

Après la période Classique et celle du Romantisme, vient la musique Moderne, apparaissant vers la fin du XIXe et début XXe siècle (environ 1870 jusqu’à la Seconde Guerre mondiale). L’ère Moderne est marquée par de grandes révolutions technologiques, politiques et sociale de la société occidentale. Le monde de la musique profite de cet élan et s’inspire des progrès technologiques de l’époque. Quant aux compositeurs, ils cherchent à s’émanciper des anciennes règles musicales et cherchent continuellement de nouvelles façons de créer la musique. De là, de nouveaux genres musicaux apparaîtront dans le monde entier, comme le Blues, le Gospel puis le Jazz aux Etats-Unis.

Introduction à la musique Moderne

La fin du XIXe siècle voit la musique Wagnérienne se répandre dans toute l’Europe. Cette hégémonie quelque peu “étouffante” pour la plupart des compositeurs de l’époque, va s’estomper progressivement grâce à l’émergence du courant impressionniste dont Claude Achille Debussy sera l’un des emblèmes. “Le Prélude à l’Après Midi d’un Faune” en 1894, est un évènement et serait probablement le point de départ véritable de l’ère Moderne.

Cette époque est caractérisé par un mouvement des compositeurs, dû aux situations de tensions politiques et de guerres. L’Avant-guerre de 1914, constate l’arrivée de plusieurs musiciens à Paris venant de divers pays confondus (Russie par exemple, où le contexte politique est difficile), entrainant parfois quelques manifestations et scandales dans le milieu artistique. Ensuite, les années 30 verront de nombreux compositeurs s’exiler outre-Atlantique (Schoenberg, Stravinsky, Bartok, Hindemith et bien d’autres), devant la montée du Nazisme.

Au niveau musical, cette période est celle du doute : on a assisté à l’expansion de la tonalité puis à son écroulement progressif. Face à la suspension de tonalité, certaines théories ont émergé : adhérer aux six tons (Claude Debussy), aux douze demi-tons, et abolir la fonction harmonique (déjà proposée par Wagner et Franck) pour aboutir à une polytonalité harmonique ou oser l’accord de douze sons. Par conséquent, l’abolition de la tonalité engendre une nouvelle conception du temps musical.

Les chants grégoriens et la polyphonie de la Renaissance  sont estimés de nouveau et remis à l’honneur, inspirant ainsi à la modalité, tout comme la découverte des musiques ethniques a favorisé l’intégration de nouvelles gammes (la gamme pentatonique chinoise) et les douze demi-tons de Schoenberg conduit au sérialisme. Face à l’éclat du langage musical, la période entre les deux guerres mondiales est pleine de multiplicités musicales et artistiques : le Jazz, la polytonalité, le Music-hall se rapproche du néoclassicisme naissant. Cependant, certains novateurs tenteront de faire exploser d’autres paramètres, comme ceux du timbre et du rythme, ou de travailler à un son “brut“.

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Face à tant de bouleversements et de ruptures, il n’est pas surprenant que le néoclassicisme ait attiré de nombreux compositeurs tentant de rétablir, dans les années 1920/1940, le contact avec des structures formelles, des rythmes et une harmonie déjà éprouvée. Cette période a connu un bref retour aux traditions anciennes avant la prochaine rupture de l’après-guerre 1945.

La musique Moderne
Béla Bartók

Une période artistique foisonnante

La période Moderne se caractérise par une effervescence des arts dans toutes l’Europe, mais particulièrement en France, où Paris est un centre névralgique.

Les arts graphiques ne sont pas en reste. Des peintres comme Picasso participent par exemple à la création de décors pour les Ballets Russes. Les costumes du Sacre du Printemps de Stravinsky, sont tout aussi osés et originaux.

Les différentes formes d’arts, s’inspireront les unes les autres. À partir des années 1900, on voit de nombreux courants artistiques forts émerger tels que le réalisme, le futurisme, le primitivisme, l’expressionnisme, le folklorisme, le néoclassicisme, le cubisme, le surréalisme.

À l’ère moderne, l’originalité s’encourage grandement. De nombreux compositeurs expérimentèrent le succès grâce à des œuvres très originales pour l’époque. Citons par exemple Stravinsky avec “Le Sacre du Printemps” et son scandale lors de sa première, ou encore Erik Satie avec “Parade”.

La composition et l’écriture

À l’ère moderne, les musiciens/chercheurs étaient en permanence en quête de nouveaux codes d’écritures musicales capables de transposer les émotions. La tonalité s’élargira puis déclinera, résultant à une nouvelle conception du temps musical et une utilisation novatrice du rythme. Furent exploités le système modal et la série dodécaphonique (douze tons).
Les œuvres musicales de cette période se sont développées à partir des trois principes suivants : la tonalité, la modalité et les séries dodécaphoniques.

La tonalité et la modalité

Tous deux sont des langages musicaux nés des siècles précédents. La musique modale s’oppose à la musique tonale qui utilise uniquement les deux modes majeur et mineur.

La série dodécaphonique

Le dodécaphonisme est une technique de composition mise au point par Arnold Schönberg en 1923. Il s’agit une série d’intervalles de douze sons différents, ayant chacun la même importance dans la gamme et qui ne doivent pas se répéter tant que cette gamme n’a pas été écrite complètement. Cette série sera utilisée pour la transcription des sons et l’arrangement des flux de mélodies de manière plus structurée. La série à douze sons peut être utilisée sous différentes formes lors de la composition :

  • La forme droite ou originelle
  • La forme rétrograde ou en récurrence lorsque la série est prise par la fin
  • La forme miroir ou en renversement lorsque l’intervalle ascendant devient descendant et vice versa
  • La forme rétrograde du miroir ou en récurrence du renversement.

C’est à partir de la série dodécaphonique qu’apparaît la musique dodécaphonique. Un genre musical écrit à partir des techniques de composition se basant sur les six tons et des douze demi-tons de la gamme chromatique. Le style dodécaphonique est d’abord adopté par les élèves de Schönberg avant de toucher les autres musiciens de l’époque.

La musique Moderne
Arnold Schönberg

La diffusion de la musique Moderne

Grâce aux avancées technologiques de l’époque. La musique peut être enregistrée, différée et répétée. La période Moderne verra l’invention de l’électricité, de l’enregistrement sonore en 1877, puis du phonographe et du gramophone. Le phonographe a été le premier appareil utilisé pour reproduire la musique. Il utilise des processus mécaniques pour reproduire le son. Le gramophone, quant à lui, est l’ancêtre du tourne-disque. C’est un appareil qui lit la musique enregistrée sur un disque.

Des inventions suivront tout au long du siècle et la diffusion de la musique se développera avec l’avènement de la radiodiffusion. Ce sera le début de l’industrie musicale et elle va permettre à la musique de se populariser et devenir une élément culturel de masse.

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Phonographe

Les styles de la musique Moderne

Le style Wagnérien a commencé à se répandre au début de la période moderne. Ensuite, cette tendance est remplacé par l’avènement de la musique dite Impressionniste puis la musique de Ballet. L’Ethnomusicologie fait peu à peu son entrée dans l’imaginaire des compositeurs. En effet, la découvert de traditions musicales folkloriques a suscité l’enthousiasme et l’intrigue. Des compositeurs comme Stravinsky ou encore Bartok s’en inspireront profondément. En 1889 par exemple, pendant l’Exposition universelle de Paris, la ville a présenté au public la musique Arabo-Andalouse et la musique Indienne.

Le pluralisme stylistique de la période moderne

Contrairement à d’autres périodes, il n’y a pas d’uniformité de style dans la période Moderne. C’est l’époque d’exploration des genres. De nombreux compositeurs prôneront l’ouverture, tandis que d’autres maintiendront une attitude conservatrice envers le style des époques précédentes. Par exemple, Claude Achille Debussy puisera certaines de ses influences dans la musique orientale, dont les harmonies seraient “raffinées et les sonorités évocatrices”. Sa musique contribuera à l’avènement du style impressionniste, que des compositeurs comme Maurice Ravel continueront de perpétuer et magnifier.

En raison de l’introduction de nouveaux genres musicaux de différents pays et cultures, le style de la musique moderne est vite devenu très riche. La musique occidentale a été influencée par les rythmes, les sons, les mélodies et les techniques de la musique espagnole, arabe, africaine, asiatique et indienne. Un mélange osé d’expérience sonore et esthétique qui aura alors inspiré de nombreux compositeurs.

La musique Moderne
Claude Achille Debussy

Conclusion

L’une des principales caractéristiques de la Musique Moderne est son émancipation du système tonal, hégémonique depuis le XVIIe siècle. La fin du XIXe et le début du XXe siècle, ont éliminé ce système tonal pour de nouveaux systèmes tels que l’atonalisme, le dodécaphonisme, le sérialisme. Ces trois principales techniques seront le terreau de la musique contemporaine après la Seconde Guerre Mondiale.

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Quel Saxophone choisir pour débuter ?

Quel Saxophone choisir pour débuter ?

Le Saxophone est parfois associé à la famille des Cuivres, mais en réalité, l’instrument fait partie de la famille des Bois. C’est un instrument à anche simple. Une fois l’anche mise en vibration contre le bec, un son est produit puis amplifié par le corps de l’instrument. Le choix des anches et du bec auront leur importance pour obtenir une esthétique sonore voulue. Il existe sept types de saxophone, du plus aigu au plus grave : le Sopranino, le Soprano, l’Alto, le Ténor, le Baryton, le Saxophone basse, et le Contrebasse. Dans cet article, nous nous intéresserons aux 4 Saxophones les plus utilisés afin de vous aider à mieux comprendre lequel choisir et dans quel cas.

Le Saxophone ?

En 1840, le belge Adolphe Sax mis au point un instrument aujourd’hui bien connu du monde du Jazz et de la musique Pop. Né d’un père lui-même fabricant d’instruments de musique, il commença à inventer et fabriquer ses propres instruments dès son plus jeune âge. Il présenta en 1841 son “Saxophon”, à l’époque sans le “E”, au jury de l’Exposition de l’industrie Belge et obtient un brevet en 1846. Faisant de son invention l’une des plus grandes innovations de l’époque. Dans les décennies suivantes, de nombreux musiciens adoptent le Saxophone, notamment C.Parker, J.Coltrane et S.Rollins.

Actuellement, le Saxophone est utilisé dans de nombreux genres musicaux. Citons le Saxophone Alto et Soprano aux tons articulés et clairs, le Saxophone Baryton aux sonorités chaudes et graves et le Saxophone Ténor aux sonorités plus douces. Découvrons maintenant les différents types de Saxophone.

 Quel Saxophone choisir pour débuter ?
Adolphe Sax

Les différents types de Saxophone

Parmi les types de Saxophone, nous allons en présenter quatre :

  • Le Soprano est un instrument conique. Au niveau du son, c’est l’un des plus haut perchés et sa sonorité est d’une clarté et délicatesse sans pareille. Sa tonalité est si bémol. Il est la plupart du temps droit, ressemblant ainsi à la Clarinette. On le surnomme d’ailleurs parfois “la Carotte”.  D’ailleurs S. Bechet est le premier à avoir démocratisé le Soprano. En raison de sa petite taille, il est parfois utilisé pour faire débuter les jeunes enfants, même s’il n’est pas simple à jouer
  • L’Alto est le Saxophone par excellence pour débuter l’apprentissage. C’est un instrument  très populaire car il peut être utilisé en Jazz, en Pop, en Rock ou en orchestre Classique. Avec sa tessiture et sa sonorité veloutée, il peut s’adapter à tous les types de musique. 
  • Le Ténor à un son plus chaud et grave, il est parfait dans les types musique tels que le Jazz et le Rock.  On retiendra entre autre Stan Getz, surnommé “The Sound” tellement le son de l’instrumentiste était reconnaissable
  • Enfin, le Baryton est celui qui produit les sons les plus graves parmi le quatre Saxophones présentés et parmi l’un des plus imposants par sa taille. Il n’est cependant pas conseillé pour les débutants, car il demande une bonne maîtrise de la colonne d’air
 Quel Saxophone choisir pour débuter ?
Saxophone Ténor

Le Saxophone est un instrument très accessible pour les Séniors, mais il n’est pas le seul. Découvrez les autres instruments 

Le quatuor

Le quatuor de Saxophones est une formation de musique de chambre composée d’un Saxophone Soprano, d’un Alto, d’un Ténor et d’un Baryton :

Le Saxophone Alto

Les capacités multiples, les divers avantages et les qualités expressives du Saxophone Alto en font l’un des instruments les plus populaires et les plus joués dans la famille des Saxophones. Les débutants font souvent le premier pas sur cet instrument, car il est plus léger, plus accessible et techniquement plus facile à maîtriser que le Saxophone Ténor, Soprano ou Baryton. Il est l’instrument d’apprentissage idéal, possède un large répertoire, est agréable à jouer et apportera du plaisir.

Si vous recherchez un Saxophone adapté pour un enfant, le Saxophone Alto est un bon choix. À savoir, que pour les petites mains, il est souvent conseillé de débuter avec un Soprano courbe. 

Le Saxophone Ténor

Le Saxophone Ténor est devenu l’instrument phare du Jazz au milieu des années 50 et a donné naissance à une véritable idylle entre l’instrument et le style.

La caractéristique qui rend le Ténor unique est qu’au niveau du “bocal” la partie qui recevra le bec est courbée. Cette forme qui lui est propre, place ce Saxophone dans une catégorie à part avec sa sonorité puissante et expressive.

En raison de son poids plus lourd, il est davantage joué par des adultes. Si vous avez déjà joué de l’Alto, il ne sera que plus facile pour vous de traiter avec le Saxophone Ténor. Cependant, peu de gens débutent aux Saxophone avec un Ténor, car sa maîtrise révèle plus de difficultés.

Toutefois, il reste tout à fait possible de commencer avec le Ténor.

Le Saxophone Soprano

Le registre haut du Soprano en fait l’un des Saxophones les plus difficiles à maîtriser car les notes aiguës sont plus difficiles à produire.

Le Soprano est généralement utilisé dans les compositions Classiques ou de Jazz, et sa petite taille et son clétage rapproché, permet aux musiciens de commencer dès leur plus jeune âge pour ensuite continuer sur un Alto. 

Le Saxophone Baryton

Pour finir, le Saxophone Baryton est le plus grand des quatre Saxophones présentés dans cet article, et sa sonorité profonde et grave est plus adaptée aux lignes de basse, en particulier dans les orchestres Classiques ou les grands groupes de Jazz et orchestres d’Harmonie.

Pour un apprentissage, il est le moins conseillé : en plus de son poids conséquent et de sa taille entraînant un prix plus élevé, son embouchure lâche rend son contrôle plus difficile à cause du passage entre les notes les plus hautes et les plus basses nécessitant beaucoup d’implication musculaire et une forte quantité d’air.

Quel Saxophone choisir pour débuter ?
Saxophone Baryton

Alors, lequel choisir ?

Le choix se fait en fonction de votre niveau et de ce que vous recherchez.
Le Saxophone Alto est le plus adapté pour l’apprentissage et donc pour les débutants en raison de sa légèreté et de sa maniabilité. C’est l’instrument le plus utilisé de ce quatuor, que ce soit pour la composition ou l’interprétation.

Le Ténor est fréquemment utilisé pour ceux qui apprennent le Jazz. Cela peut demander des efforts supplémentaires, notamment au début.

Bien que le Soprano soit petit et généralement plus léger, il reste difficile à maîtriser notamment au niveau de l’embouchure et de la justesse. Son embouchure est plus petite et cela demande donc un plus grand travail au niveau des muscles de la bouche pour produire un son de qualité. Cependant, si vous le maîtrisez correctement, le Saxophone Soprano produira un son magnifique.

Conclusion

Pour conclure, les critères sur lesquels doit se baser votre choix de Saxophone sont : votre âge, votre expérience musicale, vos envies musicales, à savoir le ou les styles de musique que vous souhaitez explorer. Mais pour débuter, il est conseillé de partir sur un instrument neuf, toutefois un d’occasion peut très bien faire l’affaire si vous avez la possibilité de le faire réviser par un professionnel.

 

Cet article a été écrit sous la supervision de Samuel Maingaud, saxophoniste et compositeur. Diplômé du CNSMDP de Paris dans la classe de Claude Delangle, il poursuit une brillante carrière de sideman et de leader en collaborant à bon nombre de projets d’albums. Artiste Selmer, Samuel joue le Saxophone alto au sein du groupe d’humour musical Les Désaxés.

 

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